【摄影讲评】如何拍出好看的花卉 第1527讲？
这一课小编给大家介绍几个花卉常用的拍摄方法，帮助大家拍出漂亮的花卉照片。
1.采用低角度拍摄花卉
喜欢拍花的朋友一定都尝试过这样的拍摄方法，就是将镜头与花卉齐平，在同一水平线上拍摄，这样拍摄的好处是可以使花卉看起来大一点，这样更能突出花卉在照片中的主体地位，就像下面照片中的小黄花，实际是非常小非常不起眼的一朵路边小花，我们采用了靠近平视拍摄手法后，小花成了画面中最大的元素，作为主体的它自然也被突显出来了。
在拍一些比较高的花卉时，比如郁金香，我们可以将相机放置于贴近地面的位置往上拍，这样的低角度视角拍出来的花卉给人以高大神奇的感觉，恍如我们置身于花的“丛林”中，另外再加上天空光线的照射，花瓣呈现出通透、明亮的效果，为照片增色不少。
2.使用长焦镜头拍摄花卉
长焦镜头可以拍摄花卉的特写，效果类似微距镜头，而且它比微距镜头在使用上面更加灵活，长焦镜头可以压缩景深而获得迷人的浅景深画面，它比使用大光圈镜头拍出来的效果要好，可以使疏散的花朵集中到一起，且可以很方便的避开周围杂物。
3.用色彩来突出主体
我们去公园等场所拍花时，经常会遇到几种颜色不同的花卉群并在一起的组合排列，此时我们除了拍单一颜色的花卉外，还可以利用一种颜色突出另一种颜色的的拍摄方法，比如下面这张郁金香，用黄色郁金香作背景，来凸显前景中的红色郁金香，这样的色彩组合，视觉上非常醒目，能起到很好的感官体验。
4.从缝隙中展现花的美
所谓“借物拍花”就是镜头不直接对着花拍，而是选择一些其它的花花草草挡在镜头前，来充当前景，然后我们从这些花花草草的前景缝隙中去拍摄我们的花卉主体，这样前景会被虚化，拍出来的主体花卉好像在一片薄纱后面一样，充满梦幻色彩。
5.将稀疏的花朵拍出花海的画面
我们在拍摄花卉时，如果花朵稀稀拉拉，不够密，而自己又想拍出大片花海的感觉那怎么办呢？这时候我们可以使用上面提到的低角度拍摄方法，将镜头与花朵齐平，这样因角度的关系，可以将稀疏的花朵叠加在一起，这样看上去花朵又大又密，给观众营造出一片花海的假象。
下面这些方向不妨学习一下。
1、留白
虽然有人不甚赞同，但摄影即如绘画。两者的区别可以这么看待：画家认为画作已了，便不在画布上增加笔触，相对地，摄影师把画面元素逐一移除直到足够空盈。通过对内容的削减消除完成创作的过程。画面的静态为观众提供思考的空间深度。不像其他的摄影题材，画面不会去驱动消耗你的注意力，却能让人一次次凝视。景物一开始可能难以名状，但能在观察中，看到越来越多的轮廓与细节。留白就是这么个空白的区域，没有元素和细节，它或明或暗但不会引起你的注意，比如一片蓝天，善用留白，主体更为跃然影上。
2、方形
方形构图总览全局，没有长宽的差异，恰恰隐去边框的存在感，让主体更为直观有力。
3、延时
长曝光能让天空晕染云痕，让波纹化作流雾，抹平背景让静物得以显现。配合滤镜和慢门（程序）让曝光时间更长。丝滑柔长，却蕴含时间的流动。
4、移镜
当画面上没有固态的物体元素，那么清晰锐度也不再重要了。有时候在曝光过程中利用摇镜头（特别场景中只存在气团与液面），能创造出新的材质纹理，在绘画中也有同样手法。可以顺应云团和水流的方向移镜，但注意适可而止。
5、黑白
黑白风格相较彩色更为直白而隽永。单一颜色让人从另一种层面探索画面。你可能听说过人的部分视觉感受细胞不对颜色反应而专注于亮度区分，黑白画面还原了我们对外界观察的某种模式，更为纯粹的一种方式。
6、质简
少即是多，摄影中无需多言，拍摄视角更狭窄，视场纵深更长的场景部分，画面元素约简单越好，思考眼前的场景，何处最为动人，与广角全览时又有何不同。
7、始动
不少人完全不知道如何开始禅意拍摄，或许还在困扰如何找到空灵。你可以尝试在日常不刻意的拍摄中，找到更能解读禅意的作品，依照这个方向继续创作，因为遵循自心，更能找到心中空相。而且，意念中最好只保持一两个意向或场景，这能让你排除杂念，更为专注。跟随你对摄影信念和技巧，并且重新打磨，像孩子第一次抓起相机拍摄一样，开始你的初心创作。
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镜头结构特别复杂，是一个世纪以来的材料学、光学、化学的产物。不过，再厉害也是对人眼睛的模仿。人的瞳孔就是镜头的光圈，眼睛的焦点，就是镜头的焦点。我们的眼睛会自动对焦，相机的镜头在机身的控制下，轻轻一按也会自动对焦（也有手动对焦镜头，需要手动去拧），而焦距可以直接理解为视野，焦距越小，视野越宽，焦距越大，视野越窄。这很容易理解，下面重点要说光圈。
·光圈
光线强的时候，人的瞳孔会缩小，反之光线弱的时候瞳孔会放大。否则就会看不清楚。瞳孔缩小减弱进光量，瞳孔放大增加进光量。
另外，远眺的时候，人的瞳孔会缩小，看近处物体的时候，瞳孔也会放大，这是因为瞳孔缩小可以更好的实现对远处物体的对焦，瞳孔发放则更好的实现近处物体的对焦。
光圈和瞳孔作用是一样的，光线强的情况下，我们要调小光圈（标示的数值大，一般为3.5以上），以防止光线过强造成的过曝，光线弱的情况下，我们要调大光圈（标示的数值小，一般为1.2~2.8），增加进光量，在弱光下看的更清晰。
也就是说：光圈越大，进光量也越多，适合呈现近处物体，光圈越小，进光量越少，适合呈现远处物体。
·ISO
记录成像效果的介质，早期是胶片，需要冲洗印刷才能出来相片，而现在是感光元件，也叫CMOS或CCD，CCD因为技术落后，已被厂商弃用，目前主流单反都使用CMOS感光元件。感光元件的大小以及性能，决定了对镜头成像的还原精确度。感光元件面积越大，成像质量越好。感光元件最大单反相机，是中画幅相机，宾得645Z和哈苏生产过，全画幅相机是如今的主流专业相机，感光元件面积基本是传统标准胶卷大小，APS-C画幅相机是中端单反和入门级单反配置，面积是全画幅的一半多点。再小的就是早期的微单，3/4英寸，还有长焦相机和卡片机。
感光元件CMOS的ISO（感光度）很重要，一般来说感光元件的iSO越大，感光能力就越粗糙，对光的还原也就越不够精细。所以拍照的时候，ISO的调整要根据光线情况判断，同时还要根据感光元件的性能。
也就是说：如果四周光线强，则调低ISO，如果光线差，可考虑用闪光灯或高ISO（以相机最高ISO的一半为最高值，目前的单反相机可以调到12800左右，也就是说，最高调至6400，再高噪点就出现了）。
·快门
快门是时间维度，感光元件感受光线，是需要一定时间的，时间越长，相应从镜头进入感光元件的光量就越多，反之越少。但是这个世界是变动着的，相机也会因为人的抖动而变得不稳，于是曝光的时间段内，光线就可能发生变动，结果就是照片模糊了。
也就是说：光线弱的地方，适当增加快门时间，光线差的地方，适当减少快门时间。
什么是色调，色调不是指颜色的性质，而是对摄影作品画面整体颜色的表述。
色调是指摄影作品色彩的基本倾向，在色相、饱和度、明度这三个要素中，色相的因素起主导作用，饱和度、明度起到辅助作用，形成一种颜色的导向性。
比如，彩色的摄影作品虽然有多种颜色，但当总体效果有一种颜色倾向的时候，这种颜色上的倾向就是色调。通常以色相、饱和度、明度和颜色反差来定义摄影作品的色调。
什么是创作，所谓创作就是可以根据拍摄者的主观愿望，给作品加入个人的创意，通过作品表达作者的思想，让作品赋予创作的诉求，这就是创作。
作为参展的摄影作品，如果是彩色的图片，为了强化作品的表现力，在色调上的创作必须要有个性，让色调表现、强化和突出主题；
在摄影领域的创作中，最难掌握的就是对颜色的控制，因为彩色的构成实在是太复杂，比如，同样的图像，如果黑白来表现，相对就比较简单，因为只有黑、灰和白，只考虑明暗关系就可以了。但是如果用彩色来表现，对图像的影响因素就非常多，比如：
1. 黑白场的定位、灰阶分配与反差；
2. 确定颜色模式：RGB、CMYK、Lab；
3. 颜色通道的明度与色阶分配；
4. 互补色与颜色反差；
5. 图像色相、饱和度与明度的调整；
6. 单通道与多通道的饱和度与明度的控制；
7. 区域颜色的色相与明度的控制；
8. 通道颜色的饱和像素的控制应用；
9. 以通道界定区域的控制；
10. 以颜色为界定区域的控制；
大家看到这些是不是感到太复杂了呢？这还仅仅是技术层面的内容，如果再与艺术相结合，一张彩色的图片，说有千变万化，一点都不为过，也许有朋友说了，我不知道这些不是也拍出来好片子了吗？这就相当于，谁说P档拍不出好片子呢？
所谓创作，
就是对图片的控制，
什么是技术，
就是对图片的控制能力，
所谓创作，
就是让照片成为作品，
什么是技术，
就是具备让照片成为作品的控制手段，
所谓创作，
就是将个人的思想融进作品中，
什么是技术，
就是有能力把思想体现在作品中，
所谓创作，
就是不用自动的傻瓜模式躺等结果，
什么是技术，
就是用个人对图片干预产生的结果。
如果数码摄影直出的片子，很难产生个性化的色调，更不可能带有创作者的思想的色调，当然即使掌握了上述的技术，也未必创作出满意的色调，因为，摄影作品的色调，除了具备彩色的控制技术，还要结合个人的美术基础和对色彩的理解，最终应用到作品中，才能创作出具有感染力的作品。
摄影作品色调的逻辑关系是什么？色调主要分为主色调、辅助色调和主题色调。
什么是主色调，图像最为重要的就是主色调，它占有画面中面积最大的颜色，它代表了画面的整体色彩倾向，一般用于背景色与环境色的表现，在创作中通过统一背景色来实现画面主色调的形成。
由于人对不同的颜色，会产生不不同的思想感情，当某种颜色占据大面积的画面时，就会让照片产生一种通过色彩表现的情绪。
如果画面中缺少主色调，各种颜色互相干扰，由于缺少画面统一的整体性，就失去了图片的整体思想，因此也不能成为作品。
至于选择什么颜色作为主色调，完全是根据作品的需要，和创作者对美学的认识，和对色彩的理解，在创作中，根据主题确定主色调，用色调引导画面的情绪，色调不仅是色相带来不同的感受，不同的饱和度、亮度、色彩范围、色彩位置等也会带给观者不同的影响。
我们经常听说的，冷色调，暖色调，小清新，还有复古、怀旧、古风、欧系、电影色调等等，这些都有一个特点就是有一个主色调，由于色调鲜明，所以对观者的印象较深，就形成了一种流派。
什么是辅助色调？辅助色调是服务于主色调的一种色调，它不能喧宾夺主，它在画面中的面积不能大于主色调，明度可以高于主色调，但饱和度不能高于主色调，在视觉中，它不被观者注意，但它确实存在，让观者除非刻意的去看，否则将被忽略，这就是辅助色调的意义。
照片中还有一种作用特别的色彩，这就是聚焦色。
主题色调也是色调的重要的组成部分，因为摄影作品必须要有一个主题，主题元素往往是图像中主体或趣味点，为了使主体突出，画面中主体的颜色显得非常重要，一般主体的颜色与陪体的颜色必须要有色差，颜色的明度一般低于背景色的明度，反差要高于背景的反差，具有代表性的就是大面积的留白效果的片子，在创作中，在统一背景色的同时要考虑主体颜色，使其二者互相配合，让画面更和谐，达到陪体色调烘托主体色调的目的。