有句成语叫“惟妙惟肖”。“惟妙”，可以解释为美妙、奇妙、精良、极致、恰到好处。“惟肖”即逼真、酷似之意，通常是指人们模仿、仿制、绘制某一物象的样貌、形状、动作、神态、表情、声音等跟原物象达到了几乎完全相像的程度。惟妙惟肖组合在一起多是形容人们模仿、仿制、绘制某些物象不仅形象逼真，而且优美精良，同完美一词有着相近的意思。
绘画作为以图像呈现的视觉艺术，画得逼真，也就是“惟肖”，一般是指绘画所描绘的人、景、物跟真实的人、景、物达到了高度一致，给人一种“如临其境、如见其物、如面其人”的视觉感受，特别是写实油画，遵循的基本原则和基本要求就是真实再现描绘对象的本真面貌。那么在欣赏写实油画时，如何品评作品的好与不好呢？
一，像与不像是品评写实油画作品好与不好的基本标准
按照普罗大众传统的审美习惯，画画画得像画得逼真，那一定是好画，我觉得是有道理的。特别是写实油画，就是运用焦点透视法、光影学、色彩学等，以绘画的艺术形式进行科学严谨的造型具象“应物象形”，再现或还原客观物象。在我们看到的许多经典的写实油画如《蒙娜丽莎》、《圣母玛利亚》、《亚当与夏娃》、《沉睡的维纳斯》、《泉》、《家庭女教师和孩子们》、《雅典娜女神》等等，都无一例外的首先是具备了画得很像的特点特征。因此，画得像与不像、逼真不逼真，应该是写实油画画的好与不好的最基本的评判标准。
二，只是画得逼真还不能称之为好画
但是，作为写实油画，画得跟描绘对象很像很逼真，只能说是具备了好画的前提条件和基本要求，还不能肯定它就是好画。在写实油画诞生以来的近600年时间里，从文艺复兴时期的佛罗伦萨画派、威尼斯画派到17世纪的巴洛克主义油画，从18世纪的洛可可主义油画，到19世纪的新古典主义油画，再到20世纪的超写实主义油画等，都是以“写实”为创作基本原则的，这期间产生了无数的写实油画，但能成为传世的名画和优秀作品的，只是其中极少极少的一部分。
盖因一幅好的写实油画，其构成要素不只是画得像画得逼真，还包括它的艺术表现手法、它的艺术风格，它的创作主题及思想情感等，而后者，在一幅写实油画作品是不是好画的品评判定中，似乎占有更重的分量。
三，“惟肖”又“惟妙”，才能成为好的写实油画
俗话说“好看的皮囊千篇一律，有趣的灵魂万里挑一”，在绘画中，把描绘对象画得逼真“惟肖”、生动形象，固然不是一件容易的事情，需要画者长期勤学苦练有扎实过硬的基本功。但是，若要把画画得不仅惟肖，而且惟妙，画出“有趣的灵魂”，从形式到内容俱佳，就更是非常不易。
它不仅要求画者有精湛的绘画技法，还要有深厚的艺术修养、有独到的审美眼光、有独特的绘画风格，并且能将这些转化为实际的绘画手法和画面表现。因此，在欣赏品评一幅写实油画作品画得好与不好时，既要看它是不是“惟肖”，又要看它是不是“惟妙”，只有这两条都达到了，才可以说这幅画是一幅真正的好的写实油画作品。
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法国画家勒努瓦创作的绘画作品，极具艺术感染力，绘画功底深厚
作为法国西部一个美丽的海滨城市，拉罗谢尔不仅诞生了艺术大师布格罗，而且著名画家勒努瓦也出生在这里，两人还是亦师亦友的关系，不免让人感到非常惊喜。拜布格罗为师之后，勒努瓦不仅继承了他的衣钵，而且由他创作的绘画作品，更具艺术感染力，流传至今已经上百年了，不过仍然让人津津乐道，可见其绘画功底还是非常深厚的。
一、家境普通，布格罗并未放弃对艺术的追求
在勒努瓦很小的时候，他的父亲是一位海关的普通职员，因而没有太多的收入，这对于勒努瓦来说是非常遗憾的。因为从事绘画创作，需要花费大量的时间和精力，在相当长的一段时间当中却赚不到钱，因而父母是不支持他从事绘画创作的。
有了清醒的认识之后，勒努瓦凭借自己优异的成绩，成功考入了一所师范学院，并在毕业之后来到了一所中学教书。虽然此时的勒努瓦，每天过着朝九晚五的生活，不过他对艺术的追求，却始终没有放弃。凭借稳定的收入，勒努瓦在业余时间学习绘画创作。
二、拜师布格罗，绘画水平不断提升
有了一定的物质基础之后，勒努瓦最终被巴黎美术学院录取，开始了自己创业的绘画创作之路。也正是在巴黎的这段时间当中，勒努瓦与自己的恩师布格罗相识，而对方不仅对他的画作大加赞赏，同时也在生活当中给予了他很大的帮助，让他在艺术创作的道路上如鱼得水。
因为两人的绘画风格比较接近，因而在多年的相处当中，两人结下了深厚的友谊，如今在艺术史上，仍然是广为传唱的佳话。尤其是在1895年的时候，勒努瓦特意为自己的师母加德纳创作了一幅肖像画，展现出了自己不俗的绘画功底。
三、年轻有为，绘画作品广受关注
在1900年的时候，勒努瓦与自己的妻子尤金妮·卢切斯结婚了，而他也为自己的妻子创作了一幅肖像画，并命名为《宁静》，在巴黎沙龙上亮相之后，迅速获得了绘画爱好者的关注，并最终获得了一枚铜奖。为了向勒努瓦致敬，他也被授予法国荣誉骑士勋章，而此时的他，才仅仅只有43岁。
在勒努瓦的一生当中，他一直都在笔耕不辍的创作，而在他的绘画作品当中，不仅有现代主义的完美诠释，而且也有古典主义绘画作品的不断探究，给后世留下了宝贵的精神财富。作为一位伟大的现实主义画家，勒努瓦凭借自己高超的绘画技艺，惊艳了无数人。
由勒努瓦创作的绘画作品，极具浪漫主义的唯美色彩，被收藏在了法国的众多博物馆当中，其中包括国立巴黎高等美术学院以及拉罗谢尔美术馆。由此也可以看出，作为一位非常出名的艺术家，勒努瓦创作的绘画作品，还是非常引人关注的，而他凭借自己的优秀作品，获得了无数人的尊敬。
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以画风激烈的女性形体油画，浅谈西方画家对浪漫主义画派的影响力
聊一聊18世纪西方浪漫主义画家菲斯利，在他的众多油画作品中，那幅《梦魇》最具有代表性质，它是浪漫主义艺术运动发展过程中的“路标”，换句话说，这是浪漫主义画派的第一幅作品，而菲斯利也成了浪漫主义的先驱。
我们现在就简单谈谈菲斯利笔下的那幅《梦魇》，这是一幅带梦幻色彩的女性形体油画：画作的主体人物是一个身材修长的女人，她身穿白色又显透明的白色衣裳，仰睡在床上，一只手抓着床头，一只手垂放在地上，
这样的睡姿，让女人的身躯显的很性感，只不过，她的肤色略显苍白，脸蛋上少许的“红晕”，头发也呈灰白色，看起来营养不良的样子；值得注意的是，女人的身上蹲着一个梦魇怪兽，它浑身毛茸茸的，像是只猴子，
它看着观赏者，在这梦魇怪兽的身后，也就是画面的左上角，有一个马头，这马面也显的漆黑，它也是梦魇怪兽，它站在床边，守护着床上的女人，这两个梦魇的存在，让整幅画作的氛围显的恐惧，令人不安。
画家以一块布作为画作的背景，梦魇的影子在布中呈现，增强了室内的恐惧氛围，如果没有这两个梦魇怪兽的话，整幅画作的氛围又截然不同了，没有梦魇怪兽的画面，氛围充满诱惑，女人在昏暗朦胧光线下的性感之美更加真实，
床底下的红布象征着激情，这是情欲似火；然而，由于两个梦魇怪兽的出现，画作的诱人的情欲氖围就不存在了，这也是那块红布在床底下，没被女人作为床单的主要原因，
女人激情似火的情欲，被梦魇怪兽压抑住了，她垂下的左手，抓着床板的右手，都说明了女人睡觉时的恐惧不安，或者说她在做恶梦了，马面是黑夜的象征，猴头是内心里的恶梦，猴头梦魇怪兽蹲在女人的身上，
我们再仔细看看女人的脸，可以发现表情并未有惊吓，而是很平常的熟睡着，如果右手没抓着床板，我们是无法感受到她此时正做着恶梦，我们可以理解她已受到侵犯，是那种暧昧的关系，
菲斯利作品《梦魇》
我们将注意力集中在画面左下角的那张圆桌子上，桌上放着的是胭脂涂粉，及化妆用的装饰品，桌子旁边还有一张凳子，画面的场景是夜晚，可见女人是卸妆之后才上床睡觉的，然后就有梦魇怪兽在折磨她，所以她几乎要掉在地上了。
为何画家要用灰白色调修饰描绘女人的形象特征呢？其一是突显女人入睡的状态，她穿的是白色睡衣；其二是烘托画作苍凉阴森恐惧的主题氛围，幽灵常以白色服饰装扮出现，
其三是整幅画作大部分都是暗色彩暖色调，而主体女人用白色调则更能显示画作的“趣味中心”，同时，白色也是百搭的颜色，任何一种色彩都能和白色相协调。综上三方面，画家以白色修饰画作主体女人。
从审美效果来讲，身穿白色透明衣裳的女人，也更显身材，或丰腴或苗条，虽然画面的气氛恐惧，但女人的姿势依然令人着迷，这恐惧的气氛与令人着迷的女人，使整个画面又呈现出
梦幻
、激烈的虚实之境，这缓解了女人姿势所散发出的情欲元素。
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画风粗野奇特的2幅油画，让裸体画家明白绘画艺术追求的是韵律美
加西亚（1874～1949年）最著名的事迹就是发展出了“构成主义通博论”的艺术风格，他的艺术生涯在17岁的时候开始，他的家庭当时从蒙得维的亚又回到巴塞罗那，华金在官立美术学校和拜克萨斯学院完成他的美术学习后继续绘画，协助高迪完成神圣家族宗座圣殿的彩玻璃。
1920年他搬去纽约，1926年去了巴黎，在那里他认识了杜斯堡和蒙德里安，一道建立了“圆与方”团体，1934年他回到蒙得维的亚，在那里建立了自己的艺术学校和构成艺术协绘，《五个色调和补充色的抽象艺术》是他成熟期的典型作品： 画作就像一个排字机的盒子，每个隔间都对整体布局有意义，
画作乍一看完全是形式主义、抽象和几何的，本质上这件作品却是传记式的。预部左侧是一个有大锯齿的木匠锯子，暗示加西亚的父亲和祖父是木匠；右侧是风格化的原始主义罐子，左下方是一个沙漏。蒙得维的亚是加西亚的出生地，抽象艺术是他的职业，加西亚是个游历十分广泛、人脉也极广的艺术家，
他的作品在20世纪对拉丁美洲艺术和艺术教育有很大的影响，作为乌拉圭画家，他的国际声誉是独一无二的。同是20世纪的戴维斯（1894～1964年）的作品背景来自历史的巨变和艺术家自我巨大的激情，他的母亲是一位雕塑家，也是《费城出版》的艺术指导，他的父亲和新的艺术运动的显赫人物过从甚密，这些运动是受到现代美国生活写实主义的启发。
加西亚作品《五个色调和补充色的抽象艺术》 1913年戴维斯就成为了极有争议的军械库展上最年轻的艺术家之一，这个展览把现代艺术介绍给了美国，戴维斯出生于希望时期，成长于爵士时代，又经历了两次大战的战火，他希望捕捉这个不可思议的沧桑巨变时代的精神， 就如画作的标题所示，他常使用“便条纸”和“摇摆”这类词汇机智地表达他对20世纪美国新城市生活的态度。《便条纸4号》这幅画显示了画家早期形象化表达的作品之后，赖以成名的抽象风格。
戴维斯作品《便条纸4号》 画中强烈和对比的颜色、清晰勾勒的形状来自他过去的艺术经验， 而且这幅画的构图、画风和加西亚的《五个色调和补充色的抽象艺术》一样。戴维斯被普遍认为是美国最伟大的立体主义画家，他赋予了这个风格独特的美国特色，他的很多画作中的 韵律 反映了他对爵士乐的喜爱， 一位评论家在1957年说过：“他的艺术和爵士关联，和电影字幕有关，和流线型的装置有关，和加油站 粗野 的线条有关，和霓虹灯的光线有关……和我们被广告牌包围的五光十色的世界有关。”戴维斯自己认为他描绘的是美国的场景。他常被认为是波普艺术的建立者。
苗条清丽的女人体写实油画非常受人喜欢，出自当代70后画家之手
说到写实油画，人们往往会想起20世纪以前特别是文艺复兴时期和19世纪的古典油画，对那些经典作品塑造出的美轮美奂的人物形象赞叹不已。在当代，也有一位年轻的写实画家，以个性鲜明苗条清丽的女人体油画广为人知，他就是谢尔盖-马什尼科夫。
马什尼科夫油画
谢尔盖-马什尼科夫是当代俄罗斯写实绘画的领军人物，出生于上个世纪70年代，少年时就表现出超凡的绘画天赋，后就读于乌法艺术学校和列宾艺术学院，获油画专业硕士学位。期间曾到意大利、法国、英国、荷兰、西班牙等国游历学习，对传统写实油画进行了深入的研究。
作为一个70后画家，马什尼科夫在绘画技法和风格上却表现出少有的老到和成熟，这一来得益于他年轻时勤学苦练打下了坚实的绘画基础，二来得益于他善于学习借鉴前辈大师的宝贵经验。这使他较早的领悟了绘画艺术的真谛，形成自己独立的绘画理念和绘画风格。
马什尼科夫《失去的黎明》
马什尼科夫认为，写实油画应该是对有意义有价值的物象尤其是现时代的生活场景真实自然不加雕饰的反映。因此，马什尼科夫的油画大多以青春女性为主体、以展现时代风貌和特征为主题，通过精致细腻的描绘，将古典油画的韵致和当今时代气息融为一体，使作品产生吸引人感染人打动人的艺术魅力。
马什尼科夫油画的最大特点是，清新亮丽、简约洗练、朴实无华、平淡自然。没有美妙壮观的背景，也没有缤纷绚烂的色彩，于简约中见清新，于质朴中见风韵，于自然中见完美，体现了大道至简返朴归真的大家风范。
马什尼科夫油画
《失去的黎明》是马什尼科夫很有名的一幅画，描绘了一位女大学生在校舍休息的场景。画面中，女生一头金发，面容清丽，形体苗条，侧身躺在一张简陋的木床上，耳朵上还戴着耳机。应该是在听着音乐中睡着了。她右手放在枕头的一边，左手自然的搭在右手上，双腿微微蜷缩，姿态舒适，看上去活脱脱就是一个睡美人。虽然处于睡眠状态，仍掩饰不住动人的美丽和青春的气息。
很多人看了这幅画，会想起自己当年上大学住宿舍时的情景，激起内心的共鸣和对往事美好的回忆。那时也和画中的这位女生一样，也喜欢在睡前戴上耳机听着音乐慢慢进入梦乡；也喜欢晚上熬夜清晨懒黎明觉；也喜欢睡觉时把手搭在胸前等等。
马什尼科夫油画
马什尼科夫油画中的青春女子形象，苗条清丽，纤巧灵动，宁静甜美。有在溪河边或洗衣、或沐浴、或戏水的；有依在树前或凝眸远望、或颔首沉思的；有在宿舍里或静坐、或卧眠的，等等，各种风情状貌，清新亮丽，唯美娟秀。相比俄罗斯传统油画的粗犷深沉厚重，马什尼科夫的油画透着轻松明快诗意浪漫的气息。让人为之一爽，耳目一新。
近年来，马什尼科夫的油画在欧美和亚洲艺术品市场非常走俏，受到越来越多人们的喜欢。
马什尼科夫油画
浅谈西方艺术大师以中年女性油画，美化淳朴的人性世俗景象的缘故
在17世纪中叶于罗马工作的艺术家中，最杰出者并非意大利人，而是法国人，他们是普桑（1594～1665年）与洛兰（1600～1682年），两人大部分的时间都待在罗马。普桑于1624年到达罗马，他接受过良好的教育，对拉丁文学的掌握，赢得罗马文人的赞赏，但以艺术家而言，他的发展算是相当缓缓的，普桑的绘画风格与当代的罗马绘画大不相同，他首先从威尼斯画派的大师身上寻找灵感，笔下的那幅《阿卡迪亚的牧羊人》可以看出来，
这幅画明显借鉴了“威尼斯画派三杰”之一的提香的色彩风格，画面显的鲜艳，丝毫看不出有巴洛克艺术那样的浑厚晦涩阴暗，提香笔下的画作具有诱人的世俗气息，然而普桑笔下的这幅《阿卡迪亚的牧羊人》也洋溢着浓厚诱人的世俗气息，主要是因为画作中最左边的那个半裸露上身的女人，她略微模糊的神情和姿势像极了提香笔下的那幅《花神》画中的女人，那露肩的半裸姿势几乎是一模一样的，
普桑作品
除此之外，整幅画作是由3个男牧羊人和1个女牧羊人组合而成，他们的眼神虽然没有相互注视，但是各自的裸露姿势，特别是画面有下角的那个男牧羊人，导致这幅画带有些许的情色元素，只不过，普桑加重了对画面风景的描绘，让观赏者的视觉不完全集中在那三个裸露的男牧羊人，和一个裸露的女牧羊人身上，画面的风景是块充满着田园诗意的土地，幸福而又富有乡村气息。同时，普桑对人物的处理和周围的风景是统一的：古典、有节制、理想化，以及和谐。
普桑是一个恪守古希腊罗马确立的艺术和知识惯例的艺术家，这也是他笔下的画作具有古典元素的主要原因，古典主义的象征寓意，在普桑的画作中也是随处可见的，比如那幅《时间音乐下的起舞》画面中间4个手牵手的三女一男，分别象征着财富、贫穷、勤勉和欢乐，画面右下脚的那个老人象征着时间，画面的顶部是阿波罗在出巡，这位太阳神持着一个代表永恒的圆环，因为这些象征寓意，导致整幅画作只有略微的宗教气息，更多的是世俗气息。
普桑作品
经上述的简单说明，我们可以发现普桑笔下的画作的特征，那就是世俗化，更接人情、地气的意思，但并没有完全“世俗化”，毕竟普桑一直恪守古希腊罗马的艺术和艺术知识，古典宗教意味是避免不了的，但普桑的画作并非完全从古希腊罗马艺术中获取精髓，他还受威尼斯画派的影响，又有自己的独立风格，所以我们总能在普桑的作品中看到他以古典雕像的美来表达心目中淳朴而高贵的昔日乐土的世俗景象，
论普桑在西方艺术史上的地位及影响力，他堪称最伟大的“学院派”大师，也是古典主义的先驱，他完善了文艺复兴晚期那些画家没有完善的古典风格，17世纪至19世纪的画家们充分赞赏了普桑怎样把他关于美的方案付诸实现，怎样有意地把他认为的低下、丑恶或者不适合崇高观念的自然事物统统抛开，又是怎样成功地表现出比现实完美的理想形式，这一切都是普桑按照古典雕像树立的标准去理想化、去“美化”自然的方案，以区别古希腊罗马、文艺复兴时期的艺术风格。
