卢晓峰丨我的艺术观（二）：繁复性
术创作中一直存在着两个基本的风格特点，即“繁”与“简”。我们回头翻看中国美术史，能够发现在不同时代、不同画科甚至在同一时代、同一画科中这种“繁”“简”的对比一直鲜明的存在着。我认为这种对比构成了整个中国美术史丰富多彩的样貌，同时也为我们绘画者、欣赏者提供了各种各样可参考的艺术风格和艺术作品。
凡生 215x90cm 2016年
例如在山水画中，王蒙和倪瓒同属元四家，他们几乎生活在同一时期，但风格呈现出鲜明的对比。王蒙是繁到极致，用牛毛皴把整个画面画的无限深入；倪瓒则是寥寥几笔，利用画面的大面积留白造成非常疏淡、萧远、冷寂的画面意境。
花鸟画中，像八大的画是简到极致的，可能一幅画里只有一只鸟、一条鱼或是一支荷花，显得非常孤寂；但林良、吕纪或是清朝时期的一些画家的画面表现就十分繁复。
人物画中，五代时期的石恪和贯休也存在同样的对比。石恪的《二祖调心图》是写意人物画最早的开端，寥寥几笔，人物的形象、衣纹刻画都是极简的；而同时期的贯休，他的《十六罗汉图》便繁到极致，胡貌梵相，曲尽其态，用刚劲有力的线条层层描绘，营造了一种极其繁复、震撼的绘画风格。
兰陵笑笑生 180x90cm 2016年
在中国美术史上存在着无数种这样的对比，同样在西方美术史上也有这样的对比。例如哈尔斯和伦勃朗。哈尔斯运用洒脱而准确的笔触塑造形体，伦勃朗则是层层刻画渲染，不停深入。毕加索和达利的绘画也存在这种“繁”与“简”的极致对比。我觉得“繁”“简”的对比之所以能够长期存在于艺术创作中，最主要的原因是每个画家不同的心理特征决定了他的生理偏好。有的画家天生喜欢“简”，有的画家天生喜欢“繁”，繁简本身没有任何的优劣之说，这只是两种不同的绘画方向而已。就我个人而言，是一直喜欢“繁”的，记得刚开始学画画，画素描、静物时，就喜欢刻画的特别深入，将调子层层过度的非常微妙，包括画水粉时，我也喜欢塑造的比较深入。有时候，我也会觉得大笔触画出的罐子、苹果很好看，但如果要我那样去做，就会觉得过于简单，不过瘾。我有时也会画一些简单的东西，像小品或者是仕女画，寥寥几笔，经过轻微勾画形成的作品会显得非常干净、明亮，很多人会喜欢这个，但从自身来说，我觉得这个画起来特别不过瘾，感觉好多东西还没开始画，尤其是当你面对一个真实的模特时，他脸上、身上会有很多微妙的结构变化，这些结构变化决定了他的表情、神态以及内心一些神的东西，如果特别“简”的话，就会把这些给忽略或是过滤掉，无法表现这种很微妙的东西，这是一种很大的损失和浪费，所以我就会在这个上面尽可能深入，尽可能的“繁复”一点。这个“繁复”体现在两个方面：一是技法方面，二是在主观创作思路和观念上设定方面。
路过的风景 150x90cm 2014年
我们先说一下技法方面，我从事的是中国人物写意画，我现在越来越能体会到写意画的好处，它的笔墨可以有无穷尽的变化，可以尽情发挥自己的特长和兴趣点。尤其是用笔上的干湿浓淡、顺逆以及书写感会让你随着时间的积淀、不断的积累发现越来越多的可能性。我们也可以吸收油画、版画以及雕塑等等其他艺术门类的艺术特征，将之运用到写意人物的绘画中去。我觉得这是写意画非常大的一个优势。当初从国画系里选择具体专业的时候，就选择了难度较大写意人物画，这可能源于潜意识里对复杂性的一种向往。
有时看别人绘画，勾出一个线条，平涂一个颜色就基本完成了，但换成是我，我会在颜色上再做一些文章，例如画面中整体色块的分布、人物面部、衣服花纹等等一些复杂的东西，我喜欢一遍一遍的用写、染的方式将它做得足够深入、足够复杂，只有这样才能够达到自己心中认知的饱和点。所以当看到伦勃朗、达利这些人的画的时候，我会非常激动，因为他们的画面效果超出了我之前对深入程度的想象界限。这会带给我一种愉悦的心理刺激或是视觉的兴奋点，会让我主动去模仿、借鉴、吸收绘画特征，在做到这些之后，就会在无形中把自己的绘画样貌和别人区分开来。
绿茶人生 234x97cm 2016年
有人经常说绘画需要天分、灵感，我一直不太赞同这种观点，我认为绘画更多的是需要练习以及大量的实践，这是一个从量变到质变的过程。当然也不能否认里面也需要一些灵性的东西，但是灵性是每一个人都具有的，只不过因为量积累的不够，所以达不到质变的临界点。当达到一定程度的时，就会按照自己的眼光看待一些事物。
以上就是我对于绘画“繁”的一种认识，艺术语言上的“繁”决定了自己的绘画风格和绘画取向。“繁复性”的“复”更多的是一种在主观表现上更深层次的“繁”。
MERCY 330x120cm 2016年
从事艺术创作时，通常会遵循一种基本规律或是一个约定俗成的规矩，即如果内容特别丰富，那么形式就要相对简单一点；如果形式特别丰富的话，内容就要相对简单一点。这样容易让人读懂、看清晰，给人造成一种视觉上以及心理上的愉悦感。我觉得这是一个基本、普遍有效的创作思路，也是艺术家们遵循最多的思路。但是我会不满足于这种规律性，我会在形式丰富的前提下，把画面也做的相对丰富一些，在自己能够接受的范围内，尽可能做的足够深入、耐看、繁复。在以上的基础上，我会把我想要诉说的内容拆分成好几部分，反复的设置一些情节冲突，设置一个大的情节，再在旁边设置几个小的冲突来衬托主要的情节，它们表达的内容可能是相通的，但是通过不同的形式、不同的面，从多个维度来表现这种观念，这样会更加深刻、深入，也会满足自己对于艺术创作的一种欲望。
陈洁仪 225x225cm 2016年
我在制作正稿的过程中会有三个大的阶段：第一阶段是把大的笔墨、色彩关系画出来；第二阶段是进行深入塑造，在第一阶段的基础上，把需要深入的地方再描绘一些，把需要做“繁”、做耐看的地方更加深入一些。这个过程会耗费很多时间，因为有很多小的细节，比如色与色的对比，色彩之上再积色、罩色等等；第三阶段主要是针对画面的某些方面更加深入一些描绘，这是一个调整的过程，这个过程相对来说要快一些。在整体创作上，“繁”和“复”是不停循环的，艺术语言上的这种“繁”，故事情节设定的这种“复”，这两种放在一起，可能好多人觉得很不习惯，我经常会听到有人跟我说，“你的画看不懂，不知道你要表达什么”。这可能也是我想要的一种答案，因为“一千个观众，就有一千个哈姆雷特”。每个人都有自己对于绘画的解读方式，如果这张画可以让你不停的看、不停的想，那么这张画也就成功了。至于这张画想要表达什么，那就是仁者见仁，智者见智了。
蒲松龄 140x70cm 2016年
当然，我虽然提倡“繁”，但并不排斥“简”，我认为的“繁”与“简”是相对的。一张画里，有“繁”的部分，也一定会有“简”的部分，只是每个画家把握的尺度不一样，这也导致了后来呈现效果的不同。在我最近的艺术创作中，会比较注重一些“繁”和“简”的大对比，整体风格、艺术语言、情节设定上都是“繁”的，但在一些需要“简”的地方依旧会“简”，之前在整一幅画中每一部分的力气可能是七分、八分，现在需要用力的时候我会用到十一分、十二分，在需要“简”的地方或是不太重要的地方，可能只用一分、两分，甚至是留白。这样拉大“繁”“简”的对比关系，会使得画面更有冲击力，诉说性也会更强。
孤独 200x70cm 2017年
总的来说，这种繁复性主要包括技法和心理两方面的“繁复”。从绘画作品上来看，绘画语言以及绘画情节设定上的繁复性二者相加是我比较喜欢、欣赏的一种绘画风格，但是这可能会跟我们通常认知的艺术创作规律有相背性或是背离性。我觉得任何有创作性的东西，都应该和传统、常规具有相对性，只有这样才能打破原有的东西，在前人基础上，继续往前走