《至爱梵高》：占着创新的形式，做着保守的叙事
近期opllx我没怎么看剧写文，所以公号更新频率也大为下降，在此先抱歉一个。
不过，还是感谢读者粉丝朋友的热情投稿，今天这篇，是来自于“吉光片羽”关于《至爱梵高》的影评。
「星空之谜」这个副标题加的真是……
冲着「让梵高的画作动起来」这个名声来看这部电影，看完后想想却有些失望。
《至爱梵高》，这片子在今年年中上海电影节的时候就来上海放映过，后来因为场次安排的原因，也是因为没有抢到票，所以错过了观赏机会，当时还觉得颇为可惜。这个月初在盘算本月观影计划的时候，还专门在APP上标注了「想看」。今天白天在工作间隙，说先定了今晚的票，以免没有合适的座位。然后再找出预告片看了看，也成功勾起了好奇的强度，只待今晚的观看了。
这个片子的优点，或者说卖点就是动用了过百位的画师来对梵高画作的风格进行描摹，以做到「让梵高的画动起来」的效果，据说手绘了超过五万帧的画面，可以说是非常认真，乃至完全称得上「良心制作」了。我虽然不懂绘画，但是这一点我觉得他们是做到了的。只是油画动起来还是不是那么的有艺术感，我有一些不同看法。
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影片的画风明显的可以被分为两种：黑白和彩色。彩色代表现在的时空，黑白代表回忆里的过去。
彩色的部分是明显的梵高油画的风格，很多的场景直接就是在梵高的画里，比如「麦田乌鸦」的麦田。
梵高的某些原画里的场景也是有人的，但多是远远的在大全景里，整个画作的透视也是有别于现实的，在影片开场的一个镜头里，开始也是梵高的一个原画《夜间咖啡馆》开始，镜头慢慢推进。
这还没什么，透视感还没有特别强的变化，直到聚焦到一对打架的人，镜头开始逆时针旋转这样的动作，这时候画面的「画感」里突然产生了「摄影感」，意思是你感觉到了摄影机的运动，这确实让你有种油画突然立体起来的感觉，让你有新奇感，但我觉得它同时破坏了「画感」，让我抽离了出来。
接着看下去，有些场景里，背景还是梵高画作的感觉，人物也是梵高画作的感觉，但人物在背景里移动的时候，不知道是那些幕后的画家故意做的处理，还是说是来自梵高原画的笔触，人物的轮廓部分是明显跟背景分割开的，似乎像是某些电影做出的深焦镜头时前后景衔接处会有的模糊感，可画作明明是哪里都清晰的（才疏学浅，不知道这里说的对不对），总之就是人物明显的与背景有略强的分隔感，背景不动人物动，也加强了这一感觉，我不是很喜欢，我又抽离了。
在有些人物和画面都在动的时候，感觉其实还蛮不错的，但是背景的透视明显「画感」强，而人物的比例又似乎是真实摄影的，给我一种活动漫画的感觉，也不能说错吧，蛮新奇的。
影片到后段的时候，我觉察到了，分镜走的是有点电视电影的路数，有很多中景近景甚至特写的画面，谈话的时候又采用了正反打，又是让影片整体的「画感」降低，「现实感」增强了，这样也让我抽离了。为什么不可以多用用小全景呢，不是更有画作一般的构图吗？有些场景的谈话真心不用切那么多单人镜头（这片全片没有过肩镜头，谢天谢地），两个人在一个画面里讲话就够好了（突然想起了《不成问题的问题》里的很多构图，这类文艺片的场面调度很适合这个片子的主创们借鉴）。
当影片的人物开始深入的谈话，切到单人近景是难免的，一般也是到了话题或者情感的深处，一般这个时候，会有演员的反应镜头，演员是有瞬间是完全不动的，专注在听另一个人的话，这在这个影片里就造成了另外一种怪异的感觉，就是演员不动的时候好像画面定格了，虽然他们在静止的那几帧里也有画面笔触或者颜色上的细微变化，让你不会觉得画面停住了，但是定格的感觉还是没有去掉，而且演员又开始动起来的时候你特别能注意到，感受到那种怪异感，我实在有点哭笑不得。
你能明显看出来这是西尔莎·罗南
然后说说黑白部分，当影片在现实和回忆之间转换的时候，画面是有做着很有趣的变化，而不是仅仅彩色切黑白。它的转场方式是过渡式的，而不是硬切，颜色有渐变，画面也是有渐变。像是背景先渐变成过去的场景，变成黑白，然后慢慢人物再逐渐消失，颜色也逐渐褪去，非常赏心悦目。这样让我想起了李安导演的《少年派的奇幻漂流》这部影片里的转场方式，也是如此舒适的过渡。
回到《至爱梵高》，影片黑白部分的画风与彩色部分截然不同，不像是油画，我猜更像是水彩画，笔触更细腻，没有那种粗粝一些的油画燃料的感觉。细腻的笔触，就带来了画面更像摄影的结果，黑白色调就更让人想起照相术发明早期的感觉，相对彩色部分来说，「画感」更弱，「摄影感」更强了。
第一次切换到黑白段落，也就是进入回忆的时候，我明显察觉到，这些画面都是前期拍摄过的，然后后期再转绘成画，黑白色调更是增强了「你这是在看真人电影」的感觉，这就距离「画感」更远了。不仅如此，黑白部分的构图似乎没再参考画作了，完全是在做真人摄影，甚至出现了手持镜头，我心里顿时就觉得，就像彩色部分的分镜一般，给我都是「电视电影」的风格（或者直接说水平），你都能想象右下角打着BBC的角标的样子(绝没有黑BBC的意思)。
当然，黑白部分还是有很多地方，尤其是大一些景别的镜头，能给我画作的感觉，那打光的方式是确确实实来自画作的（不知道那是伦勃朗式的，还是说梵高画的打光就是这样的，总之很精致），如果不切掉给近景的话，也是很不错的（包括一些彩色的段落，比如主角去找另外一个年龄较大的医生去谈话时，医生给他比划梵高中弹可能的情形，不切镜头，一个小全给到头就牛逼了）。
总之影片是没有利用绘画活动这个形式可以利用的一些地方，反而是套在传统保守的拍摄方式上，很是让我痛心。
真人摄影的质感
一处转场
这个用光就蛮不错的（没找到更更合适的图）
网上的资源据说对画幅的裁切切的很厉害
故事的叙述方式也是有些保守，也是没利用好自身的一些长处。故事的构架是「公民凯恩」式的，电影讲的是梵高，却不是直接描写，而是跟随另外一些人的视角。
电影一开始就告诉你，梵高已经死了，死的原因不知道，但是留下了一封未寄出的信。主角是梵高生前没有多少交集的邮差的儿子，被他父亲，梵高因常常寄信而熟识的邮差，委托去找到梵高的弟弟提奥，把这封本应寄给提奥的信传递到。
我们就是跟随着主角阿尔芒的视角进行的，他像是侦探一般，为了找到这封信该投递给谁，访问了梵高常买颜料的颜料商，常住的酒馆的老板的女儿，宣布梵高无法抢救的加歇医生以及医生的女孩和女管家，常带梵高到湖面上写生的船夫，小镇上的警官等等人，一点一点了解到了梵高生前是什么样的人，以及梵高死亡由来的可能的真相，每个人物有每个人物对梵高的态度，每个人物有每个人物对真相的看法，梵高的形象就在这一段一段的追问中立体起来了。
这其实可以是很高明的手法，如果主创能以奥逊·威尔斯的水平来讲述故事的话。因为我在观影过程中一再的被抽离出来（中间还跑去上了一趟厕所），我很难说文本有没有很好很完整的展现出梵高的形象或是精神面貌，我只能说我在观影过程中一直没能认同主角的行动，他一开始是不想掺和这件事的，也完全谈不上喜欢梵高，他会觉得因为父亲太照顾梵高了，梵高却时不时表现过疯狂的举动（割去自己的一只耳朵送给妓女），他们反而因此被嘲笑，直到后来父亲语重心长的委托，他才勉强答应去送信，再到后来为梵高辩护，责问船夫在梵高生前被欺负的时候为什么不帮忙，甚至自己跟某些村民打架，去质问加歇医生这样的态度完全转变的行为。
他内心的转变我觉得没能编的有说服力，人物弧光像是硬掰上去的，让我后半段对他的小愤怒完全不能感同身受。
我不知道梵高这个人物立起来了没有，我感受到的都太碎片，但我可以确定主角是没有立起来的，他态度转变的动机都太飘渺。
具体到段落，该片的叙述方式也是差强人意，比如主人公勾起一个角色对梵高的回忆时，很自然的是用旁白过渡的，讲述者的旁白告诉我们过去的情形是怎样的，我期待是讲述者只用说一两句，让我们顺利过渡到黑白段落就可以了，结果没想到很多处它都是旁白覆盖了回忆的全部长度。
我知道有些事实，或者看法之类的只能用旁白说出来，但你回忆过去的段落里似乎就没有什么新内容了，有的只是对旁白的解释或者内容的展示（大哥，这是电影啊，事实是怎么样的就不能让我们直接看吗？那段回忆给我们观众的感受不是应该让我们自己去感受吗？干嘛要说那么多呢？这还是电影吗？电视电影现在这么拍的也很少了吧？），这就很让人失望了。
这个景别就很合适
全景看起来很舒服
总之就是，它在画风上，它「画感」做的很弱，这就浪费了这个形式的优点；叙事上，又浪费了很好的侦探式的框架，讲述得「很不电影」，也是浪费了创意。
好在，结尾加歇医生确实送到了信件，阿尔芒不辱使命，并得到提奥遗孀寄来的梵高给提奥写的第一封信件的复件，他读了起来，梵高的精神还是显现了，然后出志愿表字幕的，《Vincent》这首歌，“Starry Starry Night……”的词句响起来，我还是被感动了一下。
更加惊喜的是，它出主要演职员的时候是用的书的形式，让人想起故事里要出版的梵高兄弟的书信集。翻开有演员的画像以及参考的梵高原画，还有梵高书信里的句子等等，精美的排列在书页上，这真是极棒的设计，让我对这个电影还是增加了一些好感。
片名其实是书信的落款
有兴趣还是去电影院看一下吧。