用这五个方法突破你的摄影瓶颈
作者微博：@宋恩庭
和你一起每天进步一点点，我是宋恩庭。
我今天想要分享五种提升摄影水平，突破瓶颈的方式。这几种方式在过去几年里很显著地提高了我的摄影能力，让我在遇到瓶颈时有新的灵感，也把我自己放在一个良好的环境，使我对摄影的热忱和追求能得到茁壮成长。
我相信，如果长时间练习，下面描述的任何一种方法都能显著的提高你的摄影水平。
方法一：每天拍照
这个是最明显也是最直接的方式，做再多的研究、读再多的书、上再多的课、都无法取代实际单枪匹马地去拍照。理论固然重要，但如果没有实际拍照经验做基础，我们很难真正体会出这些思想背后的意义。
在拍照的过程里，我们会发现一些解释不出来的规律，看到很多不曾留意的东西，也同时会遇到很多没有遇过的问题。这些观察和疑问会激发我们找答案的欲望，让我们自发性的往更深一层的理论做探索。
它也像是一把钥匙，能开启这些理论中蕴藏的强大能量，让我们在读这些看似复杂的论述时能很快地理解其中的含义，体验那种“哦，原来是这样！”的喜悦，好像我们原本就已经知道了，只是被系统性地解释出来而已。
再者，教学和研究在某种程度上是在走别人已经走过的路。这虽然能帮助我们很快地获得基本知识，但是却无法让我们用自己的方式拍出属于自己的照片。
或许这个技巧适合这个拍摄者的性格，适合他拍摄的题材，但是同样东西我们拿来用就不一定管用了，所以借着实际拍照来找到属于自己的节奏是很重要的。
对于实际去拍照，我有个建议。
找一个固定的题材，每天拍几张，然后留下自己最喜欢的一张，一年365天下来，你就能看到自己是如何每天进步一点点的，因为题材一样，所以更好做比较。举个例子，如果你每天坐公交车或地铁上下班、上下学，你可以就做一个“车厢里的一年四季”这样的题材，带着你的手机或相机，每天通勤的时候就练习。
难不难？很难啊，因为一堆人挤在一起时，你敢拿起相机就这样拍吗？这样拍人难道不是一种侵犯吗？每天拍同样的题材不会腻吗？
你看，如果我们不去拍，我们会遇到这些问题吗？没有这些问题，我们会迫切的需要答案吗？也只有在我们真正去拍照时才会发现，之前的一些顾虑根本不是顾虑，但是有一些一开始没想到的事儿反而成为我们最大的挑战。
总有一天，我们需要要带着我们的相机走出舒适圈，到外面的世界去拍照的。研究和理论固然重要，但是走出去拍摄最好的时候不是等到我们准备好了，是现在。
19世纪美国作家John Augustus Shedd说过这么一句话：船在港湾内是安全的, 但那并不是船被造的目的。
方法二：修图
我身边有几个摄影的好朋友，几乎不修图，并且很追求当下那种不加修饰的瞬间。我很喜欢他们的作品，也很欣赏他们对摄影的态度，不过我在这里不是要讨论修图是否违背摄影精神，也不是要探讨一张照片是否需要经过后期的处理。
我觉得今天无论我们的照片是否要经过修图处理，我们都可以接着修图这个行为来提升我们的摄影水平，大不了修了之后不要用它。
既然这样，那修它干嘛？
比起其它视觉艺术，摄影更容易依赖于直觉，因为呈现一张照片是一个如此简单、直接的过程，无论是经过了多少规划，从无到有，也就是按一下快门的事儿。这意味着一张照片总是可以在随意而不经过思考的情况下产出，因此，它也经常被这么对待。
但是修图给了我们一个好玩的动力，让我们慢下来，”浪费”大把的时间研究自己拍过的东西，借着调整那些奇形怪状的按钮和曲线滑桿，来探索视觉属性和情感之间的联系，让我们对摄影有更深刻的认识。
从我自己的经验，修图的过程让我更珍惜自然发生的事物，因为那种自然光线的挥洒、眼神流露出的情感、诡异天气带出的碰撞，是很难在软件里被复制的。
接着修图，我慢慢学会观察，学会如何在摄影的当下发现故事，留意光线、颜色和线条的互动，更准确的衡量一个画面的潜力，也了解到后期的局限。
我在这篇短文里描述了我是如何借着修图拍摄出更好的作品。
方法三：去看艺术展览
当我说，透过屏幕看艺术和实际到美术馆看艺术，是两种完全不一样的体验时，看过的人一定懂我在说什么。当洗出来的照片或画出来的画活生生的展示在我们面前时，我们感受到的不止是图像本身，而是作品的规模，油墨的味道，颜料的龟裂，笔刷的力道，房间的温度和灯光和作品之间的互动等。
这些感官上的体验不能被一张书本里或是屏幕上的影像取代，就像是一个人和他的人像照是两个完全不一样的东西。
当我们站在一件作品面前，我们能和它发生一种特殊的对话，很私人，很有趣，细腻，也可以很宏观。它能教会我们一些东西，也能给我们不同的灵感，因为这不只是我们和作品之间的对话，也是我们和创作者的交流。
美术馆定期都会更换不同的展览，让我们有机会认识不一样的风格，体验原本规律生活体验不到的感官刺激，也让我们有机会认识更多的艺术家。
所以，多花一点时间和作品对话，少一点时间看屏幕，这对我们的艺术感会有很大的帮助。
方法四：分享交流
分享是一件很棒的事，它看似一种给予的动作 (其实也确实是)，但是分享的人往往自己获得更多，因为分享需要经过更严格的自我检视，强迫自己面对自己的缺陷，学习用完整、清楚的方式来表达自己的观点，无论是用文字还是影像。
分享也能成为我们创作的动力，因为创作本身就是一种沟通的形式，一种对话的方式。除了跟自己对话，用作品跟其他人交流能让我们得到外面来的反馈，还能因此认识其他创作者，在创作的路上少了份孤单寂寞。
有些人不愿意分享作品，觉得这些目光是没有价值的，但是我一直觉得，我们的环境是一面镜子，反射的不是什么残酷现实，它反射的就是我们自己。这些目光既能抑制我们的创作灵魂，也能为我们所用，看我们选择用什么方式去认识它。
也有一些人他不愿意分享，不是因为分享不是件好事，而是他觉得自己还没有准备好。虽然这个在某些层面上是有道理的，就像是许多音乐人会让他的作品经过千锤百炼后才会把它公诸于世，但是这样做的危险就是我们会把自己困在自己的舒适圈，把时间都花在磨刀上，到头来只是浪费生命在做无意义的拖延。
当我们要求自己要在一段时间结束前就要分享出我们的作品，我们就能逼着自己去做那些困难又不愿意做的事，很多创意的火花也是在这种危机感之中诞生的。
虽然现在有各式各样的平台和群众类别可让我们选择，但分享不一定要在社交平台上，它也可以给专业的人士，例如老师、某些协会、活动、刊物、甚至是接商业项目，只要是能挑战我们的舒适圈的，都可以。
这个过程对一个摄影师的成长是非常有益的。
方法五：跨越不同领域
摄影师安塞尔·亚当斯曾说过一句话：“我们不只是用相机拍照。我们带到摄影中去的是所有我们读过的书，看过的电影，听过的音乐，爱过的人。”
我在这篇文章里探讨为何影响摄影水平的，除了拍照技巧，更多是我们内心的状态。
即使一个人很会操作相机，很会构图，如果内心的状态有所不足，他也只是在用更高的技巧去呈现这些不足。所以很多拍照拍久了的人，会发现最难的摄影概念不是如何与相机相处，而是如何与人、与环境相处。
人脑就好比是个庞大的储藏库，随着我们的成长过程，积累我们的感官在每一刻所接受到的讯息，从嗅觉、味觉、触觉、听觉、到视觉，我们的五种感官汇集、拆解、分析、储存这些讯息，把它们建构成一个精密的认知系统，主导着我们和世界的互动方式。
要有效地提升这个“状态”，我们可以全方位增加这个储藏库里的内容含量，多看、多听、多闻、多尝、多触碰，培养多元化的兴趣，缺一不可，例如我们可以去学习设计(多看)，研究音乐(多听)，研究香料(多闻)，品茶(多尝)，做雕刻和手工艺(多触碰)等。
个别感官载体存在自身的限制，也存在不重叠的讯息，就像是电影不一定能拍出小说的美，文字也不一定能完全捕捉我们听到的一首歌。
我们越尝试跨越不同的艺术领域，我们就需要越强大的认知系统来整合这些不重叠的感官讯息，我们的状态也就越深厚。当我们能在不同承载体之间穿梭自如，就能超越个别载体的自身限制，激发出跨载体的创意。
当然，跨越也存在于摄影领域本身。
平时如果我们喜欢照人文，我们就可以尝试风光；如果我们原本就擅长风光，那就挑战自己去街拍，或拍产品，或时尚。这不一定是我们感兴趣的题材，也不一定是我们拿手的，但是如果我们不把自己定位成为这一方面的专家，而是保持一种学生的态度，当做是一种学习工具去接触它，我们就更能享受与其中的体验。
摄影本来就不能被门派标签手法等划分得这么清清楚楚，与其给自己画一个边界然后守在里头，我们应该进行更多的实验，吸收每种类型特有的技巧和思维方式。
总结
这五种方法，或许看起来很简单直白，但是往往很多时候答案都已经摆在我们眼前，我们需要的不是另一种神秘解药，而是坚持。长时间地坚持这五种方法的任何一种，都能让我们的摄影水平得到突破。
让它成为像每天刷牙一样的一种习惯，每天完成一点点，我们就能看到积累的力量。