世界摄影史（一） / 开普饭

世界摄影史

一、摄影史前史

从15世纪，人们就认识了透视技法和暗箱技术。只需要一间漆黑的小屋和一个可以让光线进入的小洞，就能将外面的景物投射在小黑屋的墙上。但如何凝固住这些景象，人们一直在探索。

二、摄影术的诞生

1839年1月，法国科学院在其官方公告中宣布摄影问世。

从19世纪20年代开始，法国人尼埃普斯不断实验研究，通过对一块经过处理的金属板曝光获得影像，并且拍摄了世界上第一张照片《勒格拉斯的窗外景色》。

从画面看很不清晰，技术很不成熟。

尼尔普斯去世以后，法国人达盖尔继续进行试验和研究，通过对碘蒸气敏感的镀银铜版曝光，并将铜板置于汞蒸气中冲洗出影像。他公布了这项研究成果，并称之为达盖尔摄影术。

世界上第一张达盖尔摄影术拍摄的照片，影像清晰了很多。

达盖尔很有商业头脑，也很善于营销，一时间这种立拍得式的摄影术风靡欧洲，人们趋之若鹜，竞相体验摄影的乐趣。

这是巴黎街头人们排队体验摄影的盛况。

印制在铜板上的人物肖像。可以看出当时的一张照片价值不菲。

几乎是在同一时间，英国人塔尔波特将自己的摄影术报告了英国皇家学会。他用一张处理过的纸张，成功的插入小型相机中，形成影像负片。但当时由于画面模糊粗糙，未能引起重视。

1840年又发现了显影液，使得相机曝光时间由30分钟缩短为30秒。1841年，他申请专利，被命名为卡罗式摄影术。

在摄影发明的名位争夺中，塔尔波特虽然成为炮灰，但卡罗式摄影术却最终成就了现代胶片摄影术的诞生，从而大幅拉低了摄影成本，并促进了影像印刷业的革命性进步。

三、摄影术的早期实践

摄影术诞生以后，在摄影的初期，主要进行了肖像摄影、旅行摄影、科学观察和运动摄影（或称连惯摄影）等四个方面的实践。特别是运动摄影成为后来电影摄影的雏形。

肖像摄影的代表是法国人纳达尔。

旅行摄影的代表人物是杜坎姆。

马克思尼采拍摄的囊肿照片

迈布里奇拍摄的运动中的马。

四、高艺术摄影

摄影诞生之前，绘画一直发挥着摄影的写实功能，摄影发明后，一批画家用摄影技术拍摄了一批绘画作品，令画家惊呼绘画死了。

这一时期的代表人物是雷兰德，他创作了一幅名叫“人生两条路”的摄影作品。

人生两条路

美术作品：雅典学院。（《人生两条路》就是模仿的这幅作品）

“人生两条路’的问世，让人们发现原来摄影也不是简单弱智的东西，可以通过摄影去做绘画的一些事情。因为虽然人生两条路的摄影创作很复杂，但是比起绘画，创作这么一个大型的史诗性的绘画作品，还是要快捷简单的多，并且效果也不错。

由于历史的原因，高艺术摄影受拉斐尔前派绘画风格影响很深。由于取材于宗教故事、寓言和历史史诗，所以内容是虚构的，前期拍摄需要搭建场景，挑选演员，后期要进行合成拼贴，这些都是高艺术摄影最显著的特征。

高艺术摄影其实对现代艺术摄影的影响很深。比如现代艺术摄影中的摆拍，后期的ps，或者是商业摄影的一些影棚布景，灯光，场景设置，后期合成等都可追溯到高艺术摄影。

中国有一个代表人物叫郎静山，他擅长的是暗房技术，所以他的作品都是通过摄影的手法去拍摄了很多风景的素材，在暗房对这些素材进行拼贴，达到一种中国画的效果。

下面的照片中，芦苇，船，后面的山层层叠叠，这种非摄影透视性的画面排布完全模仿中国画，他既是高艺术摄影，也是拼贴摄影。

五、画意摄影

高艺术摄影是在本来直接的摄影流程中加入了许多不必要的手工过程，运用拼贴合成，制做像古典绘画的东西，从而严重局限了摄影的表达。

在这种情况下，一个叫彼得亨利爱默生的人，他提出了自然主义理论，认为没有一种艺术能比摄影更精确，更细致，更忠实的反应自然。

画意摄影就是摒弃拼接等后期手工痕迹，运用镜头直接表达自然之美，包括建筑、田野、人像、人体等。同时在表达形式上尽量贴近绘画的表现形式，追求绘画之美的意境。

低角度表现建筑物的线条。

极具素描特征的摄影作品。

具有抽象派画风的摄影作品。

画意摄影的影响十分深远，作为摄影的一种风格，画意摄影虽然在历史的潮流中已成为过去，但其实很多人的心里，始终存有画意摄影的理想，或者说是画意摄影的一种思维，至今影响着人们的摄影创作。

六、从画意摄影到摄影分离派

斯蒂格里茨是美国人，他在欧洲学习摄影艺术，他希望能在美国搞一个与欧洲不太一样的独特的摄影，使之成为一种脱离绘画的独立的艺术品种。他联合了美国的一些摄影师，结成了一个以摄影成为个人表现的全新手段为目标的摄影集团，这就是摄影分离派。

从摄影分离派的作品可以看出，它虽然是画意摄影的底子，仍然沿袭着画意摄影的方法、拍摄技巧和处理手法，但是作品在审美上，对于摄影的启发性、自觉性上已经有了更深的突破，他们发现摄影不再是一个模仿绘画的工具，摄影师完全可以通过自己的视觉语言进行更多的创作，使摄影从追求绘画式的艺术向直接摄影过度。

摩天大楼

八爪鱼（城市景观）

自然风光

唯美人像

家庭生活

七、直接摄影与现代摄影

直接摄影是美国摄影家保罗斯特兰德在1920年左右提出来的，他认为摄影者必须学会，并且保持对眼前事物真诚的敬意，并借助作品中无限广阔的超出人类双手技能极限的影调将敬意表现出来。

直白的说，所谓保持对眼前事物真诚的敬意，就是拿相机直接拍，不去修改，所见即所得，不需摆弄拍照与冲洗的技巧，用直接摄影的方式完成它。与画意摄影复杂的后期不同，直接摄影只需相机加镜头加感光材料即可完成。

直接摄影的观点意义重大，它让摄影的本体语言彻底的被发挥出来。摄影的本质就是记录，这是有别于绘画的一个很重要的优势，如果只去围绕画面的美感而进行创作，这种本质的功能就被低估了。

有人评价保罗斯特兰德，说他的思想影响定义了今天人们对艺术摄影和纪实摄影的理解与实践。

保罗斯特兰德的作品：白色栅栏

保罗斯特兰德早年师从于刘易斯海因，他是最早以摄影去关注社会问题，通过摄影来推动社会变革的著名摄影师，他的作品《童工》就影响到了当时的立法。

刘易斯海因的作品：童工

从1914年开始，斯特兰德抛弃画意摄影的方法，开始拍摄抽象系列。

《白色栅栏》就是这一时期斯特兰德的代表作，即使到现在，这幅作品在拍卖会还特别吃香。这类作品的特点是把人们司空见惯的事物拍摄成很有冲击力的影像。《白色栅栏》的拍摄方式明显不是画意摄影的思路，虽然也很注重画面线条，但是这种拍摄完全跟绘画没有关系。

1916年的秋天，斯特兰德开始了纽约街头匿名肖像系列的创作，他在纽约下东区偷拍社会边缘人群，其中最著名的是巜盲妇》，被称为摄影史上最具震撼力的肖像

巜盲妇》是黑色背景，画面很粗糙，主体人物既不美也不年轻，而且赤裸裸的把人物的残疾直接的毫无保留的很清晰的记录下来，与画意摄影的甜美、感伤又虚拟的画风完全的格格不入。它被称为是最反画意摄影的一张照片。

巜盲妇》为摄影之美的价值尺度建立了一个新标杆。

虽然之前人们也认为摄影之美和绘画之美不一致，但实际上摄影认为的美，或者说摄影师去尽力展现的美，还是更与绘画之美趋于一致。我们在画面上经常看到的是柔和的光影，年轻的女性，姣好的面容，优美的身材。我们不会看到残疾，不会看到皱纹，也不会看到粗劣粗犷并且清晰的直接记录残疾的肖像。画意摄影追求的美在保罗斯特兰德看来已经显得不重要了。对他而言，对现实生活本身的理解和表现才是更为重要的。

保罗斯特兰德作品：盲妇

在街道中发现一座城市，在厨房的角落里探寻一个国家的生活方式，选择那些在平凡之中蕴含着非凡代表性的平常之物。这给了我们理解保罗斯特兰德作品一个很好的入口。

八、直接摄影与F64团体

当摄影进入到直接摄影以后，摄影师们发现从此拥有了一种能力，即能够透过相机去寻求一种只属于摄影的美学，它既不属于绘画的，也不是属于文字的或其他什么的，他只属于摄影。而这种由直接摄影产生的摄影美学，被一个叫作f64小组摄影团体发挥到了极致。

1932年在美国出现了一个摄影史上重要的摄影团体，F64小组，有爱德华韦斯顿、安塞尔亚当斯等人组成。

F64小组实际上把直接摄影的理论发挥到极致，精细刻画能力成为摄影的基础审美美学。

当时摄影师为了获得最清晰影像和比较大的景深，会选用当时最小的光圈64，这些摄影家用F64来命名，主要为了强调自己的艺术主张，抵制画意摄影的模糊，追求影像的纯粹性，即用锐利的光学镜头，很大的景深，用光面相纸直接印相，从而获得清晰有力，质感新鲜的形象。所以说f64小组是直接摄影直系的发展团体，抵达了直接摄影的巅峰。

爱德华韦斯顿50岁以前主要从事商业摄影，以开照相馆为生。51岁时开始接触直接摄影，从此抛弃了早已厌倦的商业摄影，投身于他所钟爱的直接摄影实践活动。

爱德华韦斯顿以拍摄蔬菜、昆虫、水果、贝壳这类平凡食物的静物肖像为主，最负盛名的作品是“青椒一号“，这幅作品的厉害之处在于它把一个很普通很平凡的青椒拍出了质感，拍出了生活的诗意。

爱德华韦斯顿作品：青椒一号

许多人对于安塞尔亚当斯的了解主要停留在风光大师和区域曝光法创始人的认知范围。

其实在逐渐对亚当斯的理解之后，我们会发现，他的作品其实没有那么简单，他不是现在的摄影老法师所拍的风光摄影，不是简单的对大自然的记录，作为f64小组的创始人，作为现代摄影一个非常重要的人物，他的作品究竟好在哪里，今天所拍摄的这些壮丽的风景照片，跟亚当斯的作品相比又差在哪里，这些都是需要我们深入思考的问题。

以上的这段话是老师讲的，老师也没有给出答案。有人说亚当斯的作品表现了对大自然的敬畏和人物的渺小云云。就我个人的认知，我还理解不了亚当斯拍的风光片和现代人拍的风光片到底有什么不同？见仁见智，自己理解吧！

安塞尔亚当斯的摄影作品：

直接摄影同样也在欧洲发生了，但与美国不同，欧洲的直接摄影走向是与艺术与美术更加亲密的结合在一起的。

尤金阿杰是一个法国人，他用一个大型的照相机，以一种特别怀旧的，特别浪漫的视线，去记录巴黎的都市风景，他对待摄影的态度，可以说与当时美国的直接摄影有种不谋而合的相似，因为他的老巴黎的照片是直接对准现实，直接来自于将逝的世界。他将镜头对准街头的纪念碑，老教堂小巷里的旧建筑，街角橱窗，公共马车、桥梁、公园等。它的画面浪漫唯美，但是他并不完全陶醉在这种画一般的优美中，他的作品的终极立场是为了记录老巴黎的那些将要拆除的建筑，那些逝去的没有工业化的巴黎的街道和古老的建筑，所以他其实是建立在直接摄影的概念之上的。

尤金阿杰的摄影风格非常的独特，但正是他的这种很老式的拍照方法，与他所拍摄的题材不谋而合，这种棕黄色的调子和气质其实与他拍摄的老巴黎旧日时光非常契合。

我们在尤金阿杰的照片中，可以看到一个非常静谧的巴黎，一个个被他脚步踏破的清晨，或者是在巴黎将醒没醒的时候，尤金阿杰就悄悄地收集了巴黎最为动人的表情。这是一个时代的记录，毕竟随着工业化，现代化的浪潮，巴黎这样的往日时光已经不复存在了。

尤金阿杰摄影作品