古典主义时代
《第45号交响曲“告别”》 - 海顿
为什么是古典的?严格地说,这个词只适用于古希腊人和古罗马人,因为古希腊和古罗马的文学艺术经典(classical antiquity)是两个最伟大的西方文明｡从那时以来,许多时代都回过头来把目光投向“古人”,并试图借用古人文化中最好的东西｡正如我们已看到的,在文艺复兴时期,然后又在巴罗克的初期,人们这样做了｡但是在十八世纪中期,特别是通过考古的方式,人们才真正开始重新发现了古希腊和古罗马的文学艺术经典,并逐步建构起一幅新的画卷｡这幅画卷描绘出以新发现和新发掘出来的希腊及意大利南部的寺庙为代表的质朴､宏伟､宁静､优雅和力量｡例如1748年发现的庞贝废墟,为了广为传播,画家们画它们,雕刻家们复制它们,理论家们研究设计它们的原理｡历史学家和美学家们—最著名的是德国人J.J.温克尔曼(1717~1768)— 他研究并赞美这些古代经典作品,而且提出要把它们作为他们自己时代的样板｡创造性的艺术家们也很快跟了进来,例如乔舒亚·雷诺兹爵士(1723~1792)强调绘画的最高成就,依靠的是采用古希腊或古罗马的题材和对英雄人物或受苦难的人们的表现｡这是一个同样被法国大革命时期官方画家雅克-路易·大卫(1748~1825)在他的绘画中所遵循的原则｡雕塑家也是如此,如安东尼奥·卡诺瓦用古希腊和古罗马的雕塑人像作为他们新时代男女雕塑像的基准｡古希腊和古罗马的历史､神话和哲学开始越来越有影响,这一点反映在那一时期人们对以古代题材为背景的歌剧剧情的喜爱和对剧情中古代美德的认同上｡
由于把美德与古文明联系起来,人们一直把由此而产生的“古典的”一词看作含有最佳样板的意思｡说某物,无论一首诗还是一辆汽车,凡是“古典的”,这就暗示它是同类中一个被赞美､称羡并适合于做样板的范例｡我们还往往使用这一词暗示设计上的某个方面,例如“古典的比例”这一说法,它意味着各种自然匀称的比例,遵循一种公认的不过度､不标新立异的适中原则｡正是对“恰当的比例”(just proportion) 和自然匀称的认可,才勾勒出古典时期音乐的一个重要特征｡这是一个实际上所有作曲家都在探讨有关音乐基本概念的时代:各调之间平衡的概念,让听众清楚地感到音乐的走向;各段之间平衡的概念,以便听众能够把握一首作品的正确方向并对所期待的音乐有一个清楚的了解｡由于作曲家可能通过变换作曲方法或音乐工作原理而非通过匠心独运和积极进取来吸引或打动听众,所以其作品可能较少独创性｡
可以这样说,在音乐上没有“古典时期”,只有“古典风格”,即海顿､莫扎特和贝多芬的杰作所经常使用的风格｡从“最佳样板”的角度来说,这只说对了一半｡然而这三人所采用的风格并非他们的独创,在这同一时期,其他人的作曲风格基本相同,而且都吸收了同样的传统｡