画好水彩画的秘密，他全告诉你了（超长纯干货）
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关老师的新浪博客文：
我从事水彩以来，以画会友，结交了不少朋友，也引来中外许多崇拜者，时常向我探求画好水彩的“秘密”。我是一个再普通不过的人，真的没有任何秘密可言，面对这些提问，实在难以作答。不过，作画必然有感情的投入，想法是有的。也写成了一些文字，只不过是为自己备忘的。
这里是美国作家米歇尔为了美国出版的《像首首动人的诗——关维兴水彩大师作品》画集，对我的专访，共有近50个问题，我都作了认真的回答，由于是作家提问，所以比较宽泛比较专业。这些内容全部由王先生译成英文，收录在集子当中了，可惜此画集没有在中国发行。
答：调色盘可分为“基础调色盘”和“使用调色盘”。历代的绘画大师们的调色盘上颜色种类都是很少的，但没有人敢说他们不是伟大的色彩家。我的“基础调色盘”在没有特殊色彩需求的情况下，只有10来种颜色，这个调色盘无论画风景或者是肖像，均可胜任。主要有`乌贼黑，熟赭，浅红，玫瑰红，柠檬黄，土黄，翠绿，群青和普蓝。在面对特殊色彩需求的时候，比如画秋林，可能临时放上橘黄，若画一个穿深紫衣服的肖像，可能临时放上紫罗兰，用罢再将其清除掉，恢复常用状态。
我画皮肤最主要的是熟赭和翠绿。熟赭对于表现白色、黄色等浅色皮肤非常适合，当然画黑色、棕色等深色皮肤就要用到其他颜色。而翠绿是用来调节皮肤色彩冷暖的。大家或许注意到，在印象派大师中，塞尚惯用翠绿调节皮肤的冷暖，而雷诺阿则喜欢使用兰色。由于我的老师是沿袭塞尚使用翠绿，所以我也习惯用翠绿了。其实不管用什么色彩那都是画家的自由，画家的创造，代表画家的个性，是不需要统一规定的。
要想画出适当的皮肤色调，最大的问题是什么？
答：我想主要是抓住不同人物皮肤的不同色调及不同的机理，比如老人皮肤的苍老，儿童皮肤的稚嫩，妇女皮肤的柔润，男人皮肤的粗犷，总之要捕捉到个性，避免千篇一律，从而获得对皮肤的最佳表现力。
从理论上讲，每个人的皮肤都不相同，因为人有黄、白、黑、棕之分；年龄不同，如老人和孩子；地域不同，如沙漠和海滨；性别不同，如男人女人；职业不同，如医生和矿工；时间不同，如白天和黑夜；光照不同，如日光月光灯光；特别是画到画面上的皮肤，要与周围多变的色彩环境取得谐调，要做主观上的改变，形成独具特色的艺术作品，那更是千变万化的，是绝不该相同的。虽然理论上如此，但实际操作起来是非常困难的，因为皮肤之间的差别尤其是同种皮肤之间的差别，往往是极其细微的，发现这些不同并且表现出来，需要很深的艺术修养，极其敏锐的观察力，以及高度的艺术技巧。所以有不少这方面欠缺的人，会逐渐形成一个固定的套路，以为皮肤就那么一、二个简单的颜色，画得僵硬雷同，大大降低了作品的表现力，这是应该引起重视的。
对于作品中色彩的力度，你好象非常敏感。明亮色彩使用较少，好象使形象更有力度，相反到处用亮色，可能会降低色彩的力度。一幅作品的大部分，你是有意识使用灰基色彩，然后使用几处色彩以达到更好的效果吗 /看过美国的艺术作品后，你认为其色彩使用是否过分？
答：水彩艺术的特点就是色彩的明丽、剔透和流畅，所以特别适合于花卉、湖光山色、静物和风景题材的表现，易于得到流光异彩的瑰丽效果。但对于人物这个凝重的题材，这样的色彩显得轻浮缺乏分量感，色彩表现力度就不够了，所以我有意的发掘和使用一些沉着的色彩，增强水彩的表现力和厚重感。
色彩的协调有两种，一种是色彩冷暖跳度很大的“对比协调”，一种是色阶接近的“近似谐调”。前者“对比协调”，犹如非洲爵士音乐，长于表现炽烈的情感，多用于现代绘画中，以表现现代人的生活节律和情趣；而后者“近似谐调”，如小夜曲般的抒情，则适于表现比较沉稳抒情的题材，比如老年人的沉思。不过，要是一幅作品全部沉浸在灰色基调里，虽然能表达出抒情厚重和沉稳，但往往会缺乏生气，让人感到乏味，因此，可以适当地使用一些明亮欢快的色彩做调节，就象在一片沉寂的山谷中传出几声响亮的鸟鸣，或者在如述如泣大提琴委婉低沉的音域中跳出几声长笛，会让人精神一震，获得感动。比如我在《窑洞前的老农》这幅作品中，充分地运用了灰色表现这位老人的朴素善良，同时将他脖子上挂着的烟袋的线绳，以及烟荷包上的图案，有意地使用了鲜明的翠绿和桃红，一方面增强了色彩的感染力，另外强调了这是妻子亲手为他绣制的烟荷包，述说着他们的忠贞爱情。
美国是个很现代的国度，美国人民开朗热情浪漫，有着快速的生活节奏和明快的感情色彩，你们的绘画在色彩上忠实的反映了美国的现实生活，是得当的。但是，对于有些题材，仅有感官上的喜悦，仅有流利的线条、明丽的色彩、巧妙的构成是不够的，还该有激动人内心深处的艺术感染力。从这点上看，美国的绘画艺术，在厚度和深度上似可再加强些。
你的人物和肖像画中的人物姿态在你的作品中占有重要地位。你是如何决定主题人物的姿态的？有什么规律？还是仅仅靠本能和直觉？也就是说，完美姿态是即时灵感？还是主题人物决定姿态，让主题自然再现？
答：人的内在情感会决定外在的姿态，我们反过来可以用外在姿态表现人物内在情感，这是表达人物情感最主要的方式。因为绘画中的人物不同于影视里的人物，他们没有语言好借助，只能运用外在姿态和表情传达情感，为此，需要我们实地的去生活当中认真观察、研究众多的人物，积累经验，丰富记忆。比如进入思考的人物，他的外在姿态就会异常平静，还常常会出现用手托腮的习惯动作，就像《人间圣母》；而处于紧张状态的人物，外在姿态必然动荡，潇洒，比如《冲向天边的队伍》；姿态应该永远忠实于主题的个性，我总是让主题人物自然展现，但往往从观察到的一个人物身上，一对一的表达一个人物是不够的，这个时候，我会另外增加一些元素以便强调某种特性。例如，《拿葡萄的小女孩》，我发现她时，她并没有拿着葡萄，但是她的微笑异常甜美，为了让观众能读出这种甜美，我想加上些葡萄或是樱桃，都可以形象的引导观众去领会这个主题。我所以选用了葡萄，是因为女孩的故乡盛产葡萄，这样既强调女孩脸庞的甜美，同时揭示了主人公的地域特点。总之，表现人物情感，最主要的是来源于生活的自然姿态，但也需要作者的灵感帮助升华。
你认为你还应该掌握哪些技巧和主题，(将来也努力多做些 ？)将来的努力方向？艺术上讲，最大的挑战是什么？
答：从事水彩人物这个课题本身就是最大的挑战，因为众所周知，用水彩表达人物这样的主题，就技巧而言确实太难了，无论是谁做了这个选择都是在冒险。尤其是要画出具有情感的活生生的人物，而不是那种徒具人形的“静物”，就越发的困难。困难还在于，想帮助人们领悟到我观察大自然时获得的感动，听到的那种潜在的“音乐”。例如，在灰茫茫的树林之中，美丽的白桦树干上几片薄如纸张的树皮，在逆光中透出亮丽的阳光，对于我来讲就像是一把小提琴在演奏，是那么优美，那么富于诗意。这种在我的脑海里回响的音乐，非常想让观众也能够听到。要做到这点，就需要我不断努力地提高能将这样的感动传达给观众的能力，即更高的技巧修养，这就是我面临的又一个大挑战！为什么这么讲？那是因为，我尚欠缺很多，很少画出一张十分满意的作品来，经常被遗憾或失败所困扰，因此，不得不将某一重点题材反复来画，直到较为满意为止；但水彩就是水彩，她不允许让任何人获得没有一点遗憾的作品！也恰恰是水彩的这个难点吸引了我，能与困难去争斗并获取成功，是人生的一大乐趣。
作为画家，我的愿望就是，通过我的创作，帮助观众提高鉴赏力，和我一起听取大自然和生活中的“音乐”，感受生活的美，分享人生的快乐！目前，已有不少人在欣赏我的作品时流出了激动的泪水，说明我已经获得了某种程度的成功，这无疑是对我的最大鼓舞，给了我信心，让我感到，这是观众在激励我去创作更多更好感人肺腑的作品，因此觉得从事如此创造性的劳动值得。我乐意承受这样严酷的挑战。
风景或者人物作品中的风景有多少成分是出自想象？换句话说，你总是大幅度地改变生活中看到的场景吗？
答：首先，从广义上讲，无论是人物风景或是静物，要想画好都必须100％来自生活，使用从生活中发现的美激发自己的创作热情，积淀感情和选择美丑的审美倾向。这是千真万确的真理，绝非老生常谈。因为艺术创作最生动最美的因素全蕴藏在生活之中，是凭空不能获取的。进入创作只能是在有了丰富的生活体验，积累了丰富的素材之后。假如我们一辈子大门不出，闭目塞听，对山川湖海、各族人民的生活一无所知，怎么会有美的发现，又怎么能去表现他们？就是到生活中去体察，对于一般旅游者，只要满足感官的愉悦，也就足矣；对于画家就远远不够了，他们必须像考古学者对待考古，地质学者对待地质，物理学者对待物理那样，依学者的姿态去研究生活研究人。时时睁着观察的眼睛，研究得越深，感情就越炽烈，创作的欲望就越高涨。
创作过程中，假如能有非常完美的感受并获得了完善的素材，会百分之百地运用这些素材；可是这样的机会是极少的，因为虽然最美的因素全部蕴藏在生活中，但往往不够理想，假若纯自然主义的原封照搬，肯定不会有高质量的艺术作品产生，必须经过画家的再创作！因此，总体来讲，一般画中70%是客观的，30%是主观的，但有时候要加大主观成分，甚至100%是主观虚拟的。比如《农家庭院》就是源自写生，是生活中依墙开放的蔷薇感动了我，但蔷薇的形状，生长态势，墙的构成均不理想，我必须依照在别处得到的更美好的印象和素材加以改进，又增加了一些农具，才将表现农家热爱生活的主题，通过温馨庭院展现给观众。所以，画家的主观创造，是异常重要的，但这些主观又必须来自对自然对生活的积累，并非凭空捏造。触景生情，是我们感受生活的法则；借景抒情则是我们创作的方法。
你能列出一些你个人认为最美的事情吗？包括像花卉、日出这样实物的美，和纯洁、诚实这样情感的美。
答：人能活在世上，带着生命的喜悦，去感受大自然的一切，实在是太美好了，美好的东西让人接应不暇。广袤的田野、莽莽的山林、神秘的天空、游动的白云、瑰丽的晚霞、多彩的鲜花没有不让我动情的；但更让我动情的是人类之间充满的爱。每每看到人们在危险关头忘我的救助，无私的奉献，都会让我热泪盈眶，我爱他们。同时会想起我的童年，那时我的家乡，一个坐落在莽林中的小山村，处在日本人的占领之下，生活十分穷苦，生命没有保障，人们惶惶不可终日。可是每当夜幕降临，我躺在破旧小屋的被窝里，看着坐在身边的妈妈为我缝补衣裳，我以极低的视线，仰望着母亲，低矮昏暗的小油灯光，照亮母亲的脸庞，还将母亲的身影高高地映照在身后的墙壁上，母亲显得那么慈祥那么高大，我感到了母亲的守护，顿时幸福的暖流流过全身，我成了世界上最幸福最安全的人！于是紧紧依偎着妈妈，安稳甜蜜地进入梦乡。任何时候回想起来，这都是最美的事情。而且我渴望通过画笔将这些美永久地留存在我的记忆中，于是有了《人间圣母》《母与女》《母亲的肩膀》等歌颂母爱的作品；也有了颂扬大自然之美的作品《故乡之恋》《高原牧歌》《戈壁之春》等。
你说你喜欢水彩，是因为他最具挑战性，还因为我们刚刚开始探索水彩的功能（能干些什么，表现什么）。你能描述一下，与油画相比，水彩有哪些优势呢？如何才能做到画得更漂亮、给人以更多启示（更有启发性地讲述一个故事）？
答：我本来学的是油画，但是水彩成了我的最爱。是因为水彩特有的魅力让我意识到水彩远不只是一种色彩练习的工具，应该如其他画种一样能生成伟大的作品。尤其是水彩人物，更是引人入胜，一幅好的水彩人物作品独具的艺术感染力是其他画种无法比拟和替代的，比如罗马尼亚格里高列斯库的《村妇》笔法娴熟洗练，一气呵成，色彩明快绚丽，宛如一只晶莹剔透的宝石生辉；俄罗斯谢洛夫的《鲁科姆斯卡娅》则干湿洗擦兼施，层次丰润，色彩含蓄，气韵生动，又像一块无瑕美玉闪闪发光；瑞典佐恩的《我们每天的面包》，造型严谨坚实，色彩丰富细腻，恰似一座铜墙铁壁无懈可击，令人叹为观止；英国弗林特《海滨浴女》水色空灵，皓淼柔美，直沁肺腑；美国魏斯《流浪者》坚实深刻的造型以及沉入心底的忧郁情感，任何人都不会无动于衷。这些脍炙人口的佳作，所展示的一切都是水彩所独具的，是其他画种所不能的。这里的情是水彩的情，优美是水彩的优美，韵味是水彩的韵味。并以其绚丽的色彩，明媚的光线，空蒙的气韵，潇洒的笔触，淋漓的水迹，像一首首流动的诗，激荡着每个人的心。
还由于水彩创作中，充满着的特殊艰难和神秘莫测的曲折，以及很低的成功概率，成了勇敢者的天地，对于喜欢迎接挑战的我，自然有着极大的吸引力，我想证明给世界，轻视水彩是不公平的，它或许还有一些未被开发的新领域，我想一试，看看水彩究竟能做些什么。假若能将水彩特有的表现力充分发掘出来，定能给艺术的百花园地增光添彩，为人类献上一种特殊的美，同时画家自己也会获得一分耕耘的快慰。
作为画家你得到的最大的褒奖是什么？
答：我作为画家得到的最大的褒奖是观众热情的评论和激动的泪水。这证明他们认定了作品的艺术价值。要知道，人们观赏绘画作品是不会轻易流泪的，这与阅读文学作品和观赏影视作品是不同的；然而我却得到了许多观众激动的泪水，尽管他们的国籍和民族都不相同，但都同样地成了我的知音，成了我的朋友，说明我的作品用它特有的语言讲述的一切，观众听懂了，真的没有了距离，画家与观众完全沟通了，这确实是对我的最高奖赏！
另外，当人们高价购藏我的作品时，又是一种很大的褒奖。这证明他们认定了作品的收藏价值。可以这样认为，当人们把我的画收藏回去挂在他们家里的时候，是把我也邀请到了他们的家，当它们欣赏热评我的作品时，我也领受着他们的爱。在格林斯巴勒的一位我的追随者家里，看到他们悬挂有我的6幅作品，让我感到快乐和满足。我能作为他们的朋友陪伴全家渡过一个又一个的美好时光，难道画家还能有比这更幸福的么？
最令您失望的是什么？
答：最令我痛苦和失望的是不能画或者画不出理想的作品来。
从美术学院毕业既被征召到军队服务，长期做些与画画无关的事，特别是在文革时期，更没有作画时间，我就自找了一个培育人的差事，从三十岁到五十岁，用20年的时间，培养了一大批学生，目前他们之中已经有五十多人成了中国美术家协会会员，还有不少人跨入了中国最优秀画家的行列，这是我一生中从事的最大的工程，虽然也有成就感，但毕竟丧失了那么多的时间没有作画，感到非常焦急和失望。到1990年培训结束，我便尽快的从中解脱出来，不然就什么也做不成了；现在好了，正处在旺盛的创作时期，但还时时经历着失败的痛苦，不过这已经是一种美丽的痛苦了！
包括艺术家和非艺术家在内，对您的生活影响最大的是谁？
答：我是农民的儿子，１９４０年出生于中国吉林省长白山一个小山村，那时故乡还处在日本侵略者的占领之下，生活十分穷苦。父母除了给孩子们以伟大的爱，设法养活我们外，别的就无能为力了。既没有能力让我们读书受教育，更不能给以艺术熏陶，因为父母不是艺术家，甚至连一个字都不认识，但我作为父母六个孩子中最小的一个和唯一的男孩，获得许多额外的自由。虽然我不知道世上还有艺术这一行，也不知道还有艺术家和艺术博物馆，可是小小的年纪就觉得把心灵中美好的感觉用图形展现出来是一种快乐和满足。于是像一头小鹿，东奔西跑，用稚嫩的小手，握着干树枝或木炭块，这写写那画画，破旧的门板、残破的窗户纸、打谷场平滑的地面都是我作画的场所，经常弄得满身脏黑，每当吃了西瓜，一道道瓜水流过沾满灰土的小肚囊，小肚子便成了一幅生动的水彩西瓜静物，惹得母亲又好气又好笑，只得带着我到村边小河去洗澡洗衣服。所以非艺术家中，给我影响最大的是母亲，是母亲给了我生命和爱心！
在我长达9年的专业学习生涯中，经历了多位艺术家的教授，对我都有很大的影响，但1960年当我20岁的时候，罗马尼亚油画家尤金·博巴（Eugen Popa.）教授，应邀到中国举办油画训练班，招收14名助教以上的中国学员，本来我这个本科一年级的学生是不够资格的，教授不想要我，但看了我的考试作品又说我“很有天才”破格地收留了我。两整年的学习，教授给了我完整的西方油画理念，加深了我对绘画艺术的理解，引领走上了真正的艺术之路。所以在艺术家当中，对我影响最大的是来自欧洲罗马尼亚的尤金·博巴（Eugen Popa.）教授。
如果你去采访一位年事已高的大师，你会问什么问题？
答：假如我真的有机会遇到我崇拜的米开朗基罗，我会问他：“艺术究竟是什么？她在人类的生活中占有什么样的地位？”
您对此问题的回答是什么？
答：假如有人这样问我，我的回答将是：艺术是人生，是人类须臾不能离开的。艺术在叙述它的主题的同时也在展露作者本身。诗言志画传情，诗画皆如人也。人的气质最终会在作品中顽强地展现出来，是谁也抗拒不了的，是概莫能外的。艺术的修养说到底是人的修养。所以，
人真画亦真，人假画亦假。
人厚画亦厚，人薄画亦薄。
你认为有限的颜料会使色彩更和谐吗？为什么或者什么时候画家应该使用更多的颜料？
答：不，颜料的多少与色彩的和谐没有关系。
色彩的全部学问，用四个字就可以概括，即：“对比谐调”。展开一点说，就是“用色彩的冷暖对比求取色彩的谐调”。
冷暖，是色彩的生命。通过色彩丰富细致的冷暖对比，色彩可能会歌唱起来而获得生命；舍此，必将成为单色而丧失色彩的职能，失去生命力。就象音乐中只有一种音符，单调乏味，没有生气。
和谐，是色彩的升华。没有和谐，再丰富的冷暖变化，仍旧是一堆杂乱的色相不同的颜料。也如音乐中，虽有高低不同的音符但没有形成旋律一样，毫无价值。
冷暖不难实现，和谐却难求得。冷暖，老师和他人可以教授如何去进行；和谐，则是他人无法传授的，是每个画家独具的。每个人性别、年龄、职业、教育、性格、民族、地域等的不同决定每个人的协调感也不同。这就是在世界上，为什么没有两个旋律感完全一样的音乐家，也没有两个色彩感完全一样的画家的道理。寻求优美的旋律和实现高度的色彩和谐要靠音乐家、画家自己去感悟。
一般来讲，历代绘画大师，都不喜欢使用过于繁杂的颜料，如西班牙画家哥雷科只用黑、淡黑、蓝、红、土黄。意大利提香也仅用四五种颜色；荷兰伦勃朗最怕调色板上颜色多；博巴的老师曾要求他的学生道：“我请你们把调色板弄干净，把这些没用的紫的蓝的绿的去掉，你试着用四种最多五种颜色来画，你便会有一个很大的发现，甚至你都不能想到，用四五种颜色你会画出多么伟大的作品来！”
或许在现代绘画中，描绘那些色彩繁杂如织的题材，会使用多种颜料吧。
明快的皮肤色调使得画面形象栩栩如生，你的秘诀是什么？你的色彩的明暗关系是有确切的数值？还是要考虑其他的因素？（例如，是使用一种有限的颜料还是使用一些绿色绘成暗部，以达到那种效果？你使用一些特殊的工具来加强肤色或者纹理吗？）
答：一般来说，在皮肤的明亮部位层次最为丰富，也更富于色彩；而暗部相对来讲层次比较少，色彩也相对单纯。所以，亮部永远是刻画的重点，可以展示丰富的艺术内涵。但是作为以水为媒介以透明色彩为造型手段的水彩来讲，暗部虽然概括单纯，却是最难处理的部位，往往一幅作品的成败会取决于暗部的成功与否。这种明暗对比关系，没有固定的数值，是千变万化的。在我的水彩创作中，不使用任何特殊工具，尽量发挥纯正的水彩语言的价值。
与油画相比，水彩的皮肤肌理或者衣服、植物的纹理更难，还是更容易？为什么？
答：一般来讲，在油画方面已经卓有成就的人才能胜任水彩。这说明，水彩在许多方面都难于油画，关键就是水彩的灵魂----水，它喜欢自行其事，不受拘束自由流动，不愿意被掌控。可以毫不夸张的说，它永远也不能完全按作者的意图行事，是的，永远不能！再有，水彩不同于其他画种的独特的造型方式，它是使用透明的颜料，由层层透出来的色彩造型的，上层色彩不能覆盖下层色彩。由此便导出它两个难点：1、若想大量用水，往往会招致失去严谨的形体，使画面空洞无物；反之，若想减少用水，获取严谨的形体，又往往会使画面陷入僵死，一句话：就是一扣就僵一放就空；2、色彩的不可互换性、不可修改性，比如画了红色，便永远改不成绿色了。然而这在其他使用覆盖手段造型的画种都是极易做到的。所以说，水彩刻画皮肤肌理或者衣物、植物等的纹理确实要比油画艰难。
如何使用水分帮助你实现高光部或暗部、脸部的结构和纹理？你说过水很难掌控，但是，一旦得心应手，是否就能达到出色的贯通融合、流畅、和暗部效果？
答：水分的掌握即艰难又引人入胜，使用得好会带来其它画种所不能的极美妙的效果。因此，深深地吸引着众多的水彩画家们。我体会，要画好高光和暗部、面部的结构和肌理，用水是要非常讲究的，要从多次的失败中汲取经验。一般来讲，高光和亮部，结构清晰，层次丰富，适于多次画法，水分可以适当少些；而暗部，结构模糊，层次概括，更讲究透明，因此可以适当使用大的水分。水分用不好，会使画面僵硬、拘拮、污浊难耐；一旦水分用得出色，就会获得融合贯通、流畅生动、透明爽快的美妙效果，令人心旷神怡。
我想知道，通过使用水，（油画不用水）水的自然流动和容易混合的属性是否会帮助画家达到很多效果？
答：飘逸的水色与笔笔都固定的油画性格是截然不同的。假如把油画比作健壮的男子，水彩则犹如婀娜多姿的少女，这种优美的水彩语言，就要靠水的自然流动和易于调和色彩的属性来获得。显然，水难为了画家也帮助了画家，有了水才会有区别其它画种美轮美奂的特殊之美。
如果套用完美的制图术的话，如果要创造出杰作，下列元素的重要性的顺序是什么：色彩的明暗关系，色彩协调，纹理，和设计（结构）？
答：确切地讲，一幅优秀的水彩作品，这些元素都是融为一体，相辅相成，缺一不可的。如果一定要排个顺序，大概是：设计，明暗关系，色彩协调和纹理。
决定服装、景色和姿势时，你总是想尽力讲述或叙述主题的一个故事呢？还是想尽力捕获每个主题人物的内在美和人类灵魂的高贵尊严？换句话说，你是对人物的外在生活故事感兴趣呢，还是人物的内在灵魂？还是两者同时都有？
答：人物外在生活以及服饰景色姿态，会给人以感官上的愉悦；而给人以内心的感动则是人物的灵魂。我们作者就是在做由表及里的工作。通过外在的因素展示的愉悦去揭示人物的内在之美。因此，两者都很重要，缺一不可。但是，只注重外在因素，缺乏内涵，那仅仅是一幅漂亮的画，成不了伟大作品。一个伟大的艺术家与普通画家的分水岭就在于后者。至于主题的故事也是一定要讲的，没有故事作品就不会动人，不过这故事还是让笔下的人物自己去讲吧！假如他有故事的话。
请讲一下每幅作品后面的“故事”的重要性。通常，你是了解每一个人物的经历呢？还是经常即兴抓拍而不了解人物的经历？哪一种更能帮助你做出更好的肖像---了解经历，还是即兴抓拍，还是速写？
答：每幅作品后面的“故事”其实就是诉说作品的酝酿过程，从这个角度讲，可以说每件作品都有故事，了解这样的故事，会让观众更好的理解作品的主题。
了解人物的经历，对于塑造生动的人物，无疑是重要的，如果有条件，应该努力去做，但这样的人物毕竟是有限的，大量的是靠搜寻，即兴抓拍和速写。而当代社会，生活节律很快，当场速写往往来不及，即兴抓拍就变成了获得人物素材的主要手段。然后选取有特点的人物，借其抒发自己内心的感受。如《鳏夫》，素材是抓拍的一个普通农民，至今也不了解他的经历，他未必是个鳏夫；但他特有的凝视的目光，让我联想起了儿时在我们村庄，我熟悉的几位没有结过婚或丧妻的中年男子，在他们眼里往往会闪现出一种异样的目光，展示着一种莫名的渴望。于是，我运用了抓拍来的典型的外在表象，挖掘了我内心早有的对此种类型人物的了解，将两者结合起来，创作了出我心目中的鳏夫。
你是根据人物的个性，还是行为，还是职业来选择主题人物？我很感兴趣的是，你是如何从大街的茫茫人海中挑选出你要画的主题人物？或许每一次选择方式都不尽相同，但是，如果有一种品质是你所寻找的（例如诚实，强壮有力或者尊严），那么它是什么？
答：不同的职业会造就人物不同的外在形象和气质，如矿工、医生、渔民、芭蕾演员，她们不同的外在形象和气质，就是由于她们不同的职业和环境造就的，在大街茫茫的人海中是很难发现他们的踪影，这要靠画家自己去寻找去发现。因此，我喜欢到海岛、矿山、牧场、农庄，与这些不同的人们结交，发现最具代表性的形象。由于我出身农家，对农民情有独钟，所以农民的朴实、渔民的强悍、儿童的天真，便是我之首寻。
你在多大程度上依靠照片作为参考资料？多大程度上现场作画？对于创作肖像画来讲，照片是一种很有价值的工具吗？
答：在五、六十年代，我们通常采取较长时间进住工厂、乡村的方式采风，那时很少照相机，所以搜集素材全靠当场写生。而现在，由于生活节律加快，画家大都采取旅行方式采风，除了风景还可能有较多的时间写生，而人物就主要是靠拍照了。因此照片便成为了很有价值的工具。
照片有长处也有短处，其长处会有助于创作，其短处会害得你不会画画。
先说其长。搜集信息快、准、全是其最大的长处。
一是快。它能在短时间内记录比速写量大得多的素材，而且便于抓取瞬间即失的信息，比如人物瞬间的生动表情和动态，是靠手工速写难以办到的；
二是准。所拍素材除了用超广角或超长焦镜头使物体前后透视变得与眼见不同外，表现人物、景物的准确性。也是速写所不及的；
三是全。所摄素材几乎包括了全部的信息，人物的形象、动态、表情、衣饰图案、环境、色彩、气氛无所不有，这更是速写无法比拟的。
而且摄影技术会越来越先进。比如正在研制中的激光全息摄影，所摄景物能方便的观看３６０度，还没有照片那样的颗粒，除了没有触摸感外，几乎乱真，一张照片等于把要画的景物搬回家中，多么诱人，也不会无动于衷吧！
再论其短。
挤掉速写，其过之一也。速写给人带来机敏的思维，锐利的观察力，丰富的想象力，快速处理的手法，概括的能力，是各科的基础，是从事造型艺术的人不可缺少的基本功。但有了摄影，不少人，少画或不画速写了；
将活生生的生活锁死、固定，其过之二也。
置身自然景物之中与观看照片里的景物，感觉是截然不同的。照片最大的弱点是将活动的景物固定，将丰富多采的生活分开限定在小框框里，不便于随意选择提取，不便于侧重观察研究。限制人们思维的自由翱翔。
将自然景物减少层次、降低力度，其过之三也。
再好的设备所拍东西，也要使景物弱化甜化，减少层次，降低力度，丧失许多具有生命力的东西。会使基本功不坚实又依赖照片的人受到极大伤害。严重者可断送稚嫩的艺术生命。
怎么办？
扬其长避其短，乃兵家致胜之道也。扬其长，就是利用它快、准、全的优点；避其短，就是想法弥补缺点，与速写紧紧挂在一起。
建议：第一要建立一个正确的观点，把摄影看作仅仅是素材的原始记录，它的作用和价值，与速写、日记、杂记等相同，不是最终归宿，不是终极目标。因此我们画画人的拍照与摄影家的拍照是有区别的。要安照画画的感觉和角度去照，你当时想怎样画速写就怎样照，而不要着眼于各种因素完备的摄影作品的创作。我们称它为第一步“用相机画速写”。
第二是“往速写簿上搬速写”。照片洗出后，要经常检看，仔细琢磨，不断加深当时获得的感受，并拣其感人的部分搬上速写簿。也就是按着照片画速写。
从事水彩艺术，不会画速写的确是不行的。绘画最终讲的是“手艺”，一切都得通过手画到画面上才算数，“手上的功夫”过得硬才行。然而，这样的真功夫只从静止的照片上是绝对练不出来的，根本的途径，必须如历代大师们做的那样，对着真实的景物和人物练，在你的造型能力大大超越照片以后，使用起照片来，才能取得接杆而起、借题发挥之效，才不致于作照片的奴隶，把自己的艺术限定在照片的水平。
在中国，你的主题人物很介意被拍摄照片吗？在镜头前，通常他们是害羞呢？还是很乐意为你摆姿势？
答：在我国地区不同人的性格也不同。有的地区人们热情大方，他们不介意是否被拍照，熟悉之后更乐意协助，甚至为我们摆姿势；但有的地区的人们害羞躲闪，甚至还有敌意。无论人们介意或不介意，我都不喜欢让人注意到我，因为当他们发现处于镜头前，就会非常不自然。因此，我通常使用长焦距镜头抓拍，抓取最自然最生动的瞬间情感和动态，从不刻意地要求他们为我摆姿势，一切顺其自然。
您的作品好像是简单和复杂的对比统一体，你如何看待您的作品的简单与复杂？
答：在前面的回答中已经说到，艺术作品很重要的品质就是要具有节奏感，节奏感表现为有紧有松、有厚有薄、有张有弛、有干有湿、有简有繁。繁简是其中之一，不然，作品由于缺乏节奏陷于平淡而丧失感染力。
观看画廊里的其他艺术家作品时，你能马上区别那些有深厚的学院绘画功底，哪些是自学的，或者说没有接受过良好的艺术教育？哪些通病显示出他们的缺陷？
答：是的，特别是在初期，这种差别是非常明显的。主要表现在观察方法和表现方法上的差别。没有经过正规训练的人，容易对局部细节感兴趣，而忽略整体处理，色彩也会比较混乱不和谐。因为他不懂得色彩的道理。但是，随着时间的推移，特别是经过名师指点之后，差别会逐渐消失，业余自学完全可以成为大师。
艺术上讲，您将去向何方？您的风景和肖像画已尽善尽美，下一步要完善什么？未来十年你将带着我们走向另一个巅峰？还是去创造教学方法举办艺术学校，把学生带到他们自己很难达到更高水准？
答：这两件工作都非常有意义，本应该都做好。但一个人的能力和精力毕竟是有限度的，况且我不在院校任职，我也没有精力自己创办学校，没有条件大批地教授学生。但我会利用可能的机会和适当方式为他人做些辅导和教授，而把主要的精力放到完善我的创作上，尽量能为观众们奉献出更为优秀的作品，为人类留下永久的纪念，虽然这很难！
在肖像画和风景画中能够达到如此深度的秘诀是什么？您是用色彩明暗关系、色彩和对比来创造深度的吗？
答：是的，但tonal value, color or contrasts都属技术范畴，是保证作品成功的基本手段，当然画家们都需要精通，可它们却不是根本。根本是画家对主题的深刻理解和追求，比如人物作品它的深刻在于准确造型之上的内在情感；风景作品的深刻在于准确造型之上的意境；人体作品的深刻在于准确造型之上的如音乐般的优美旋律。
准确地说，深刻感人的作品来自心不是来自于手。
有深度是您最优先考虑的因素之一？还是掌握水彩过程的自然结果？
答：深度或者称作内涵，不是水彩过程能自然产生结果，是要刻意追求的，不能让位于自然过程出现的某些偶然的漂亮机理效果。漂亮的效果是画家使用的手段，深刻内涵才是表现的目的。
作画之前，您要问自己的是什么样的构成构想问题？例如，你是否问过自己：“我想突出的最美的或者最引人注意的特征是什么？”“焦点在哪里？”“我如何把人们的注意力引导到我的焦点？”我想知道，作画之前你做多少分析？凭借多年的绘画经验，你是否直奔主题自动知道如何去做？
答：当你有了称心的题材，激发了你强烈的表现欲望，面对着裱好的画纸，就会产生难以言状的创作冲动；同时伴随而来的是极度紧张的心理。因为你预想到那么多的细节、那么多的色彩要追求，反而感到无从下手，犹豫不决。或者一下手，又要出现许多的意外，无论是毋妄之福的建设性意外；还是毋妄之灾的破坏性意外，都会让你乱了方寸，越发慌乱。或被建设性意外（肌理）吸引，跟着没有价值的趣味效果盲目前进，最后完成一件空洞轻浮的失败之作；或被破坏性意外打击了激情，丧失信心，不再顽强进取补救，即便勉强收拾完毕，也免不了流于平庸。因此，动笔之前的冷静思考，就显得非常重要了。学会把你的激情寄居于周密思考之中，用冷静有序的方法步骤，一步一步将你的激情表达出来。切不可幼稚的以为要激动就全面展开、四面出击、不顾一切的打乱仗。水彩工具在这点上与油画是不同的。总之一句话，不能丧失主动权，要胆大心细，争取在任何情况下，都要握有驾画面的能力。
梳理思路，要考虑的问题很多，而且每幅画都不会相同，但如下几点是不可少的：
ａ、这件作品主题、立意是什么，最感动你的是什么，也就是最终要把握住的是什么。
ｂ、色调的确立，是冷是暖，是炽烈是平和。
ｃ、画面大的冷暖色块的布局。
ｄ、干湿区域的大体分布。
ｅ、哪些地方尽量一、二次完成，哪些地方需多次完成，那些地方是一定要保住的最娇贵的细节。
当你经过思考心中有数之后，便可进入具体绘画程序了。
你好像能够使普通的甚至是不引人注意的主题看起来非常漂亮。你是否在告诉人们，你绘画的最高目标之一就是美存在于一切事物之中？
答：我国一位资深的画家看到我的《农家庭院》时说过：“这样一个不惹人注意的角落被你刻画得如此动人，你真是一位抒情诗人和歌手。”是的，这是一个普通的农家院落，景色是平常的。画中这株娇美的蔷薇是主人刻意栽种的，它的主人无疑意识到了它的自然之美。但是他们或许没有意识到其中蕴含着的绘画之美，但这种美被我发现了，它最少引起我两点思考，一、这株娇艳纤弱的蔷薇依傍在坚硬石墙上绽放，多像“巴黎圣母院”丑陋憨厚的敲钟人与善良漂亮的小姐，形成了巧妙的艺术对比，生动感人；二、它也让我记起了一个传说：二战结束德国战败，当他们政府的领导人，在一个住在废墟的家庭，发现窗台上一盆盛开的玫瑰时，自信地说道：我们德国是有希望的！人们爱花就是爱生活，这是多么深刻地主题！据此我进入了创作，调整了花枝整体的态势，使之更加秀美，将原本尖刻的薄石片换成粗犷浑厚的大石块，添加上有关的农具，点缀一群觅食的麻雀，完成了这幅具有浓郁的生活气息以及安宁温馨气氛的《农家庭院》，深得观众地喜爱。说明，美确实存在于一切事物之中，画家们的天职就是去发现它们，而后经过艺术加工，将这种自然之美奉献给观众。罗丹的“美重在发现”就是至理名言。
按重要性来排列的话，您艺术事业中最高的三个目标是什么？
答：第一是创作出杰出的作品；第二是为水彩艺术的发展尽一份力量；第三是能到水彩画的故乡英国举办一次我的个人水彩画展。
再过一百年，作为一个画家的您想让人们了解的你的哪些？
答；希望人们将我作为亲密的朋友记在心里。希望人们知道我勇敢地承受了水彩艺术的挑战、用我有限的生命、用我最真诚的情感、用我最炽烈的爱融于我的作品中，用以表达我对大地、空气、阳光和人类的炽爱。
如果在画室里，让主题摆姿势的话，拍多少张照片才能得到你想要的那张？你只使用自然光？还是也使用聚光灯呢？
答：如果在画室，环境安定，一般是让模特进入自然状态，让其随意活动和与人交谈，适时发现最美和最有代表性最自然的姿态和最好的光线，这中间是不需要拍摄照片的。当选定姿势进入绘画时，可以在他精神状态最佳时刻拍摄少数照片，以备在其疲惫之时作参考之用。通常有2、3幅照片就够了。
根据我的老师博巴代表的欧洲的教学，是从来不使用灯光的，因为灯光形成的强烈阴影会吞噬许多明晰的结构，这不同于俄罗斯的教学，俄罗斯喜欢使用聚光灯。
在构成中，您最喜欢的细节有哪些？比如：耳环，丝巾，帽子或者其他的“小道具”？这些细节有多大的重要性？画人物时，如何决定使用或者不使用这些小道具？
答：画家就像导演，出现到画面里的东西需精心设计，不可随意布放，都要负有使命。这些小道具的使用因主题需要进行选择和运用，使用得好，会对画面起到画龙点睛的奇效，用得不好也会带来极大的损害。比如《卫士》腰间的小海螺，表示了妈妈的爱；《秋趣》散落在地面的玉米粒，渲染了浓浓的生活气息；《鳏夫》鼻下的一滴水珠，传达了主人内心的一种莫名的渴望。但要切记，小道具只能起辅助作用，不能喧宾夺主。
下面是哲学性问题了↓
好像宗教和科学是引导人类走向生活目的更高真理的两条道路，前者基于信仰和内心的智慧之上，而后者则建立在经验数据和可观察到的事实之上。艺术是揭示并解释人类真理的第三条途径吗?您认为艺术揭示了怎样的真理？为什么人类通过研究艺术作品获取知识是重要的？
答：艺术与宗教和科学密不可分，它既含有宗教的信仰与智慧，也有科学的严谨与真实，但它毕竟不同于宗教和科学；不同就在于，艺术放弃了宗教式的说教以及科学般准确的阐述，使用充满诗情画意、娓娓动听的人类共同语言，诠释人类情感范畴内的真理，愉悦人们感官和情感，让人获得感奋和感动。对于宗教与科学，当人们没有能力听懂、没有能力阅读时，人们会将其置之度外无动于衷，而艺术则会让任何人都无法回避，必然介入其中。因此，从某种意义上说，艺术真的是能揭示人类真理的第三条途径。
从哪些方面讲艺术进程（比如，终身获取艺术技巧）是一个“旅行”？作为一个大师，您是靠近了这个旅行的最终目的地了呢？还是根本就没有最终目的地这样的事情？
答：我们中国有一句名言叫做“艺无止境”是对这个提问最好的回答。艺术家作为个人，当他闭上眼睛那天，它的艺术之旅自然停止了，可是旅程虽有终止，艺术却没有终极的目标。假若此时，有人唤醒我，又让我睁开了眼睛，我大概会马上说：“哦，真遗憾，我还有一个想法没实现呢！”作为人类群体历史的长河，艺术更不会有穷尽，它将随着人类的繁衍、社会的发展永不停息地向前进，花样将层出不穷，在历史的博物架上，一定会不断有新的伟大的艺术硕果展示！真的，艺术“根本就没有最终目的地这样的事情”。
您是否有某次特别的经历或事件，让您完全明白艺术将成为您的终生的事业？如何才能决定艺术能成为一个人的真正的职业或使命？
答：我无法说清楚。
比较类似的说法，是否有某一时刻您突然意识到了您有特别的艺术才能天赋？还是在逐渐提高与磨练技巧和创造性的过程中意识到的？
答：说实话，我从来没有觉得有什么艺术天赋，反而时时感到自己的笨拙。但也发生过，在我自己并不明白是怎么回事的情况下，画出了被师长们赞为“天才”作品的事情，当我望着这“天才”的作品，不解地说出：“我可不知道此画有什么好”时，老师却说：“以后你就知道了”。后来真的是在长时期的磨练当中才明白，我当时是把握朦胧感觉到的东西下意识地展现在拙作里的。
作为一个艺术家，您认为您最伟大的力量是什么？
答：爱、美与真诚。
作为艺术家，您的弱点或者说最大的挑战是什么？
答：超越自己，超越自己的昨天，恐怕是最大的挑战，挑战的艰难在于，当你刚刚悟到某些东西，生命结束的钟声就会敲响！我真的幻想着，能有80岁的经验，却有着1岁的年龄就好了！想要实现这个愿望就是最大的挑战；无法做到，则是最大的弱点。
您认为您的作品中哪些方面或者元素是受过去影响（或者从老师或者是自己对先前大师们的研究）？您认为作品的哪些方面是来源于您自己独特的观点、能力和创造？换句话说，您能够说出作品中哪些元素是源自于先前艺术家的作品？哪些又是来源于您自己的原创和想象？
答：用最大的毅力学进去，以最大的勇气走出来，这是成为一个伟大艺术家的必由之路。我最崇尚的大师罗丹和米开朗基罗，以其高超的技巧卓绝的思考，深深地影响着我，我花费了很大精力研究他们如何使冰冷的泥土和岩石获得生命。然而，我不是一个雕塑家，即或是雕塑家，我也不能模仿他们成为他们第二，那是愚蠢的，我必须从他们那里走出来，成为没有他们的影子的独创艺术家。然而，从它们那里学来的，一定让笔下作品具有生命，却影响我终生。
一个画家如何才能知道艺术教育中哪些方面应该相信自己的直觉、摒弃一些历史悠久的规则和画匠基础？您当时是在哪些方面打破了您所受教育中的条条框框？我很迫切地想知道您是在学习培训过程开始的时候就已经开始相信自己的本能直觉，还是您花了几年甚至几十年一直在按照学到的方式来作艺术？
答：作为一个画家的成长，开初在学校学习基础以及回头研究历史都是必要的，但那只是在学技术。虽然技术很重要，因为没有技术保证，任何艺术构思都只是一纸空文；但更重要的是感受生活的能力、情感与思维，这是任何教育机构、教育家都不能给予的，完全靠艺术家自己去感悟。如此，光线、色彩、造型等共通的因素将会转变成艺术家独创的技巧。从新获得价值。
就您的观点，“灵感” 的本质是什么？来自于何方？它是伟大作品创作中必须的吗？它是对于每一个画家都不同的现象？还是同一个现象、只不过是各位画家的不同的表现而已？
答：灵感的本质，是艺术家在对生活深刻感悟后迸发出来的独到的创作欲望和构想，是任何伟大作品不可或缺的。对于每一个艺术家，灵感的本质都一样，只是表现各不相同。面对同一个主题，如果画家只有对客观的机械描摹，作品便因为只有一个空壳没有生气；而天才的艺术家会有截然不同的作品，就是来自内在的灵感的缘故，没有灵感的作品是不会动人的。
西方历史上最伟大的作家之一John Donne曾经写道：“所有的人类均属一位作者，并且只有一本卷册；当一个人死亡的时候，一个章节不是从书中撕扯下来，而是被译成了一种更美的语言；并且每个章节必须被如此翻译……”
您是如何看待历史长河中伟大作品的诞生帮助创造了一种更好更为精致的生活“语言”？您把艺术演绎成了一种更为新鲜的“语言”，您感觉如何？
答：John Donne说得很对，任何个人均属于人类发展历史长河里的一个小章节，而且永久地被载入乐章之中。一个艺术家，作为一个小音符，参与了人类大乐章的演奏，发出独具特色的音响，讲述鲜活地语言，而且会永远地继续下去，为此我感到快活。
在先前的有关人类艺术目的的问题中，您说“我们的生活不能没有艺术，一刻也不能少”。假设我们没有艺术修养，人类将会怎样？
答：回到猿猴时代。
因为即或是向人类过渡的类人猿，都已经伴随有艺术的萌芽了，知道什么样的兽牙好看，穿成多少只得体，洞穴内外以及身体上涂抹什么颜色好看等。因此，现代人若没有了艺术修养，连类人猿都不如。
关维兴
男，1940年生，中国吉林省敦化县人，国家一级美术师。他在水彩上的艺术成就得到中外水彩界极高评价，特别是他的水彩人物，造型严谨厚重，神形兼备，笔法洒脱，色彩高雅。
荣誉
水彩上的艺术成就得到中外水彩界极高评价。特别是他的水彩人物，造型严谨厚重，神形兼备，笔法洒脱，色彩高雅。诸如《人间圣母》《初看世界》《秋趣》《陕北老农》《青春》《卫士》《盛装的少女》《童趣》等，都是脍炙人口，享誉世界之作，被赞为'前沿''高峰''无与伦比''美不胜收''大师风范'。作为亚洲唯一人选，进入了英国皇家水彩画协会主席沃斯先生(Leslie.Worth)组建的世界十人著名水彩画家代表团。沃斯先生称赞他'想不到中国有这样高水平的水彩画家'、'他的画清新优美，每一幅画都是一首抒情诗'、'是天才和技巧的完美结合，已达出神入化的境界'。
经历
1996年受文化部的委托，作为中国水彩专家赴突尼斯共和国举办'中国水彩画展'，其中有他的12件精品，结果获得极大成功。人们盛赞他的作品是'不可思议的''人类几乎达不到的'称他为'水彩画的魔术师'，崇拜者、追随学画者颇众，甚至认为是他的笔有秘密，收藏了他的全部绘画工具，特邀他为美术学院讲课、拍摄电视专题片。
完成的巨幅水彩《乡情》（200x130cm）刻画了几十位性格各异、表情生动、呼之欲出的淳朴农民形象，开创了用水彩深入表现众多人物的先河，将中国水彩画推到了前所未有的境界。98年十月在北京举办的个人水彩作品展，更是'盛况空前''好评如潮'。被誉为当今最具权威的水彩人物画家。
出版有《名家讲座-水彩人物》、《水彩临本-人物》、《水彩头像》、《希望——关维兴水彩作品》。作品有水彩画《冬云——周总理像》、《描猫小童》等。
曾任第一届中国美协水彩画艺委会委员，第二届副主任。现为中国美术家协会理事，中国美术家协会水彩画艺术委员会副主任，北京水彩画学会副会长，全国美展水彩画评委，国家一级美术师。