世界级水彩大神全集，看到你眼花缭乱为止 / 开普饭

今天我们要介绍的是世界级水彩画家，这些水彩画家让我颠覆了对水彩的认知，“原来水彩可以这么美，简直快要惊掉下巴”，一起来看看他们风格各异但技艺精湛的水彩画作吧~

1.William Turner先放上。

透纳有名的作品都是油画，但是他可能是比较早户外写生的水彩画家之一。如果有对水彩感兴趣一定要去看看他的原作，看看他绘画的方式。水彩实际上更多时候就是一种sketch的工具，寥寥几笔，快速准确的记录色彩是需要长期练习的。每次看透纳的画都提醒我painting基本功的重要性，即使水彩再强调技法，基础扎实怎么画都不会难看。很喜欢他随意但是准确的Sketch，算是我追求的目标。

2.Branislav Marković

塞尔维亚画家。他的风格不局限于上面两张这种感觉。这种雾蒙蒙的变化方式算是很传统的水彩过渡，但他处理的非常大胆，经常大面积的留白和单一色彩。细看每个色彩的变化却很丰富，比如第一幅绿色树丛边上接的黄边还有树丛下面泥土上微妙的绿影。当然我最喜欢的是他画出的那种飘渺的意境，凡是有这种感情的作品我都很喜欢。水彩很难画很大的画面，相比超写实，简单的大面积单色更难控制，所以这样简单的画面同样很考验功底。

3.Chris Oldham

他画了好多的火车，本身是个火车达人，据说做了一个地下室的火车模型。大学读的法律专业，不算科班出生。我喜欢他的鲜艳颜色，代表着一类“迪斯尼”的风格。很长一段时间迪斯尼的原画都是这种很鲜亮的秋天，当然后来电脑填色之后，他们的动画色彩丰富得太多了。不过我一直觉得这种感觉的颜色很符合想象中的美国，朴实而乐观。另一方面，可能自己永远都不会画这种风格的作品吧。

4.David Walker

和画墙画那个David Walker不是同一个。这个David是个建筑师，做了好几年的渲染图，所以看他的画就像看建筑杂志一样非常有建筑气息。当然，他的颜色算是很传统科班训练的风格，暗部处理的很细致，并非一块无变化的深色。第二幅画，门和窗户边缘我非常喜欢，几乎还原了Tate Modern的感觉。虽然颜色不算大胆有新意，但构图确实很考究。

5.Francisco Castro

西班牙画家，没找到他的网站，Facebook有很多他带画班的照片。他的色调很多西班牙的画家都画，不算非常有特色。但是他的构图我很喜欢，很有意境。比如第一张最顶的淡蓝色和中间大量的留白，第二张近处虚化的处理。放在油画系列的材料中这些可能很常见，不过用水彩来处理也算很不同了。

6.Gerald Green

英国画家，我临过好几次，但无奈人家技法比我熟练太多，所以基本以失败告终。他大部分作品我觉得一般，但只要一出现逆光效果，一定非常好看。我最喜欢的部分是他画逆光城市时远景的处理，相信他一定做过大量的写生练习。以上面两图为例，远方的建筑在大图的时候非常潦草，色彩的变化看起来也不明显，但缩小来看的时候，可以感受到建筑的体积感。可见并不是单一几个颜色往画面上刷，即使看不清的细部也会有细微冷暖的变化。

7.Jean-Louis Morelle

法国画家，写过好几本教程。选这两幅不是说代表他的风格，只是因为算是处理的比较好的蓝橙色调。蓝橙调在电影中经常见到，因为很容易处理得有质感。但看太多之后，大都有种调色调过了的感觉。Jean-Louis Morelle 这种灰灰的颜色反而显得很写实。

8.Linda Doll

美国有一系列这种用色被称为“色调主义” 的画家。当然Linda Doll的用色不算非常的典型和极端。我喜欢她把人影安排在空白地板的这种构图，如此强烈的阳光看起来非常抽象和不真实，但画面的物件却又非常生活化。实际上正是水彩这种质感，让这种很平面化的作品与众不同，如果换做常见的丙烯，作品效果就很一般了。

9.Marcin Wolski

很年轻的波兰人，非科班。他的插画相比之下逊色太多。虽然总体画面很平庸，但有一个点：他最后收形的线条非常微妙。设计的分析图和表现图我们经常用的方法是：先大面积，随意的刷颜色，然后用钢笔勾一下大转折收形。这样处理主要是速度快。但勾线勾多少，勾哪些部分就是个问题，太少的话没有形状，太多就显得太卡通了。Marcin Wolski处理就恰到好处，即强调出了形状，又不会显得画面很卡通缺乏艺术感。

10.Morten E. Solberg

这种森林狩猎题材我向来不喜欢，算是美国非常常见的一类水彩画。Morten E. Solberg的亮点在于留白处理上，尤其第一幅，右边的白色好像赋予了画面很多暗示。而第二幅左边就像颜料泼出的痕迹，好像很自由的画到这个部分，一切就结束了，不再是俗套的白雪茫茫。

11.Naomi Tydema

英国画家，2013年得过透纳奖。她代表了英国当代水彩非常受推崇的一种风格。我画过好几幅差不多的构图，但看过她的之后，感觉线条和色彩都要高好几个档次。她的作品很有中国意境，或者说像中国的风景。很讽刺，如今什么场合都有中国人拿出国画抖三抖，拿出意境秀一秀。

12.Oleg Eldeukov

俄罗斯画家，貌似也是个建筑师。画面很有建筑图面那种强烈明暗对比的效果。但他的色彩非常平庸。他画面几乎全部是阴天，光感很弱但黑白对比很强烈。我喜欢他对于阴天天空的处理，天空的云很简单，但在建筑的对比下，反而成了印象最深刻的位置。

13.Roland Palmaerts

法国画家，他的色彩和构图对我效果图影响很大：画面的主体部分，不一定是色彩饱和度最高，细节最丰富的部分。很多时候他的图面中的主体都是留白或者一个灰色，而树木，光影等配景反而是最艳丽的。所以对比才是重点，而营造对比的方式是很多样的。

14.Stephen Scott Young

美国画家，画了很多的黑人。他的风格和我非常喜欢的Andrew Wyeth很像，都表现日常题材，但画面中总是感觉哀伤和无助。没放Andrew Wyeth的原因是，他更多画蛋彩画质感类似于油画，而Stephen Scott Young则是非常明显的水彩技法。

说回刚刚提到的色调主义，这算是非常典型的画家，画中大量充斥着黑色和灰色，几乎没有色彩对比。他画中对比更多是在黑色和白色营造的明暗上。就像第一幅画，画中人物穿了一件雪白的外衣，外衣上的皮带，背景以及肤色黑白交替。所谓绘画的节奏感也就在于此吧。

接下来，我把静物画单独列出来。因为静物画算是水彩非常重要的一个类型，但我本身关注的很少，所以只能少量列几个。

15.Tom Hedderich

风景画为主的画家，但相比之下风景颜色差太多了。水彩中最常见的就是这样阳光明媚的午后色彩，当然画得人太多了，要出彩也不容易。Tom Hedderich不能说很突出，但是可以看到细节的巧妙安排。比如第一幅中水果和桌布的红绿对比，以及第二幅中暖黄色大狗躺着的冷色沙发。红绿色调对比太过于强烈，画家的方式是加上黄色降低饱和度。画面中几个绿色都不突兀，细看大都非常淡或者偏黄。第二图中黄色的狗狗依旧很突出，即使整个沙发很多地方都是暖黄。

16.Paul Young

不算很考究的绘画，但是静物的构图是精心考虑的，颜色的话实际上也比较偏色调主义，那个大绿壶绝对过目不忘。我很关注静物画的构图，这很体现静物画的情感和氛围。各个形状在图面的关系应该被精心的安排。即使这个系列的静物真的很一般，但依旧提醒我：一团布上撒几个水果绝对是对静物画的侮辱。

17.F Brown Steele

画家画了好多好多的玻璃杯，酒瓶。当然这种题材画得好的人太多了。这个虽然也是超写实，但并非只是为了展示自己能画好多反光。他最有特色的画作是一种群青色的（类似克莱因蓝）杯杯。他的摆搭很有构成感，上面两幅图的构图就很有意思。当然这两张画颜色也很有看头，一张是各种粉色系，配在白底上却不是一种可爱的感觉。第二张比较调侃吧，各种绿色。

18.Emma Hesse

加拿大画家，喜欢画各种各样挂在衣架上的衣服。Andrew Wyeth也画过好几幅有关衣服和帽子的题材，但相比之下Emma Hesse的处理色彩更加丰富，比较偏印象派的淡色。我特别喜欢床单被子这种物件，在图面中容易出现戏剧的块面。不过被单角落的位置我认为太花了，像铝箔，如果是色调主义的画家可能是很灰暗的颜色，看起来写实一些。不过就和裙子一样她喜欢处理很跳跃的色彩。所以感觉Emma的画没有Andrew那么的悲凉，但依然不会很温馨。

19.约瑟夫·马洛德·威廉·透纳

《西起观洛桑》（Lausanne from the West）

探讨人与大自然的关系，描绘芳河峡谷上新建的大桥，戏剧性地展现人类如何尝试以新科技征服大自然

《多姆莱施格河谷，北望罗滕布伦嫩市峡谷》（The Domleschg Valley, Looking North to the Gorge at Rothenbrünnen）则深刻纪录了透纳在罗腾布伦嫩市峡谷的小桥上素描时，面对高耸群山环绕而产生的对比之感。这两幅画都是透纳晚年的画作，也算是聚集了一生绘画技巧的精华。透纳画中的高山远景的壮阔，人与自然融合的感情让人欲罢不能ε-(´∀｀; )…看到透纳的画就会不自觉地开始思考人生……他的油画也非常棒，在此安利一下……