分享 | 导演需要为场景准备什么？
1.演员的准备
导演是你的观众,也是能影响你的人中唯一的裁决者。只能从你的导演那寻求反馈信息,而在工作人员、旁观者或者其他演员面前,做一个听不见任何言论的聋子。
2.给定的情境
要知道在每一场景中的每一个情节点上,客观环境和压力如何影响着你所扮演角色的身心状态。你得“给定情境”包括你角色是谁、在什么时候、在哪里、在做什么。它们包括身体与心理特征、社会状况、特殊的人际关系，还有你所扮演的角色的价值观和道德立场。
3.背最故事与人物小传
为你得角色编一个生平小传，来支持剧中为说明但有所暗示的背景故事。你的角色所有的言语、行为都来源与他（她）的过去，无论是最近的还是很久以前的，在这些内容都没有进行限定的情况下，你则必须要编一个合适的小传。在排练期间，你的导演会不时问你有关角色背景的问题，当遇到一些不清楚的事情时，总是要寻根究底。
4.调整
我得角色试图得到什么、要做什么或是实现了什么？他（她）总是为了得到一些东西（一个微笑，一杯咖啡，一个赞同的回应，一次拒绝，一个内疚的示意，疑惑的一瞥）而作用与其他角色。如同在生活，你得角色通常只意识到紧迫的、短期的目标，但是长期目标通常深藏于生活表象之下，可能很难察觉到。
短期目标必须与长期目标相适应。用如下的要求定义你角色的每一个目标：
→用主动动词（如“我会说服……”而不是“我将是令人信服的……”）。
→其作用的某人或者某物（如“法官”）。
→一个渴望的结果（如“让我下车去医院见我哥哥”）。
很自然，你的角色会经常没办法达到目标哦，然后这将引出下一个目标。（“我将恳求我的律师替我说情，让我在哥哥动手术前见见他。”）
5.定义动作
给你的动作一个说明性的标签来帮助你赋予它们主题和意义，甚至像打开柜橱的门这样常见的动作,也需要一个清晰的标签, 比如, “他轻轻开门”,就说明了谨慎或许是恐惧的情绪°替换其他主动动词,就像“猛拉”、“扯开”、“猛推”、-猛撞”、滑动、用肘推、猛扑向、猛海、用力拉或者“猛挥”等等——你将获得一系列关于人和门之间的关系,标签的描述帮助你在一个镜头的多次拍摄时找出适宜表演的动作并在各个镜头中保持一致,它们也会更好地将动作特殊化并揭示人物内心世界,当你需要的时候,预先设定好真实的肢体和内心动作也可能释放真实情感。
6.其他角色如何看自己? 我如何看待自己?
一出戏中每个角色都会启发我们对其他角色的理解，所以：
→其他每一个角色怎么看你？
→你怎么看他们？
→你们有什么共同点？你们之间最大的不同是什么？
→当别的角色对这个角色有看法时，你需要为角色做出怎么的辩护？
→他（她）怎么把这个辩护合理化？
7.别的角色试图对我做什么，或者他们想从我这里的得到什么？
在表演中，敏锐地聆听其他演员的意志和意图中微妙的部分，这样你的角色会保持新鲜和活力。一个镜头拍摄多条，以及从多个角度拍摄时，就能够显得生动，因为你和你伙伴的工作是从实际出发，而不仅是从想象出发。
8.节拍
当一个演员总是保持不变的意识，你必须知道你的角色的节拍在哪儿。（那就是，他们的意识的巅峰和转变在哪里。）这些部分要加大表演的力度，并成为你角色的支撑。
9.调整
当你追随或维护你的角色目标时，你要将成功或失败考虑到事件的每一个转折中去。当障路发生,你要随具体情况作出策略调整。找出这些调整在哪里,或是怎样去帮助你建立起密实且灵活的角色意识。又因为与你搭戏的演员们在每次表演中有细微的不同,所以你在表演时必须随之般反应.持续做这项工作，能帮助你轻松地在许多镜头里变成焦点。
10.维持角色的内在声音与心灵的眼睛
从你角色的过去唤起其内心的画面，在角色中记忆和想象，平缓地将角色内心的想法表达清整,并看到内心的画面。这能让观会不断对你感兴趣。
11.理解角色的作用
理解每个场景以及整部电影要实现什么，理解你的角色在其中能起什么作用。不要试图夸大或改变这些作用。 在排练期间，当你更加深入地了解你的角色，你将不断为你角色的“最高目标”收获新的领悟。这将发生在所有演员身上，会深化你对电影以及潜力的理解。
12.了解整部作品的主题意图
每一个人物塑造都有其戏剧性的功能，必须在整部作品的情节推动和最高目标发挥自己恰到好处的作用。在这里，你必须和其他演员合作，而不是竞争。
13.导演的准备
你应在创作上走在你的演员们前面，所以你要将每个场景分解，找出每个戏剧性单元中趋势每个角色向前发展的因素。你会从演员们的工作中学到更多，但演员一般都会觉得你对他们的角色更加了解。从准备工作开始，对于作品关于是、怎么处理它，你都会越来越确信。你知道作品的权威就由此而来。
演员们都要从导演那里得到果断清晰的指导,同时对于他们表演,也希望导演能给出简洁明了却又细致的反馈。他们感觉自己从未在这方面得到满足。一个对每个演员所传达的东西有敏感并可以将之向演员准确表述的导演,就像是交响乐团的指挥家,能听得出第四大提琴师在演奏时的失误° 没有人天生就会这项技能——你必须努力学习来获得它。做好你的准备工作一在生活中学习戏剧的来源, 然后分析剧本——打好基础。
14.潜文本、场景分析、指导的权威
依照“带剧本的表演练习” 中的方法,分析一出戏剧或者电影剧本,看看这件“细木家具” 是否打制得过紧或过松, 你和你的演员们必须做些什么才能修正它 。
15.冲突
剧本的“引擎”就是冲突,所以你必须知道每次冲突是怎样开始、怎样发展、怎样升华、怎样解决的。为了冲突的存在,你必须定义并加强对立的模式,这样才能将它们协调好。
个体之间的矛盾就像一场击剑比赛——许多战略步法和相互试採引导出一次攻击。每一击,力量平衡都会改变。那个意识改变的瞬间可能就是一个节拍,这样就掌握了至少一个角色的重要意义,每一个节拍是一个“危机调整”(crisis adaptation)的瞬间,在每场戏中会有一个或多个这样的节拍。
16.加强戏剧张力
演员们是从戏中向外看,而你从外面看进去,就像观众一样。你要负责戏剧的形成。通过将节拍和剧情需要、 角色态度或角色情感联系起来, 你才能知道如何表演才能展现剧本的最大张力,通过巩固场景发展的轨迹.清晰地发展角色的意图,你就可以帮助塑造出这个场景对观众施加的影响,标签的标题能帮你阐明这一点并能帮你避免一些不必要的重复。你的目标是使观众保持关注和猜测的状态。
17.“笼统的”表演
接受过良好训练的演员知道表演是按顺序安排起一个个清晰的意图, 一个个恰当的动作, 一个个明确的要求。那些业余演员的表演则比较“笼统”,因为他们只是以一个抽象的角色描述为指导,并试图向观众指示这种抽象概念。你必须帮助他们梳理剧本的每个部分,让它们变成一支旋律的各个步骤。
为了加强你的技能, 请做一个研究——在你自己和別人身上——看看对事物的认识、情感和動作是如何在生活中发生的。当你看到了一些例子,你将永远不会接受大杂烩式的表演。
18.角色节要中的变化
节奏的单调乏味是演员在表演中死记硬背台词的征兆。当所有演员在某个场景中陷入同一种令人迷惑的节奏时，问题就已经变得很严重了。在生活中,人们都有自己讲话和行动的节奏。这些变化源自不同情境影响下的心情和压力,比如一个人在激动或疲意的时候,行为的节奏是不一样的。如果演员创造出他们角色的内在状态（这种状态总是在角色到达节点的时候发生改变），他们就可以保持角色独有的并处于不断变化中的节奏。让你的演员们真正地去相互聆听，让他们在表演中意志力相互影响，你将立刻看到节奏的变化。
19.强制性的时刻
镜头中的某一个节拍将会成为强制性的时刻,这是整个场景存在的主要转折点。要证明这一时刻是否至关重要,可以从场景中抽掉它,看看没有它整个场景是否还成立。当每个场景的“强制性时刻”是清晰的、明显的,你的执导才有重点°
20.决定每一个场景的作用
像钟表中的齿轮一样,每一个场景应该有属于它的最佳位置和功能。确定一部作品如何一场接一场地聚集能量, 能使你自信地演绎每个场景并知道每一场给下一场注入了怎样的推动力。通过加注标签来定义你的场景,标签上注明场景的作用,以便你清楚地与演职人员交流场景所要表达的实质,出来了满感情色彩的描述标题,关于场面调度和场景设计的想法就可以毫不费力地涌出来了。
21.整部作品的主题意图
如果你的演员接受你的诠释，那么你得诠释必须明确地做到与剧本相辅相成，不像那些被出版的戏剧剧本，电影剧本不是神圣的文献，导演经常给原型故事，（对于一部被人购买的电影剧本而言，这是一个多么深刻的名字啊！）提供足够的自由空间。
这对电影编剧老说十分痛苦。但是一旦拍摄开始，你就要冒险去重新思考电影的主题。要牢记电影是一个想法和信念的传递系统，也是映照出特定人群和特定生活方式的一面镜子。