近日，广东美术馆呈现了四位颇受业内外关注的艺术家康海涛、仇晓飞、宋琨、韦嘉的绘画作品展——“绘画：宏”。展览的作品有艺术家们近年来的创作，也有最新力作。四位曾被称为年轻艺术家中的佼佼者，如今也步入中年，创作进入了新的阶段。关于此次展览的策展理念，以及艺术家的选择和绘画的现状等问题， ArtAlpha 专访了此次展览的策展人 鲍栋 ，分享给大家。
ArtAlpha：您是怎么想到策划这样一个展览？
鲍栋：我们想要做一个绘画的群展，呈现出那些创作已经成熟，已经有所沉淀的艺术家的作品，所以年龄上我们选择了70后到85前的几位艺术家。
相对来说，绘画是一种相对古老的艺术形式，艺术家得到45岁左右才能进入一个较成熟的阶段，年轻一些的时候都属于个人风格的建立中。而且这个年龄阶段，可以说市场也是逐渐成熟，稳定。
我们这次展览，就是在这样一个线索背景下选择的四位70后艺术家，康海涛、仇晓飞、宋琨、韦嘉，他们之间的绘画风格是互相可以呼应，能产生一个关联的。
康海涛，仇晓飞，宋琨，韦嘉（从左至右）
这几位艺术家我想他们有这样几个特点，首先是我们这次展览主题“宏”，即从一个相对宏观的整体视野中面对绘画，把绘画实践放到历史脉络下，并把绘画理解为一种从整体上观看和理解世界的行动。
以前我们谈这代艺术家总说他们是关注个人更多，实际上随着他们的成长早已不是这样了。
年轻的时候肯定会以个人的触觉来出发，但是随着成长，个人其实没办法脱离大的社会和时代，所以自然而然会碰到更多的东西。
那么对于艺术家而言，除了关注这种外部的社会时代等等，也会关注专业内的，比如绘画的整个历史背景。这些在我看来都是一个宏观的视野。
第二点就是这几位艺术家，我觉得从风格上都有一种古典感，当然这不是安格尔那种“古典”，不是一种狭义的古典主义，而是一种作品中透出来的气象。
比如宋琨，虽然她的作品题材中有很多亚文化的东西，但是人物的塑造上是很有古典色彩的。韦嘉的作品中，人物的造型都很像那种文艺复兴时期的雕塑。这两个艺术家都是偏重画人物的，实际上选择画人物本身就已经很古典了。
康海涛，他更多的是画风景，但是他不是说去画一个小景或者画一个时代性的符号性的风景，他画的东西永远是很恒定的，你看不出来作品是什么时间画出来的。他的作品中的元素是光和植物，这里面有古典主义那种规划感，以及除了宏伟外所追求的恒定感。
仇晓飞也是有这种气息的，虽然这次展的抽象的系列。但是他的新作品也好，过去的很多作品也好，都是透露出来这样一种气息，比如他所关注的历史问题等等。
ArtAlpha：为什么选择在广东美术馆做这个展览？
鲍栋：广东美术馆一直在国内公立美术馆里是很有代表性的，与当代艺术的关系特别密切，因为最早就有双年展三年展，有摄影的研究跟收藏，他们有一系列这样统系的东西，在这个基础上我们展览的实施是非常容易的。
ArtAlpha：这次呈现的都是艺术家什么时期的作品？
鲍栋：韦嘉的作品是最新的，康海涛、宋琨的作品是跨度好几年的作品，仇晓飞是前几年的作品。
ArtAlpha：那就是说都是近几年的一些作品了，您感觉和早期创作有什么区别呢？
鲍栋：仇晓飞变化挺大的，早期是从图像出发，是在寻找学院系统的一个突破口，后来发展到心理的，有点带精神分析意味的，不管是抽象也好，还是表现也好，他的绘画的深度性逐渐建立起来了。
韦嘉早期有过偏卡通的阶段，然后进入了涂抹式的，更加绘画性的阶段。
而且这些变化背后也有艺术家生活的变化，韦嘉最小的孩子去年刚刚出生，他除了川美的老师外担任了版画系主任的工作，非常忙，画画的时间被挤压，这也造成了他画起画来比以前更果断，不会花那么多时间去磨，这反而给了他一个往前走的机缘。
仇晓飞也是有三岁的小孩，所以生活和过去有所变化。都是典型从青年，变成中年，因为中年就是上有老下有小。
ArtAlpha：中年，会让人想起时下流行的那个词“油腻”，他们几位有变得“油腻”吗？虽然艺术家是面对自我，但是绘画的受众人群，其实最害怕的就是他们进入了一种不会再制造惊喜的阶段。
鲍栋：这倒没有，他们这几个都一直在尝试做变化，这是最关键的。
比如韦嘉，他本身是版画系毕业，相对版画的精细，他的布面绘画方式则完全相反，非常有意思。他的新作让我是很惊喜的，前几年去过他的工作室，他也在尝试一些变化，但是没有像这次这样彻底，他最近的作品在造型和颜料的结合上更突出了。
韦嘉 《大卫》 布面油画 220x180cm 2020
韦嘉 《围观世界》 布面丙烯 150x185cm 2020
仇晓飞最新的作品，会更强调心理作用和意向，因为时间仓促，这次展览没有展出最新的作品。
仇晓飞 《卧床见神》 布面丙烯 220x300cm 2014仇晓飞 《灯绳影线》 布面丙烯、木头、灯、绳 400x300cm（绘画）；350cm（灯架） 2013宋琨这两年最大的变化，就是大画变多了，而且作品中更多的是她构建的世界，这个和早期她通过照片描绘世界是不一样的。宋琨 《净土风景》 布面油画 140x360cm 2015宋琨 《浪潮 No.1》 布面油画 90x125cm 2018
康海涛和他们三个又不一样，他是提前进入“中年”的状态。第一他没在北京开过工作室，没有进入所谓的“核心艺术圈”。他一直在四川很安静的画一个很稳定的风格，这两年他在绘画上更追求一种复杂性，有了更多的细节。他的变化不是外在形态上的，而是自我的深度上的寻找。
康海涛 《隐秘汇合》 纸板丙烯、墨 175x252cm 2017-2018康海涛 《无题》布面丙烯 118×160 cm 2020
他们几位的共同特征都是更偏向于精神上的不断探索。
ArtAlpha：相对那些符号化比较强烈的作品，这几位艺术家的作品，从某种角度看会不会社会传播性弱一些？
鲍栋：确实他们的作品谈不上太容易被大众认知，比如仇晓飞的作品，从大众角度来说，就是不容易“看懂”。但是我想他们追求的不是这个，他们本身就想把绘画的这种复杂性呈现出来。
所以一旦追求复杂性，那就难免有一定的“晦涩”，让不了解的大众参与进来就会相对难一些。
但我觉得这不是问题，这和这些艺术家对于自身的丰富和厚度的追求是有关系的，我希望每一个艺术家都有自己的工作体系与方法，这比追求某种社会认知性更重要。
“绘画：宏”广东美术馆展览现场
ArtAlpha：这些艺术家有什么样的时代背景？
鲍栋：虽然我不太愿意去从代际上划分，但是这代艺术家75-85后，他们是经历过艺术行业从比较边缘的状况发展成一个成熟的系统。
从早期他们毕业时，艺术市场刚刚开始形成，他们的展览都需要自己组织，到后来画廊、美术馆等等系统的逐渐发展，他们的艺术生涯成长过程也是伴随着整个当代艺术行业的发展，而行业的发展也对他们有积极的反馈作用，这和后来80后艺术家毕业后就有了成熟的市场的背景还是有区别的。
ArtAlpha：那您会不会觉得，后面逐渐完善的艺术市场，比如有了成熟的画廊系统，有更多的成熟收藏家，美术馆系统，二级市场拍卖等等，这会不会让艺术家的创作变得“生产感”，来满足这样一条流水线呢？
鲍栋：现有的很好的系统，它可以帮到你，你不用从零开始干。那能不能去抵御它所带给你的反作用，主要还是看艺术家个体了。比如04-08年也有过很好的市场，艺术家如果面对这样的浪潮，做杀鸡取卵的事情，那早晚也是要被淘汰。那个时候依然坚持一些东西的艺术家，到现在也很好，比如刘野，王音和王兴伟等等艺术家。
他们需要自己去适应去调整。
“绘画：宏”广东美术馆展览现场
ArtAlpha：现在的艺术形式越来越多样化，像新的年轻艺术家，选择绘画作为艺术创作方向的会不会数量上少一些？
鲍栋：虽然从类型比例上来看似乎是这样，但是艺术家的数量增加了，所以绝对量其实差不多。
而且十几年前，相比观念艺术，装置艺术，其实绘画在那个时候显得有些low,但是现在不是，绘画变得成了一个大家认同的身份，和其它方式都是一样的、平等的，这是一个好现象。
“绘画：宏”广东美术馆展览现场
ArtAlpha：目前中国的经济地位，在全球也是举足轻重，有很多方面也在全球发挥了一定的影响力，那我们新一代的艺术家，也会有这样产生全球影响力的出现吗？
鲍栋：我觉得会有，但是短期内比较难，因为这里面不光是一个艺术家质量的问题，主要质量的标准是不统一的，也很难去统一。
比如说去年明显的开始了一个全球化转向另一个维度的时代，不再是大家共享一个全球化，大家开始变得对于全球化的理解不一样了。美国依然是以自己为中心的全球化，中国要去做自己的另外一个角度的全球化，但是目前中国在软实力这块是相对弱的，所以要想短期内去抗衡某个西方很强的领域依然有难度。
但是显然在大众化这一块，中国发展很快。比如抖音这些，都是全球影响力很大，但是在所谓精英文化的领域去抗衡显然还没有那么快。
ArtAlpha：这个部分偏弱的核心是什么呢？艺术家的创作还是什么？
鲍栋：我觉得不是创作，实际上中国现在最好的艺术家，和别的国家好的艺术家没什么差别。现在差就是中国的艺术机构，画廊等等，他们的品牌影响力等方面来看是比较吃亏的。
ArtAlpha：从事绘画的艺术家是什么样的工作状态？
鲍栋：据我所知，他们的工作方式显然还是那种在工作室里面每天上班下班的方式，因为绘画绝对是要有身体训练的部分，不光是说你要有什么样的想法。很多绘画艺术家好像都不太怎么社交，都有很稳定的工作习惯。
比如很多老艺术家，他们早上6:30去工作室画画，然后画到下午4:00，很多年轻艺术家每天工作也很稳定，比如像张子飘，也是早上八九点就到工作室开始工作。
ArtAlpha：您觉得是什么东西促使他们的作品进步？
鲍栋：绘画和别的媒材不一样，它是很直接的，很难去掩饰一些东西。对于绘画来说，是跟肉身存在关系的，它需要丰富的训练，它是有那种肌肉记忆的，有手艺的特征，需要长时间的积累。
这里面说的不是狭义的技巧，不是说怎么画的更细更精确，而是身体记忆，要在各个细节上能体现出你体系化的风格，是要长时间积累，这个积累不光只是身体的，绘画还是一种观看方式，所以也是判断力甚至世界观的积累。
我们对稍微成熟的艺术家要求跟一个新艺术家是不一样的，新艺术家可以靠一个新鲜的东西让大家记住，但到了成熟艺术家这个阶段，大家已经熟悉你过去的作品了，熟悉你这个人的体系了，那么无法靠新鲜来打动人的时候，观众的要求更高了，可能更需要的是“耐看”。
我觉得可能真正的让这些成熟艺术家之间最后内部能产生差异的是你是否能一直把自己的系统，把自己的工作系统贯彻下去，进步不是说那种简单的表象突破，而是系统的工作量的一个结果。
能够进入这样一个阶段的艺术家，基本都是有天赋的，但是就如同跑步，这是一场马拉松，天赋让你进入到了这样一个阶段，那么接下来的就是坚持下去，当然运气也很重要。
而进入成熟艺术家这个阶段以后，对于天赋的要求占比越来越少，最重要的还是你是不是一直坚持在创作，在画画，把精力用在这上面。如果你不把精力主要花在这上面，那么结果显而易见，因为作品是骗不了人的。
当然对于艺术家的研究也是非常重要的，这个是外部的，有运气的成分在里面。比如遇到合适的评论家，来解读作品，让更多人知道你在干什么。
1977年初生于黑龙江哈尔滨，2002年毕业于中央美术学院油画系，现居北京。仇晓飞的艺术作品包括油画，三维绘画雕塑及装置，水彩等较为多样。其作品题材很大程度上关注记忆与历史之间的关系，仇晓飞的画面即有现实主义成分，又具心理和潜意识色彩，同时还有一些对历史的反复书写，将概念与美学以独特的方式联接到一起。他的作品很大程度上关心的是与记忆有关的图像溯源学，个人经验与历史之间的关系，而近期作品更多强调的是绘画的心理过程与视觉形式之间的联系。仇晓飞的绘画始终有两个端点，画的物性与人的心理，中间是跨越历史、象征、图像、记忆的庞大复杂性。这使得他在每一个系列，甚至每一张作品中，都把自己带进一个迷宫，以保持对结果的无知。在他2014年的作品中，迷宫的起点被设定为既定的图像形象、画框形状、底图色彩及照明环境，仇晓飞从作为他律的物出发，而最终抵达了一系列陌生的形式。其超现实主义特征的工作方式，在这里似乎具体化为了框架与绳索，既是对于秩序与破坏，也是关于构建与连接的象征。1976年出生于重庆，2000年毕业于四川美术学院。现工作、生活于成都、绵阳。康海涛从 2000年以来一直在探索关于“夜景”系列的油画创作，注重细节的刻画，所描绘的对象多是身边熟悉的一些场景和日常事物，如一片树林，一道门，一些简单的房子……作品借鉴了中国传统山水画中的“积墨”手法，塑造出宁静、陌生而神秘的画面氛围。在创作“夜景”系列的同时，康海涛也继续着抽象绘画上的探索。他的抽象作品从一片空白和虚无出发，创作过程近乎冥想，与“夜景系列”的强烈形成对立，他既不面对一个既定的视觉客体，也不面对任何心理体验（有意识或无意识的），甚至都不面对画面上某个阶段出现的意象。康海涛，界, 2019，纸板丙烯，320 x 485 cm康海涛，无题, 2020，布面丙烯，130 × 180 cm，118 × 160 cm康海涛，夏夜, 2018，纸板丙烯，179.5 x 119 cm康海涛，南方的镜子, 2017，纸板丙烯、墨，145 x 250 cm康海涛，彼岸, 2017-2018，纸板丙烯、墨，115 x 218 cm康海涛，一隅, 2019，纸板丙烯，164.6 x 131.7 cm夜景这个题材对于康海涛来说只是一个借口，他着意的是光，在夜景中，光因为稀缺而成为主角，并且几乎盖过所有的物体，独自出场。夜晚的光线大都是灯光，和白天的普照天光相比，灯光总是具体的、有限的，不管是角度还是范围。康海涛选择的都是一些布光感很强的场景，与之相关，他的绘画也带上了强烈的摄影气息。但他的作品并不属于那些制图式的影像绘画，因为要描绘光本身，空间、物体、色彩与笔触都是透明的，也是离散的，它们似乎没有骨架或外壳，只是无止境的积聚在画面上，形成了一种没有外形的巨大量感，一种可以感知但又无法被表达的存在。于是，在这些绘画中，一种古老的存在论疑问被唤醒了：暗与光、混沌与秩序、繁复与空灵。2006年毕业于中央美术学院油画系，中央美术学院油画系第三工作室客座教师，N12艺术团体的发起及组建人之一。作品以绘画为主 , 同时结合了音乐现场、Music Video、装置等方式。透过捕捉描绘不同的形象、真实或超现实的瞬间，宋琨的创作展现出个体瑰丽隐秘的私人世界对变化中的中国特有的反映和关照。在现实主义绘画的基础上，宋琨的作品融入了更多冥想与心理内省的气质，并尝试将绘画语言及视觉系统结合中国传统绘画留白与空性的美学观，为中国当代绘画在全球化的语境里提供了本土力量新的可能性。宋琨 Song Kun / 赛博格躯体-层级错位 Cyborg Body - Hierarchical Dislocation / 布面油画，亚克力罩，铁链 Oil on canvas, acrylic box, iron chain / 360x125cm / 2019宋琨 Song Kun / 灵-fugly44 Fairy - fugly44 / 布面油画 Oil on canvas / 220x140cm / 2018宋琨 Song Kun / 地藏六使者-宝藏天女 Six messengers of Ksitigarbha-Devakany a of Treasure / 布面油画，水晶树脂，Led零件 Oil on canvas, crystal resin collage / 220x140cm / 2015宋琨 Song Kun / 地藏六使者-摄天使者 Six messengers of Ksitigarbha / 布面油画，水晶树脂 Oil on canvas, crystal resin collage / 220x140cm / 2015宋琨 Song Kun / 浪潮 Waves / 布面油画 Oil on canvas / 90x375cm / 2018宋琨 Song Kun / 赛博格躯体-U Cyborg Body-U Baby / 布面油画 Oil on canvas / 270x125cm / 2018宋琨 Song Kun / 阿修罗-自画像 Asura — Self-portrait / 布面油画，假钻 Oil on canvas, fake diamonds / 40x30cm / 2017宋琨 Song Kun / 浪子 Wave Baby / 硫酸纸素描，透明综合材料拼贴，亚克力罩 Mixed media installation with drawings on tracing paper and collages / 90x60cm / 2016宋琨 Song Kun / 禁忌-唇封 No.2 No-No-Keep in Silence No.2 / 绘画装置，布面油画，镭射皮带，亚克力罩 Painting installation, oil on canvas, laser belt, acrylic cover / 60x45cm / 2018宋琨 Song Kun / 深潜 Deep / 布面油画 Oil on canvas / 375x180cm / 2018宋琨 Song Kun / 净土风景 Pureland / 布面油画 Oil on canvas / 140x360cm / 2015宋琨 Song Kun / 贪婪蛇 Greedy Snake / 布面油画 Oil on canvas / 60cm, 45cmx4 / 2015宋琨 Song Kun / 浪潮 The Wave / 音乐录像 Music video / 双频投影 / 3'55' / 2018宋琨的绘画语言和风格来自于学院中所保留的古典主义，但她绘画的主题则当代亚文化中的塞博格人类，古典绘画的节制与优雅，亚文化的时尚与酷，宋琨的作品把这两者奇妙的结合在了一起。学院古典的高级灰色调转换成了科技感的银灰，古典素描的精确线描转换成为了工业造物的冷峻，古代绘画中的人物姿势与衣纹处理被用来展现未来人类的万千Pose。反过来，正是这些古典美学的因素使宋琨画面上的人类透露着一种近乎宗教感的宿命与庄严，也让宋琨的绘画在未来想象的主题下延续着人文主义的深度。1975年出生于四川成都，1999 毕业于中央美术学院版画系 现为四川美术学院教授，四川美术学院造型艺术学院副院长、版画系系主任，中国美术家协会版画艺术委员会委员，中央美术学院国际版画研究院副院长，重庆市美术家协会理事，重庆市美术家协会版画艺术委员会副主任。现工作、生活于重庆。韦嘉的作品，很大的中心思想在于“人”：人生，人世人间，人性。并且以不设限的态度出发。这样的思考需要自由。作品延续一贯往内深刻的精神哲学的探索，同时在艺术语言表现上呈现往外辐荡的力量，色彩的敏感与笔触的流动是持续的探索。韦嘉 Wei Jia / 无名 Untitled / 布面丙烯 Acrylic on canvas / 200x275cm / 2020韦嘉 Wei Jia / My Sun / 布面丙烯 Acrylic on canvas / 220x190cm / 2018韦嘉 Wei Jia / 春深 Height of Spring / 布面丙烯 Acrylic on canvas / 280x200cm / 2018韦嘉 Wei Jia / 大卫 David / 布面丙烯 Acrylic on canvas / 220x180cm / 2020韦嘉 Wei Jia / 无名 Untitled / 布面丙烯 Acrylic on canvas / 220x120cm / 2019韦嘉 Wei Jia / 盖世英雄 Hero of the Age / 布面丙烯 Acrylic on canvas / 260x205cm / 2020韦嘉 Wei Jia / 无名 Untitled / 布面丙烯 Acrylic on canvas / 40x50cm / 2020韦嘉 Wei Jia / 兄弟 Brothers / 布面丙烯 Acrylic on canvas / 66x48cm / 2020韦嘉 Wei Jia / 三少年 Three Youngsters / 布面丙烯 Acrylic on canvas / 80x60cm / 2020韦嘉 Wei Jia / 金丝雀 The Canary / 布面丙烯 Acrylic on canvas / 50x70cm / 2017韦嘉 Wei Jia / Jesus / 木板丙烯 Acrylic on board / 45x40cm / 2017近几年来，韦嘉的绘画逐渐清空了叙述与象征，也几乎去除了外在的主题设定，他完全回到了肖像与人体这类画室题材，图像性被控制在最低，绘画性则被激发到最大。什么是绘画性？在韦嘉这里体现为形体塑造与笔触表现的双重变奏，形体经常从笔触中呼之欲出，而又适时的消隐在稠厚的颜料之中。在他最新的作品中，身体既是对象，也是主体，身体最终被再现了出来，身体性也在绘画过程中时时在场。在狂暴但又幽深的画面下，韦嘉通过调节着感性与物性来平衡着认知与本能。
展览信息：
展 期：2020.12.18 - 2021.1.15
