戏剧名词释义之四

戏剧名词释义之四：

（36）导演与舞台美术

（37）导演与观众

（38）舞台时间

（39）舞台调度

（40）群众场面

（41）音乐与音响

（42）镜头前的表演

（43）影视艺术中的镜头景别

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• 释义：

（36）导演与舞台美术

戏剧演出是综合了视觉和听觉艺术的作品，在视觉范围内，舞台美术是演员表演之外的重要环节。为演员（人物）提供生活的环境、场所，是通过观众的视觉传达和接受的……包括了布景、灯光、道具、服装和化装等内容。创作原则是导演处理舞台演出的体裁和风格所决定的，各门艺术综合形成了演出的风格和特色，舞台美术是戏剧演出中必不可少要素，导演构思和处理演出时绝对不可缺失的部分。导演和舞台美术的共同创作是演出成败的关键环节。

我认为舞台美术设计应该是舞台造型艺术的“导演”，由他来统一各舞台美术各部门的创作，统一美术上的风格、色彩、样式、达到美术和视觉上的统一和和谐，对导演负责。导演要充分发挥和调动他的创作力，尊重他的艺术设想，协调他们与导演构思和处理，服从全剧演出体裁和风格的需要。因此，舞台美术设计也是导演非常重要的合作者。

但在实际创作中，舞台美术设计只完成了“布景设计”任务，而未对整个舞台美术各部门的创作进行统一领导，由他对导演负责。现实中导演要直接面对灯、服、道、化各个部门的设计人员。造成现状是有些历史原因的。科学的创作不是这样的。

导演应该主要与舞台美术设计探讨未来演出的样式，风格和艺术处理。由他来统一舞台各个部门的创作。导演与舞台美术各部门，应该在创作上平等，相互尊重，相互吸取，共同创作。大家都要服从导演的总体构思和艺术处理。当然，导演也必须懂得舞台美术各个部分的规律和创作特色，以便和他们进行合作。

导演在决定和处理演出风格和特色时，舞台美术的作用是非常巨大的。因为，观众通过视觉接受戏剧演出的感染力，要强于听觉十倍，俗语说得好“百闻不如一见”。舞台美术属于视觉范畴。

导演构思中关于演出体裁和风格的产生是离不开舞台美术的。导演应该首先和舞台美术设计达成统一，特别是在演出总体构思中，要充分调动、启发和发挥舞台美术设计的创造性。最好请设计拿出多种方案，以供选择。舞台美术是导演总体构思的产物，必须服从演出体裁和风格需要。同时也要注意要有利于演员的表演，为表演艺术服务。

（37）导演与观众

导演排戏是为观众欣赏和接受，因此，演出首先要考虑观众能看懂，看明白，这是最基本的要求。如果观众看不懂，不能算导演创作的成功。那种认为观众水平低，为下个世纪观众排戏的主张是错误的，片面的。导演有责任引导和培养观众，不断提高观众的欣赏水平，绝不能迎合观众的低级趣味。

研究观众的现状、观众看戏时的心理状态是一门新的课题——观众心理学。观众也要分层次，萝卜白菜，各有所爱，导演排戏要考虑此剧目面对的观众层。服务者要了解服务对象，才能更好地为对象服务。

戏剧艺术是靠自身的特性去吸引观众的，因此，要充分展示和发扬自身的艺术特色，用视觉和听觉去吸引观众的注意力。

导演的艺术处理要考虑到观众的接受和喜爱，心中要有观众

（38）舞台时间

舞台时间对于导演来说有三个含义：

1、戏剧演出时间（演出的时长）；

2、戏剧故事情节发生所需要的时间（故事经历的时间）；

3、用舞台演出中的较短时间表达生活中的一个较长的时间，即时间在舞台上的流逝......如，在人物在舞台上静静地度过了一整夜。或者用一个演出中较长的时间表达生活中的一个瞬间......如英雄炸堡垒的思想和心态。这就是导演处理舞台时间的手段之一。

（39）舞台调度

舞台调度是导演非常重要的舞台手段，也称“场面调度”。指舞台上人物与人物，人物与空间之间的位置和关系，还包括演员的肢体动作，专指观众通过视觉可以看见的，具体的形象。舞台调度是人物行动的外部体现，是人物心理的必然结果。舞台调度的依据是人物的心理行动，目的，相应而产生的。要符合人物的逻辑和人物之间的关系，也要符合生活的逻辑，还要考虑到观众的视线和欣赏。

调度的变迁，有着很强的画面要求，如焦点、层次、均衡......演员在舞台上位置的变化必须要有逻辑性，鲜明性、语汇性......好的场面调度有着丰富的内容，有着鲜明的立意，有着丰富的美学语汇。

舞台调度的安排与舞台空间中的“支点”有着不可分割的关系。“支点”即演员表演中可以支撑的点，它可以是某个道具（如桌椅、沙发、门、窗、树......）也可是演员的对手。分固定和移动支点，以固定为主。所以导演在与舞台设计中，必须要确定几个支点。支点太多或太少都不宜，以三角形支点为好，三角形有等边，直角、钝角和锐角之分，这样调度会多样化，和多层次。

导演处理舞台调度时，是以焦点的变化来吸引观众的注意力的。所以在调度时特别要注意焦点的安排和移动。戏在哪个人物，焦点就应当在那个人物。随着行动和冲突的变化，焦点也在变化。在焦点的变化中吸引观众的视点。我称此为舞台导演的“蒙太奇”。

舞台调度是导演的专门的手法，在以上各类小品的进行中，都存在调度的问题。尤其是舞台空间和画面小品中，更能突出这个元素。它是导演艺术中的重要课题。

导演组织舞台演出，组织舞台事件，组织舞台行动，组织戏剧冲突......都离不开用调度去展现。因此，舞台调度是戏剧演出的外部表现形式，是视觉性的手段，具有很高的美学表现，好的舞台调度会给观众留下难忘的印象。如《茶馆》的第一幕，开场的舞台调度处理；第三幕，三老为自己烧纸钱的调度......

从导演小品开始，到戏剧片断和大戏的教学阶段，此课题都是学习的内容。也是导演创造舞台演出不可缺少的元素和重点课题。

（40）群众场面

群众场面是指舞台戏剧演出中，登场人物众多的场面。是导演处理舞台的一种专门手段。首先，群众场面涉及的人物众多，容易在舞台调度上杂乱无章，千人一面，一呼百应。因此，群众场面应该是导演专门的艺术处理手法。

其次，要先把群众人物区分性格、年龄、职业、服装、属于矛盾冲突的哪一方、人物的舞台态度，千万不要千人一面，要重视群众人物形象。

再次，将登场人物分成若干小组，以便处理舞台调度和画面。而且可以各组中有人物相互移动和交流，使舞台富于生活气息，场面活跃。但生活中人们是离不开很多人聚集的，戏剧是生活的一面镜子，当然也会出现群众场面。

第四，注意舞台画面的焦点，均衡、构图和层次。

现在因为其他原因，很多戏剧避免出现群众场面，有时是回避不了的课题。回想我在学习导演专业毕业时的论文就是“论群众场面的处理”。

（41）音乐与音响

戏剧演出中，音乐和音响是重要的组成部分。它们可以增强戏剧艺术对观众的感染之力，具有强化人物的心理和感情的作用，是导演处理演出中的重要手段之一，也是促使演员感受规定情境，身临其境，深化感情的重要依托。观众是通过视觉和听觉来接受和欣赏演出的，音乐音响属于听觉范畴。总之，音乐和音响是舞台演出中的重要组成部分。音乐不难理解，指旋律和曲调，可以是作曲，也可以是“配乐”。音响是指舞台上模拟生活中的各种声响，如雷雨之声，车马之声……

音乐和音响在处理时需注意的因素：

一、首先要搞清有音源和无音源的前提。所谓有音源是指人物舞台生活中，有来源的音响，如收音机传出的声响，下雨打雷的声音等，即有来源的音乐和音响。反之，舞台生活中没有音源的音乐和音响，即导演有意识地处理的艺术手段，无音源的声响，是为了戏剧效果而“外加”的音乐和音响，如表达气氛或情感的“情绪音乐”。因为音源之间的不同，处理方法也不相同。音乐可现场演奏（成本高，很少使用），配乐（普遍使用扩音设备放送）。音响有人工用仿声器材操作，如雷声用三合板摇动模仿.....现代声响技术已取代人工操作了，用数字计算机模拟更简单和方便，只是需通过扩音器材播出，与真实声响多少会产生“失真”的感觉。

二、要根据剧情和人物的情感配制和操作。音乐音响的目的是为了加强剧情和人物的感情表达而使用，因此必须结合剧情和人物情感而用。

三、要根据戏剧发展的节奏运用，速度、力度和尺度要合谐。什么地方进入，渐强或渐弱，什么地方隐去，都要在戏剧节奏中进行。绝不能干扰舞台上演员的表演和台词的进行，必须做到配合恰当。

四、关于演员使用话筒扩大音量的问题，现在分歧很大。我以为不能绝对化。因为剧场场地不同，要适应，让观众听见，好听是前提。过去的演出，没有音响设备，完全要靠演员的台词基本功，让声音达到最后一排。现在科技发达了，剧影视场容量过大，使用音响辅助，也不是不可以。关键是音响设备只是辅助，不能替代和干扰。不能因此降低演员基本功的要求。

五、绝对禁止“烂用音乐和音响”，常常出现，戏不够，音乐凑的现象。对音乐和音响的处理和运用，我以为恰是对导演艺术水平的高低的标准之一。

六、音乐与音响本身就是一门艺术，有它自身的规律和法则。多年来期望举办此专业，可惜未能实现。舞台音乐和音响，有技术内容，更有艺术本质。它前期必须有设计，中期有制作，后期有操作。都是专门的专业。需要专业性的培养和训练，需要专门人才。需要举办“舞台音乐和音响专业”。现实中，重技术，重操作，而不重视艺术，不重视培养。一个剧院的演出水平，音乐音响是是起相当作用的。现代演出追求“艺术的完整性”，音乐和音响是起相当作用的。

（42）镜头前的表演

镜头前的表演和舞台表演在基本创作理论上是一样的，没有什么区别，只是在表演分寸的把握上有区别。

同学们经过1A和2A两个阶段的学习，初步接触了舞台表演的基本规律，从解放创作天性、表演元素和小品训练和两轮表演片断的学习，开始能在舞台上创造人物形象了，开始懂得了表演应该做些什么了。现在，同学们马上要进入3A阶段的学习，主要学习镜头前的表演。所以，今天就什么是镜头前的表演、应该如何掌握在镜头前进行表演，镜头前的表演和舞台表演有哪些相同和不同之处，给大家做些介绍。

首先，关于舞台表演中的基本知识，进入下一段学习，仍然是有用的，这就是镜头前表演和舞台表演相同的地方：

1、阅读剧本，分析角色，构思角色是演员的第一步工作；

2、创造人物形象，表现角色的思想情感和性格特征是演员的基本任务；

3、在表演中的一些表演技巧理论上也是一样的，如：

（1）演员的任务就是塑造人物形象；

（2）演员即是创作者、创作工具又是创作的成品，三位一体；

（3）演员要用自身的身体和情感表现人物形象；

（4）演员必须在规定情境中执行舞台行动；

（5）在表演中要有“判断思考”，要有“交流适应”；

（6）表演中要注意动作三要素：做什么、为什么做、怎么做；

（7）要寻找和培养角色的自我感觉，其中包括了角色的形体自我感觉、语言自我感觉，心理自我感觉，演员要化身为角色；

（8）还要表现正确的人物关系……

这些表演技巧，无论是舞台表演还是影视表演，其基本规律是一样的。因此同学们必须继续运用这些方法。

4、演员要在导演的统一指导下完成角色的创造，要服从导演，同时还要适应各种导演。要用自己的积极创作与导演合作。影视导演和舞台导演的工作方法不尽相同，在影视表演中更强调演员的独立创作。导演不会像的排练场中那样手把手地要求演员的表演。所以影视演员要更能独立创作。

5、一位有舞台经验的演员，只要经过几部戏的拍摄，很快就能适应镜头前的表演，因为从创作理论上讲，它们之间是没有本质性的区别的。

但是，在实践中，它们还是有着很大的区别的，因此我们学习镜头前的表演，还必须对镜头前的表演有什么特性，有什么要求加以研究，掌握在镜头前的表演需要的技能。它们有什么区别呢？我下面专门介绍区别，也就是镜头前表演的特性：

（a）最大的区别就是观演关系的区别。舞台表演是要求演员当着观众的面进行表演，演员和观众在同一时空中有着即时和直接的交流。而影视表演就很不相同，观众与演员不处在同一时空中，并且没有即时和直接的交流。这就是影视表演和舞台表演最大的不同之处。影视表演是演员在镜头前进行表演，经过摄影机的记录，通过屏幕让观众接受的。在拍摄中，还有很多技术要求，所以舞台表演和在镜头前表演就产生了很大的区别。

（b）舞台表演，因为观众和演员之间有一定的距离，所以舞台表演就要求在真实的基础上表演要夸张，放大。而镜头前的表演则要求更真实，更自然，更接近实际生活。因此两种表演在分寸的把握上是有很大的区别的

（c）舞台表演，演员的创作是连续性和顺序性的，并且每场演出时还可以加工修改，而镜头前的表演是断续的和非顺序性的，而且一但拍摄完成，是无法修改和加工的。

（d）舞台表演演员无法自己看到自己的表演，除非录像后看。而镜头前的表演，演员可以及时看到回放，并可以重新拍摄，当然要经过导演的同意。同学们在3A学习时可以自己看到自己的表演，自己来调整自己的表演。

（e）舞台表演受舞台技术条件限制有限，而镜头前表演所受限制的技术条件多，这是因为影视生产条件和技术条件比舞台复杂许多。灯光、色温、录音、特技、镜头景别、甚至天气季节……影视的技术条件对演员的表演有着密切关系。

（f）舞台表演可以充分发挥演员的自由空间，镜头前的表演演员自由空间相对要少许多。但演员表演空间更广泛，更宽广。而舞台表演受到剧场和舞台空间的限制。

以上就是舞台表演与影视表演的主要区别。从这些区别中，我们要研究影视表演，也就是镜头前表演，有些什么特点，有些什么要求，我们要注意些什么呢？也就是如何掌握镜头前的表演：

1、生活化。这是影视记录性特点要求的。镜头前的表演，要求演员表演要更接近实际生活。不能有演戏的感觉，就是不能过分夸张。要像实际生活一样。因此要求演员的表演要更真实，更有机。因此，镜头前的表演要“生活化”。

2、非连续的表演。舞台表演是连续不断地从头演到尾。而镜头前表演是无序的，是根据拍摄计划，断续地进行的，可能从中间开始，也可能从结尾开始，而且是切割式的表演。因此演员必须了解每个拍摄镜头的前戏是什么，要让角色的情感连续不断，要求演员能很快进入表演所要求的情感，并且要注意镜头间的连接，包括服装和道具的运用，不然会使表演断线。在现场，没有更多的时间给演员准备情感，所以，镜头前的表演要求演员要有很强的适应能力，这一点上和舞台表演的区别很大，也是影视演员创作的很大的特点。

3、无对象交流。有些镜头是单个人的，所以演员是对着镜头演戏，没有对手配合，所以演员必须进行无对象交流，而舞台上是很少无对象交流的。在此类表演中，演员可以要求同戏的演员在摄影机前和你交流，帮助你找到感觉。

4、演员必须要有镜头感。演员必须了解镜头，因为影视的镜头分类很多，在不同的镜头中有不同的表演要求。大约影视的镜头景别划分如下：远景、大全、全、中、近、特写等，同时镜头还可运动，如：推、拉、摇、移、跟、升、降、俯、仰等。

技法上镜头变化，如：叠印、叠化、淡出、淡入、划出、划入、分割画面、定格、快进、慢进等。

在镜头的组接（也叫“蒙太奇”）上，如：平行蒙太奇、交叉蒙太奇、重复蒙太奇、对比蒙太奇、心理蒙太奇、隐喻蒙太奇、闪回蒙太奇等等。

蒙太奇是影视导演非常重要的创作手段。蒙太奇有着很神奇的作用，它还能弥补演员表演上的不足，所以电影有时用非职业演员来表演。以上介绍的各种镜头手段，是演员必须了解的。因为演员了解了镜头，才能知道应该如何表演，在不同景别中有不同的表演要求，所以影视演员要有鲜明地镜头感。

5、影视演员创作的艰苦性与观众的广泛性。影视演员必须知道他的创作条件有时是非常艰苦的。影视是在实景中拍摄，随剧情的不同，拍摄场地变化大，有时艰苦无比。还有季节的变化，外景地是非常艰苦的劳动。拍摄现场更是复杂，有时必须有高度的耐心，要求演员要更具坚忍性。等现场，等天气，等拍摄，没有忍耐性是不行的。

影视作品的传播途径比舞台艺术要宽广很多，因此演员的表演受众面是非常大的，所以影星比戏剧演员更容易出名。这也是大家愿意当明星的原因吧。

（43）影视艺术中的镜头景别

远景：表现广阔场面，视野宽广，空间广大，人在其中显得很小。

相当于在很远处看风景和场面。一般镜头长度大些，好让观众看清楚。

全景：表现人体的全身，或场景全貌，称为“全景”。可以让观众看清人物的形体动作和人物与场景的关系。它可以向观众介绍故事发生的地点和环境。因此，常常是一场戏的开始时用。全景还可分为大全、全、小全三种。

中景：表现人体膝盖以上或场景局部。可以让观众看清人物上半身的形体动作和情绪交流，有利于交待人与人、人与物之间的关系。是影视中常用的镜头，具有很强的叙事性。在作品中占有较大的比例。因此，它对镜头的变化和突出演员的表演有很高的要求。

近景：表现人体胸部以上或物体局部，可以让观众看清演员表演人物的心理活动的面部表情和细微的动作。影视中常用的镜头景别。

特写：表现人体肩部以上的头像或拍摄对象的细部，把人物从画面场景中突出出来，表现演员的细微表情和特定瞬间的心灵信息，以展现人物性格的细腻之处和人物情感表达。有时也用于表现物体的细部特征，提示特殊含意。是影视艺术特有的表现手段，这种手段是戏剧艺术不具备的。通常还有“大特写”，是用来表现演员表达人物情感时的眼睛部位。如果演员缺乏内心感受，就不大敢运用大特写镜头的。

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罗锦鳞：原中央戏剧学院副院长、导演系主任，博士生导师，著名导演艺术家。