我对中国画的个人感悟
摘要：本文结合当前中国画发展的现状，重点从中国画的本质特征入手进行分析，分别从强调个体心灵感悟、丰富的文化容量、客体的科学性服从于主体的艺术性以及超出画面的意境等角度进行分析，认为中国画从古至今都带有浓厚的民族特色，这点则是其屹立于世界美术舞台重要因素，也是中国文化不可或缺的一部分。在接受西方绘画的情况下，一定要重视自己传统的文化的本质特征，这样才能做到辩证地吸收和利用，更好地发挥中国画独特的魅力。
纵观我国历史发展长河，中国画在其中具有特殊的地位，是中国历史不可或缺的组成部分，自然受到中国文化的深刻影响，可以从中国画中体现出我国的传统文化特点。经过分析，我国画家在各个历史阶段层出不穷，各种类型的国画作品也多如牛毛，当前，进行中国画创作，以及欣赏中国画的人非常之多，他们都对于中国传统文化有着深刻的认识，但是，他们中的部分人并没有能够从本质上认识到中国画的特点，这样就会使得从文化的高度欣赏中国画受到一定影响，不利于进一步在吸收西方画的基础上更好地推动中国画的发展，使得我国的中国画独特优势的发展受到一定限制。因此，在此基础上，应该彻底解决上述问题，这里结合自身经验，探讨了中国画的本质特征相关内容。
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一、个人心灵感悟的思考
从中国画的历史发展可以看出，其理论核心就是中国传统文化的宇宙观。根据我们的认识，人类精神文明的发展则是受到不同的宇宙观影响和限制。不同的民族文明产生则是根据不同历史条件下的宇宙观的影响，这样就会造成具备不同的艺术观以及审美观，利用不同的艺术表现形式手法，能够在特定的背景下，更好进行艺术效果的创作，这才是民族艺术发展所具备的重要内容。所谓的宇宙观，主要就是人们对于世界万物的基本观点和看法，包括如何实现人们和周围事物相处。相比于西方的发展历史，我们的祖先有着敏锐的思维能力，有其独特性。
西方人较为重视人与神、人与物之间的关系，在这种背景下的西方文化中宗教和科学则在并行的发展轨迹中。而中国的先哲们则是集中力气来探讨人和人之间的关系，重视这方面内容的探讨，而不是过于重视人与“天”(神)、人与“地”(物)的关系。所以，我们从中国传统文化的思维方式的整体性中，可以看出“天人合一”的内涵，主要就是秉承人和自然合一的理念。根据庄子的观点，人与自然始终处于和谐融合发展的状态关系中。在这样的背景下，我们自然不难理解“以和为贵”“中庸之道”等精神品质，这种思想也影响着艺术创作，使其具有明显的本质特征，这就是中国画中的心灵化的艺术形式。#文化#
在进行中国画的创作中，更应该重视个体心灵的领悟，通过国画能够将内心深处的心灵节奏得到反映，更好符合宇宙内部的生命节奏发展。所以，中国画不仅仅是刻板地对于自然进行描述，而是更加重视内心情绪的反映，利用这种笔墨的浓淡、点线的交错手法，能更好去创作出意境深远的画面。当然，这就要求作者能够充分观察自然，并在其中结合自身的感悟，将自我融入景物中。能够实现画家心中的“物”即“我”，“我”即“物”，在具备这种感觉的情况下，方可更好地进行创作，能更好地摆脱空间和时间的束缚，不断利用想象力，更好地去体现出对于自然的领悟和感受。基于认识论的观点，绘画则是不断发展和变化的过程，应该承认这种动态性的存在。对于中国画的创作来说，很大程度上体现出一定的自由性，有了感觉就能画出来，实现画家主观意愿的表达。
二、文化内涵的丰富性
在中国画中，不仅可以找到山水、人物以及花鸟的刻画，还需要书法、诗句以及印章之间的相互配合。这种特点在世界美术舞台中具有独特的风格，这种丰富的文化内涵具有特殊的作用。对于中国画的创者来说，绘画仅仅是一个方面，还应该包括深厚的文化底蕴，包括写诗作文等方面，能用笔墨文化将诗文进行充分的表达，在有条件的情况下，还应该制作出有特色的印章。由此可见，我们可以在中国画中，找到丰富多彩的文化元素。从书法与画为例进行说明。笔墨勾勒线条可以看作为中国画的造型语言，能充分表明中国画和书法艺术的紧密联系性，可看出书与画同根同源。纵观历代画家的作品，往往都是工画者必工书，也就是书法的功力决定画法的高低。从这个角度来看，也是实现造型语言的统一化要求。从我国的宋代开始，在国画中已经同时存在题跋与诗文，可以看出书和画都是缺一不可。再通过画与诗进行阐述，在画面上经常可以看到画和诗同时出现在一起，这就一方面要能体现出画面的诗意，另外，还能要求诗能够反映国画的艺术气质，更好地通过气韵生动诗句来营造国画的意境，重点强调两者在风格、气质、韵律以及节奏方面的默契配合。画面配有诗文更能提升国画的意境表达。
最后，结合国画创作，来分析一下印章的作用。宋朝画家在进行国画创作时，往往都是署名不用印，用印不署名，只选择其一即可。到了元朝，则是署名、盖印一起出现在画面上，沿用至今。当前，中国画除了利用诗文、笔墨等主体化的语言，还能通过印章语言将作者的内心情感进行一定程度的表达。将一方朱印加盖在典雅素净的画中，就能起到万绿丛中一点红的点睛作用，使得原本平静安详的画面顿时升级。利用诗书画印完美的结合，使得中国画独具特色的艺术表达得到充分展示，将更为丰富的文化内涵添加到中国画中。
三、科学性服从于艺术性的思考
应看出中国画独特的思维性，则是难以用科学标准进行衡量处理，中国画的造型、构思、时空、线条等方面，都能体现出客体的科学性服从于主体的艺术性的内容。从中国画的线条内涵进行分析，结合康定斯基对“线”的相关理论，西方的抽象画中的相关理论往往难以解释中国画中的线条，这也是由中国画创作的工具材料的特殊性所决定的。
在中国画的造型方面，相比于其他的画种来说，并没特别重视形似，可以看出，画家已经开始主观改造了画面中的客体，并没有准确来反映所谓的“形”，却透露着浑厚的艺术张力。在中国画的艺术发展中，“似与不似”则是较为准确的艺术法则，能够较为简练且准确地反映中国画的造型原则。
分析中国画的创作过程中，应该充分认识到毛笔软硬相间的刚柔性、宣纸奇妙的渗透性以及墨色层次变化的丰富性，通过上述三者的融合能够显示出国画艺术的奇妙性。这也是中国画最显著地区别于其他绘画形式的基本特征内容。对于中国画中线条的节奏变化秩序来说，能够体现出主观强加给客观的内容，更多则是体现出“意”方面的内容。在不断追求中国画的意境表达中，主要就是画家主观情感的表达，或者客观对象的精神气质。利用这种意象、意境的追求，能够更好地表现出作者的情感。
从中国画的视觉角度进行分析，并不局限于时空界限。从中国文化的宇宙观角度来看，基本符合我国传统的人和自然合一的精神，在画面表达中模糊了相关的空间、时间、地点的界线。在中国画中，主要是表现为人为方式，相比于写实油画的特点，中国画则是能够在特定的环境中，使不同时空界限内的花鸟、景致以及人物相互融合在一起，还可以把不同时间的景物同样处理在同一画面中，能够根据主观愿望将相关事物在没有时空限制条件下组合在一起。比如，对于不同季节开花的梅兰竹菊，能在同一画面中进行展示。可见，客体的科学性服从于主体的艺术性的特点也是中国画的本质特征。
中国画还能将复杂的客体过滤为“空白”处理，这也是中国画的特点。在进行意象表达中，空白作用非常重要，其不仅可以作为意象空间，还能成为相应的其他意象的物体。一般来说，空白可以将大海、山川、瀑布、烟霞、头巾、皮肤、云雾等相关的客体，在画面需要的基础上，进行相关客体的过滤，满足意象性表达的需求。同样，空白不仅仅可以视为炎炎的白昼，也能表达为漆黑的黑夜，这都是根据画家所选择的主题内容而决定的，其体现出无形或有形的特征，主要存在于观赏者的联想空间中。
四、国画的意境体现
对于中国画创作进行分析，其最终目的不是为了画面形象的营造，而是重点要体现出画面之外的意境表达，这也是中国画最为显著的特点。在我国的唐朝之前，中国画的主要题材就是人物，这种类型的国画中，主要就是关注人物的神形兼备，而不仅仅是停留在画面的形象上，重要的是通过画面来反映人物的品质和性格，能够将画家对于此人的评价充分反映出来。
唐宋以来相关的自然景物主题则是鱼虫、花鸟以及山水等方面。画面上的自然景物经过历史的积累，已经成为相互流传的永恒题材，比如，“岁寒三友”的松、竹、梅，以及“四君子”的梅、兰、竹、菊，这些在国画中都被赋予了大量的情感化以及人格化的内容。对于画家来说，可以将人性以及社会的意义寄托在山川林木中，能够体现出山中有仁义，水中有智勇的特点，让生命气息充满山水画中，能体现出山水外的寄托之情。从西方的风景画进行分析，其主要是单纯追求色、光、体、形等物质美方面。花鸟画则不同于此，而是重视意境表达。这点可以从倪云林的“写胸中逸气耳”以及苏轼的“吐胸中块垒”观点中找到。
在国画教学中，某位老师在进行花鸟画的讲学时，随手画了一条流动的鱼，在课后，有位学员却到市场中买了一条同样类型的鱼，并比照着其进行绘画，并将作品给教师进行展示，这幅作品则是比例正确且大小和真鱼一样的死鱼在画面中央，由此可见，学员并没有真正意义上理解中国画中的自然物象问题。所以，应该认识到，中国画的题材则是经过人格化、人性化的处理，并不是简单的纯自然主义的翻版，也不是对于画中景物的逼真追求，所以，在具体的题材处理中，应该不受到空间、时间的限制，利用主次分明的方式更加突出主体形象，应该更好地体现出作品的思想内涵。