解读 | 素描的高度：世界上最优秀的素描作品都是什么样子？
说起素描，我们大多数人都会把它当成是踏入西方艺术大门的基本功。
通过素描，我们开始学会去研究物体的轮廓、造型、结构转折和光的明暗阴影，摈除色彩的干扰，只关注最基础的明暗和透视关系。
那些优秀的传统艺术大师，几乎都能画出精彩的素描作品。
如果你想学习传统西方架上写实绘画，选择从“素描”入手会是一个不错的选择。
但是也并不是说，想学画画就一定要学素描，只是说素描对于提升造型能力的帮助是巨大的。
很多朋友跑来问我说，“你是专业的，你帮我看看这幅画画得好不好。”
这充分说明了一点——大多数人都没有看过最优秀的素描作品长什么样，所以也没有一个正确的评判标准。
今天，小编就带大家看看世界上最优秀的那一批素描作品画得怎么样，相信大家看完以后对素描作品的评判就有自己的标准了。
素描的历史可追溯至西班牙阿尔塔米拉洞窟的壁画、中国花山岩壁画和非洲的许多原始壁画，此时素描仍不是一种独立的艺术形式。
阿尔塔米拉洞窟石壁上的牛
到了14世纪末，美术各大技法逐渐出现、完善、形成系统，素描演变成了一种独立的艺术形式。15世纪，素描开始成为美术教学手段。阿尔卑斯山以北的国家形成了严密精确的素描风格，文艺复兴时期自由奔放的意大利则截然不同。
17世纪，意大利历史开始进入转折。1590年创立的波伦亚学院强调美术的最高标准：科雷乔的风韵、拉斐尔的素描、威尼斯画派的色彩等，强调法则、重素描轻色彩，素描的地位得到了更大的提高。
20世纪后，素描形成了独立的画种，各类流派纷纷出现，有效促进了素描的多元化。代表有现实主义画家列宾和现代主义画家毕加索等。
自14世纪以来，每个世纪都出现了素描画得非常精彩的艺术家。
14到16世纪的文艺复兴阶段，最伟大的作品自然是来自文艺复兴三杰。虽然这个时期的素描还仅仅只是作为草稿而存在，但是我们透过这些素描稿感受到艺术家们深厚的艺术功底、以及他们对于创作对象的理解。
达·芬奇相较于画家而言，更像是一个科学家，所以他的素描作品自然也呈现出极佳的精准度，他非常重视解剖结构的表现。
达·芬奇创作了大量的素描手稿，许多这些作品完成度都不高，仅仅只是作为他彩色作品的研究所用，所以这些素描很多时候只有潦潦草草的一些线条，但是就这些简单的线条，没有人会质疑这些素描作品的伟大。
每一个看过这幅少女素描肖像的人，无不为她所折服。达·芬奇让人惊叹地用非常简洁的线条表现出了人物的内在精神情绪，这只是他随手而为之的草稿，可能是在尝试构图，也可能是在尝试捕捉人物的特征。
几根柔软的曲线勾勒着她的脖子和肩膀，细碎的线条暗示出阴影，飘扬四散的卷发温柔极了，她低着头侧脸面对我们，下垂的眼睑带着一种娇俏的情绪。
这幅基督肖像同样精彩，尽管这幅画已经残破不堪，谁又会去怀疑基督脸上的神性呢？
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[ 文/编 《弘雅书房》
编辑部：沉鱼意 ]
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