伦敦国家美术馆-2：文艺复兴时期的意大利大师们

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波提切利（Sandro Botticelli，1445-1510）对于每个喜欢欧洲绘画的人都不陌生，没有人能忘记他的《维纳斯的诞生》，就像不会忘记达·芬奇的《蒙娜丽莎》一样。他是意大利文艺复兴时期的代表人物，按照瓦萨里的说法，正是从他开始，意大利的绘画艺术进入了一个黄金时代。

《维纳斯与马尔斯》是波提切利创作于1485年的作品，延续了他一直喜欢的情色路线。爱神维纳斯身着文艺复兴时期意大利的潮流服饰，优雅恬静地望着与她偷情的战神马尔斯。马尔斯则被描绘成一名皮肤细嫩的美少年，睡觉的姿势与古罗马帝国时期石棺上雕刻的人物如出一辙，体现出画家对古代艺术的细致研究和经典再现。看得出来，这是他俩鱼水之欢后的片刻宁静，不同的姿势表情反映出男女在云雨后的不同状态。几个小半兽人萨梯很可能受维纳斯指使，正拿起战神的头盔、铠甲和长矛等玩耍，前面的一个还拼命向马尔斯耳朵里吹气，试图将战神从睡梦中唤醒。如果站在人文主义的高度牵强附会，可以说这是爱的力量胜过一切战争与暴力。不过，这原本就是一对偷情的男女，他们的行为后来被维纳斯的老公伏尔甘抓了现形，还被网在一起丢到诸神面前出丑。

这里也有达·芬奇（Leonardo da Vinci，1452-1519）的作品，这位文艺复兴时期最顶级的大师留下的作品不多，艺术水平又极高，因此件件都很珍贵。我们在这能看到的一件是他1508年创作的《岩间圣母》，这是达·芬奇以圣母无原罪为题为米兰的圣方济各教堂绘制的祭坛画，他只绘制中间的一幅，两边则为他的学生所绘。不过第一版未能交付而是被带到了法国（现存于卢浮宫），此为第二版，空间效果更加生动，笔法更加洗练娴熟。画面中左边的小约翰拱手向右边的小耶稣跪拜，将他俩联系在一起的是身着蓝袍的圣母，最右边的天使深情地望着眼前的一切。这幅画采用了达·芬奇最擅长的晕涂法，明暗过渡细致自然，光影之间显得异常地柔和。背景刻画光怪陆离，充满神秘感。

另一件《圣母子、圣安妮和施洗者圣约翰》为一幅炭笔绘制的底稿，圣母的手脚和背景等都没有画完。人们没有在任何地方找到基于这幅底稿绘制的成品祭坛画，关于这幅画的绘制年代也众说纷纭。鉴于达·芬奇一生曾辗转佛罗伦萨、米兰、威尼斯和法国等多地，也许这就是他答应某位雇主却因转往他乡而无奈放弃的一幅祭坛画。

相对于达·芬奇，拉斐尔（Raphael，1483-1520）的作品就比较多了，他俩与米开朗基罗并称意大利文艺复兴三杰。拉斐尔以画圣母著称，我们就先看看他笔下的《粉花圣母》。这幅画绘制于1506-1507年，是一幅27.9 x 22.4厘米的小画，最早的拥有者是手里拿着它用来静思的。画中的圣母坐在卧室的床上，小耶稣在她腿上玩耍。窗外阳光明媚，母子俩手中都拿着新采的鲜花，粉色的石竹花象征新婚，也许这幅画就是受某位新人委托创作的。拉斐尔一改其他画家普遍采用的刻板正式的圣母形象，刻意展现出作为一位母亲更加慈爱和作为一名女性更加柔美的一面。这实际上正是文艺复兴区别于中世纪而要表现出的人文主义情怀。

同样是1507年，拉斐尔在《亚历山大城的圣凯瑟琳》中则表现出女性勇敢和坚毅的一面。凯瑟琳（Catherine of Alexandria，287-305）为亚历山大城的基督徒，受古罗马帝国皇帝马克森提乌斯迫害而死。传说原本要将她绑在车轮上磔刑，但她刚碰到车轮，轮子就断裂了，最后只好执行斩首，从此车轮成为她的标志物。画面中的凯瑟琳倚着车轮凝视远方，神态宁静虔诚。这幅画体现出拉斐尔从老师佩鲁吉诺那里学到的绘画技巧和从达·芬奇那里借鉴的动态构图。

我们再回首看看拉斐尔早期的作品，受他老师佩鲁吉诺的影响更大，感觉也更刻板一些。这幅《耶稣受难图》绘制于1502年，那年拉斐尔19岁。这是一幅标准的祭坛画，耶稣被钉在十字架上，表情安详，两边的天使用手中的杯子接取他流出的鲜血。下方画面右侧跪着的是抹大拉的玛利亚，她身后站着福音书作者圣约翰；画面左侧跪着的是圣哲罗姆，应该是祭坛所敬献的圣人，他后面站着的是圣母玛利亚。

除了活跃在佛罗伦萨的几位大师外，文艺复兴时期的威尼斯也出了不少画家。乔瓦尼·贝利尼（Giovanni Bellini，1430-1516）就是其中的一位佼佼者。你可能不熟悉他，但你一定知道他的学生，他的学生之一就是大名鼎鼎的提香（Titian，1488-1576）。《总督莱奥纳尔多·罗雷丹》可以说是贝利尼的巅峰之作，绘制于1501年，那一年罗雷丹新任威尼斯总督。画面中他的整个身体朝前，头部微微右转，目光坚定、神态从容，具有一位总督应有的威严。他身着华丽的金银丝浮花锦缎礼袍，头戴与礼袍配套的礼帽。据说威尼斯有为统治者绘制身着正式礼袍半身像的传统。贝利尼在明暗处理上准确自然，服装的质感十分逼真，虽然礼袍为一种颜色，但深浅花色结合光影效果，让人叹为观止。即便作为背景的蓝色也做了细微的分层，上部更深，很好地突出了人像，整个画面也显得和谐统一。

贝利尼家族本身是个绘画世家，乔瓦尼·贝利尼的父亲和哥哥都是画家，他的妹夫也是位画家，就是我们下面要介绍的曼特尼亚（Andrea Mantegna，1431-1506）。这幅《将西布莉介绍给罗马》刻意模仿了罗马雕塑的效果，是受一位威尼斯贵族委托于1505年创作的，原本委托了四幅，但画家只完成这一幅便去世了。西布莉是古代小亚细亚人崇拜的自然女神，在公元前204年被推广到古罗马崇拜，画中表现的就是人们抬着西布莉的半身像来到罗马的场景。

在13-15世纪这片区域里我要介绍的最后一位画家依然来自威尼斯，他的名字叫卡罗·克里韦利（Carlo Crivelli，1430-1495）。他早年在威尼斯发展时曾受到乔瓦尼·贝利尼和曼特尼亚等人的影响，1458年他移居安科纳，逐渐发展出一种与众不同的绘画风格，即带有晚期哥特式装饰效果的文艺复兴风格。实际上他带有浓重的反潮流倾向，尽管当时油画已非常流行，但他坚持绘制蛋彩画。同样，在文艺复兴的大势下，他还想努力找回哥特式的感觉。

这幅《圣埃米丢斯与天使报喜》创作于1486年，是受阿斯科利皮切洛小城（Ascoli Piceno）的天使报喜教堂委托，主题是庆祝该城于1482年获得自治权。画家巧妙地将天使报喜与城市获得自治的消息这两个主题结合起来，画面中一道金光划破天际射入房中，照在圣母玛利亚的头上，屋外的大天使加百利手持百合跪在地上向玛利亚报告受孕的喜讯，旁边一同跪着的是手捧阿斯科利皮切洛小城模型的圣埃米丢斯，他正是这座小城的主保圣人。同时，房上的信鸽为小城的居民带来了自治的消息，人们纷纷走出家门。画面前方的苹果象征人类的原罪，葫芦象征耶稣复活，右上方的孔雀则代表永生。