当代中国影响力书画家王关棣

王关棣，陕西安康人。毕业于西安美术学院，进修于中国艺术研究院研究生院、北京大学艺术学院。主要研究方向为中国人物画创作，兼及水彩。先后二十余次参加省级以上展览并获奖，其中三幅作品被中国国际奥委会、中国美术家协会、周恩来纪念馆收藏。2019年，中国画《远古的祈祷》入选中华人民共和国文化和旅游部、中国文联、中国美协主办的第十三届全国美展并获进京资格。现为中国美术家协会会员，陕西省美术家协会会员。主要艺术兼职：陕西省中国画学会理事、民盟中央美术院陕西分院理事，西安中国画院画家，安康学院艺术学院“双师”专家、安康市群艺馆特聘创作员研究员、驻馆画家。

《远古的祈祷》200×238cm第十三届全国美展进京作品

第十三届全国美展中国画展的后续思考

¨王关棣

第十三届全国美展已经过去了一年了。展览前后分别有一些评这届国展（本文专指国画展，下同）的文章，褒贬不一。五年一届的展览我连续看了三届，三届是15年的时间跨度，15年里中国美术应该有些跨越式发展，然而，我觉得实际上这15年中国美术发展基本停滞不前。下面，我就本届展览谈谈我的看法。

《第二次调整》223×194cm

一、工笔画多。本届展览从中国画评奖结果看，金银铜奖全是工笔（金奖作品李玉旺的《使命》本质上仍然是工笔）。据统计，本届展览约有一半的是工笔画，上两届估计也差不多，有兴趣的读者朋友可以查阅作品集考证。工笔画这些年的盛行，有其比较复杂的成因。参加十三届开幕式期间，有一位比较有名气的的画家说的很有意思：盛世画工笔，是不是这样呢，我没作详细考证。我想说一个现象：很多画家在年轻时候都画过工笔，或者作品都很写实，到壮年以后，作品慢慢向写意发展。这至少说明了一个问题：写意画是随着画家的笔墨修炼、思想沉淀才会达到一定高度。这些年，各院校的国画方向的艺术生，他们的毕业创作往往是工笔画，唯其工笔，才能貌似有成绩，“像画”。因此，我得出一个结论：工笔画是作者不具备扎实的国画（包括书法）修养的创作体现（这个指的是整体而言），说苛刻一些，或者作者不愿意在传统笔墨书法上下功夫，然而为了参展（获取名利迎合世俗），就制作出工笔画来。北京有一个大家说：（制作）工笔画是作加法，每画一个小时，都有成绩。工笔画制作过程很慢，然而，是不是在态度上本质是浮躁的呢——急于求成。展览上，工笔画居多，恰恰是证明了社会的浮躁。当然，工笔画的盛行也说明了社会全体审美的通俗性。另外，评委中有部分具有话语权的专家是画工笔画的，所以，工笔画格外引起他的偏爱。他的话语权越大，写意画入选获奖的机会越小，这真是对中国画有扭转乾坤的作用。容我再说几句：工笔作品落款，往往写“xx制”，一些创作班的指导老师说：稿子完成了，下面就看你咋制作了。大家都知道，中国画是以“写”为灵魂的，怎么就公然“制”起来了呢？

《大秦腔自乐班》

二、画照片问题。的确，这些年美展作品画照片的不在少处。本届展览中入选甚至进京作品中竟然被“人肉”出作品的原作照片。现在的媒体很发达，特别是照相技术简直发展到了极致而普遍，一方面为画家搜集素材提供了便利，也为画家偷懒藏拙（速写、写生能力的欠缺）提供了便利。创作中不是不可以用照片，关键是怎么用。有一篇文章挖掘出了本届展览中很多被抄袭照片原图，有几幅确实流于“抄袭”，这种抄袭且不说创作态度如何，就画画这件事客观地来说，抄袭的作品能入选，说明他还是有点判断力，但是，发现自然画面的美那是别人，与画者什么关系呢，是你的审美眼光产生的么？

照相技术的运用几乎是不可避免的，但是对相片素材的利用，画家要拿出艺术创造力来“改造”照片，譬如人物画，要深入观察照片，体会照片人物的精神气质、形貌特征，形体感觉，合理处理摄影照片的透视，然后反复画速写、素描稿，直至再造出一个新的艺术形象——如果这样去用照片，即使是利用大众熟知的图片，也不会有抄袭之嫌。可以说，你的作品离原照越近，那抄袭嫌疑越大，反映你的艺术创造力也低。本届展览后有一些文章批评作者抄袭照片，可是批评的结果是“版权”问题，那就成了道德与法律范畴了，与艺术有什么关系呢，所以我说他批评的不得要领。

抄别人照片一方面大众要质疑作者的艺术创造力，还要经受道德法律拷问。那抄自己的照片呢？画家自己拍的照片素材，在拍照时候对象一定有让你产生审美的地方，这一点是审美发现，属于艺术范畴。但是在创作时候，对素材同样有个“再发现、再创造”的过程，如果缺了这个过程，机械地去描摹照片，唯恐不像，那也是令人不屑的“抄袭”，只不过少了一层法律追问而已。

抄袭这事情，其实包括的范畴多了，譬如照搬别人的构图（包括略作变动的），照搬别人的处理方法，照搬自己过去的某件作品。对抄袭的发现与惩戒，评审机构要有一套科学有效的办法，因为它关乎中国艺术发展的生命力。

《岜沙晨光》180×235cm

三、国画创新问题。本届展览中我参加了在中国美术馆的进京作品研讨会。有专家说，这届中国画与其他画种有交融互鉴现象。在展览中有若干幅作品引起了众多观众的质疑。观展中一些观众问我：这是国画么？观看作品，其材质、面貌、气息，要么是油画、丙烯画、水粉画，或者综合材料绘画，可以说，既没有中国画的思想内核，也没有中国画的模样。中国画毕竟是中国画，它是一个根脉不曾中断的艺术门类，核心思想在于中国的文化精神哲思，在于承载着气韵生动的笔墨形式。这些年国家倡导文化自信，落实到中国画，就是要坚信这一艺术门类在其他艺术门类前毫不逊色。研讨会上，有位专家说：“西方的绘画在向我们的写意奔跑，我们却向写实奔跑”——写实不是不可，但是专门朝材料、表现语言发力是舍本逐末，求其表去其质。十一届全国美展开始呼唤中国画的写意精神，这十几年过去了，每临全国重大展览，写意画依然不受重视，一方面确实写意画强差人意的问题，更重要的是，这个工笔的欣赏惯性和当代审美思潮，恐怕一时难以纠正。我们呼唤有更多的中国画家坚守中国画的写意精神，不必过于关注“现实”、“立场”，多一些文化精神和对生命的思考。

中国画创新要像人类的繁殖，上一代孕育下一代。下一代要有变化，那是根据成长环境与个体生命努力。不可能上一代是人，下一代就变成了猴子。

西化的“国画”作品，是典型的文化不自信，何以入了评委的“法眼”，而进入这么重大的展览的？

那种西化了的“国画”，作者可以画，建议移步其它画种。

《高原和光》180×233cm

四、作品大。本届（也包括往届）展览，作品普遍比较大。展览征稿启示中载明“装裱后宽不得超过200cm,高不得超过240cm”，大部分作者把这个规定用到了极限（包括本人）。全国美展作品大的问题，这些年也是“广为诟病”之一方面。本次展览后，有作者发表文章，质问大的问题。

作品好坏主要靠艺术思想、艺术语言来评定，画无论大小，只要这两方面充分表达，都是好画。中国古代山水画也有规格达到两米及以上的作品。既然能接受小画，为什么不能接受大画呢？小品画逸笔草草，尽可以欣赏其趣味性，也可以彰显作者的心性，但是以小品画的创作态度画大画，恐怕有问题。依我看，基本上小画就像小夜曲，你一个人哼哼，两三个人同时哼哼，都有它的趣味性。而大创作就像一部交响曲，弦乐、管乐、打击乐，小到三角铁，大到锣鼓钢琴，各司其职，这个庞大的乐队，演奏出的作品意蕴丰厚、气势宏大，现代的美术馆那么大的展览空间，如果墙面上挂着咫尺小品，估计会有小气之嫌。

大小画容量不一样，适宜气场不一样。大画朝小画，要简略很多，欣赏体系也发生变化。小画朝大里画，要增加许多绘画元素，要有大格局。

几届展览上，有几位非常优秀的写意画家，他们的作品就简略的几个形象，一两块大墨，画很大，但吃亏，吃亏在空。他的画如果缩小了，那无疑是好画。

当然，那些为大而大，充斥密集物象的作品，画大而格局不大，看起来乏味而累。

《安闲时光》

《国乐之梦》

人物写生《来自中戏的演员》

风景写生