定义艺术之美
昨天我们从技术上把画油画所需的材料道具全捋了一遍，今天就继续讲讲怎么把我们要画的作品画的更美。
对于美的定义始终是一个莫衷一是的，可能在你眼中一幅作品美与不美的关键是像或不想，但在别人眼中作品是不是没的关键是色彩是不是够艳丽，画面是否足够绚烂。
如何才算作美我们无法给出百分之百的定义，但至少也存在一个大概的理念，这可能是某些规范性的原则，可能是基于大部分人审美体验的总结，总之，一幅“美”的作品多少还是有据可查的。
构图是一幅画的骨架，一幅作品要有挺拔的身躯，画面中的人、物、景的布局结构是最基础的，只有把架子搭好了在这之上的创作才能展开。
草地上的圣母，拉斐尔，113cmx88cm，维也纳艺术史博物馆
在文艺复兴初期画家么习惯采用的是金字塔型的构图，这样的构图方式从结构上看稳定且清晰，适用于表现主旨内容，也方便中心透视在画面上的运用，对于边角位置场景的安排也相对简单。哪怕到了现在，这种经典至极的构图方式也依然流行。
这可以看做是一幅作品的灵魂，无论肖像、景物或静物，既然要表现某一事物，选好主题自然是重中之重。
格尔尼卡，巴勃罗·鲁伊兹·毕加索，普拉多美术馆
一个好的主题决定这观众在主观上对作品的认可度，哪怕像《格尔尼卡》这样在表现形式上无法被我们一眼接受的立体主义作品，但无论到了哪个时代我们都知道这是一幅法西斯“画”下的作品，因此它被我们认可。
色彩可不单是指作品画的多艳丽就一定是好的。作品的艳要艳出科学性才是关键，这也是印象派画家们乐此不疲的追求的目标。
青蛙潭，彼埃尔·奥古斯特·雷诺阿，瑞典国立博物馆
印象派在艺术发展史中承担的最大责任就是对光影的研究，在他们的笔下色彩不在是灰暗的，他们的作品充满着阳光和自然的气息。
要说色彩是印象派的绝活，透视对于文艺复兴的价值也是不言而喻的。科学透视法是很长一段时间内画家们遵循的基本原则，是塑造传统的西方绘画领域铁律。
洛林大臣的圣母，扬·凡·艾克，卢浮宫
在现代绘画，尤其是表现主义捣乱后，具象不在是画面的要求，抽象作品眼中基本是没有透视的立足之地的。
我们在说到风景画时其实说过，最初的绘画是没有风景画这样的分类的，风景画源自人物画的背景，久而久之也就成了单独的绘画门类。
圣母的婚礼，拉斐尔，布雷拉美术馆
既然背景都能单独成为风景画这样的门类，足以体现背景在实际创作过程中仍然占据着重要的地位，一副好的作品需要一个切实的背景，尤其是历史画、风俗画之类，融情于景的作品才能让读者明白现场的真实情景。
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