严伯均《西方艺术课》古典艺术之美声歌剧
本篇介绍：
意大利正歌剧的第二春
罗西尼：有史以来最受欢迎的歌剧作曲家
多尼采蒂：极富戏剧性的美声歌剧
贝利尼：以歌剧挖掘女性内心
罗西尼 ：意大利正歌剧的第二春
歌剧是西方的一种戏曲形式，最早出现于16世纪的意大利，作曲家和剧作家分工合作，把故事情节和旋律结合在一起，最终成为一部作品。歌剧这一音乐形式在意大利作曲家蒙特威尔第手上基本成形，并且创作出非常出色的“正歌剧”作品。
正歌剧（Serious Opera）本义上指严肃的歌剧，内容上多取材于神话故事、帝王将相的英雄传说。大部分的正歌剧结尾都是以悲剧收场，让观众沉浸在悲伤的情绪和无尽的思考中。
意大利正歌剧在16世纪风靡欧洲，但因为其中有诸多弊病，所以在17、18世纪时逐渐没落，甚至可以说在“协奏曲之父”维尔瓦第之后的150年间，意大利都没再出现过大师级的音乐家。
意大利正歌剧在长时间的发展中，逐步形成了自己的套路，剧情过于脸谱化、规程化，导致音乐家把所有的精力都放在炫技之上，越来越以歌唱家为中心。尤其是阉人歌手在舞台中占据主导支配地位，受到观众的追捧，歌剧中纯艺术的部分越来越少，最后迎来了格鲁克对于歌剧的彻底改革。
意大利的歌剧和德奥的交响曲在艺术上呈现“单线程”和“多线程”的二元对立。德奥音乐的创作方式以整体为重，用多样的声部和配器相互发生反应，是一种具有结构感和逻辑性的音乐形式，非常丰富。意大利歌剧是一种纯粹的主唱和伴奏之间的关系，歌剧中独唱的咏叹调常常最为出色，强调个体的力量。
罗西尼（Gioacchino Antonio Rossini），被认为是意大利正歌剧的复兴者，是意大利历史上第一位歌剧英雄。罗西尼凭借极其受欢迎的歌剧作品《坦克雷迪》《奥赛罗》等，在欧洲刮起了一阵“罗西尼旋风”，他的演出一时间一票难求，唤醒了意大利正歌剧的第二春。
罗西尼的歌剧作品集中代表了“美声歌剧”（Bel Canto）。美声歌剧是指一种特定的歌剧形式，和戏剧歌剧相对，在内容框架上几乎是完全以音乐性为主，不太注重故事性的戏剧表演，对唱法和唱腔有着独特的追求。
美声歌剧中对于声音具体表现形式的要求在意大利文中叫做“Messa di Voce”(Place of Voice ,声音的位置），是指在美声唱法中，不论声音的音高如何变化，演唱者都需要从头到尾保证音色的稳定和柔美，将声线和音量保持在一个统一的框架内。罗西尼《塞米拉米德》中最著名的选段《美丽的阳光令人愉悦》，对于中音区和高音区都做了保持了统一音色的处理。
美声歌剧三杰：罗西尼，多尼采蒂，贝利尼。下面详细介绍。
罗西尼，有史以来最受欢迎的歌剧作曲家——罗西尼旋风，意大利莫扎特
正歌剧：《塞米拉米德》《奥赛罗》
喜剧作品：《塞维利亚的理发师》（跟《费加罗的婚礼》故事差不多，有段曲常用在电影里面） 《灰姑娘》《雀贼》《威廉·退尔》（跑马曲，哈哈）
非常具有歌唱性，便于哼唱；
美声唱法：不论声音的音高如何变化，演唱者都需要从头到尾保证音色的稳定和柔美，将声线和音量保持在一个统一的框架内；
罗西尼渐强（“渐强先生”）：通过重复渐强的乐曲段片段来逐渐达到旋律中的顶点；
作品难以演唱，需要进行多个音区的来回切换，要求演唱者拥有极好的气息控制能力，并且提前进行欢声设计；《圣母哀悼曲》
非歌剧作品《圣母哀悼》，非常具有歌剧特点，如同一张咏叹调合集
多尼采蒂：极富戏剧性的美声歌剧
戏剧性极强，在保留美声歌剧的旋律性的基础上，戏剧价值比罗西尼更出色。如“女王三部曲”。
对人物刻画异常深刻，如《拉美莫尔的露琪亚》中的疯狂场景（mad scene），歌唱中加入几句“念词”，巧妙地处理了美声唱法和戏剧性之间的矛盾。
是19世纪向法国人民普及意大利歌剧的功臣，写了大量意大利歌剧形式的法语歌剧。《军中女郎》中的9 high C的唱段，被誉为“高音C之王”。
贝利尼：以歌剧挖掘女性内心
创作精力都集中于塑造那些最为精致柔美的旋律唱段。用离经叛道的歌剧选题刻画了众多鲜活而深刻的女性形象。
采用大量Legato（惯音）的创作手法，要求演唱者考虑唱词之间的逻辑性，实现唱段间平滑无痕的转换和总体音质的统一。他与多尼采蒂的区别，正如绘画中和大卫相对的安格尔，线条非常简洁。《诺尔玛》
歌剧选题《清教徒》《海盗》《诺尔玛》《梦游女》，选题上跟天主教的核心价值观相差甚远，却受到当时观众的热烈欢迎。
下篇介绍戏剧歌剧，敬请期待