影像的历史：从自然摄影到合成摄影

在一场由柏林的克莱姆艺术馆承办、主题为《人类器官》的新展览中，汇集了来自不同年龄层次的艺术家的作品。他们的作品大部分都体现了对于摄影影像和表现手法根本性的重新审视。该摄影展近日将于巴黎摄影艺术博览会呈现。

当我们回顾前一代的艺术家们在当代摄影艺术领域耕耘的历史时，就会发现一种与“人工图片”相类似的观念在当时似乎已经出现。

这些艺术家的作品的共同点在于，它们都体现了从“拍”照片到“制作”图片的转变——而这一点从本质上来说，是在一种完全不同的社会语境下重塑了影像媒介。

尽管在摄影中应用各种手段和技术是一件司空见惯的事情，并且这也反映了技术的发展与进步。但是，当人们回顾这些作品，不禁会问：我们是否是在见证影像媒介本身伟大的文艺复兴？我们看到的真的是一张照片吗？

受邀的艺术家们都是利用一种特殊的手法创造出了作品的这一新“特质”：他们对于影像布局或其整体构造依然和影像的原始资料有关，只不过他们将这一媒介保守的边界用令人惊艳的方式进行了延伸。

这些“制作图像”的行为是在工作室限定的空间内有目的性的完成的。基于流程的摄影的各个方面，和经典技法的革新以及数字技术相结合在一起，在某种程度上意味着一些艺术家们可以被归类为“雕塑思考”，而另一些则可以被归类为“绘画风格”。

常用的“事实与创作”、“图像与对象”、“纪实和表达”或是“艺术与技术”二分法使得图像中的冲突和矛盾看起来并不怎么有趣。但是在这些艺术家手中，摄影技术已经变成了他们的一种“乐器”。

在这样无数的可能性中，如何做决定，以及选择的过程已经不仅仅是在“描述”什么是有可能实现的，在不同的时间段用哪种技术，哪些材料和展现形式是切实可行的。

一个敏锐的艺术家会基于他对影像内在的深厚了解，运用视觉技巧消除这种“随机性”。这体现了一种偶尔利用主观性抵抗无限可能性的方式。

维多利亚·宾斯柯特(Viktoria Binschtok)的作品集是由几组基于视觉和形式关系的摄影影像组成的。为了应对循环的图像生产，Binschtok已经将网络搜索引擎运用到她自己的艺术创作中。

Binschtok使用计算机的搜索算法，输入了她自己的摄影图像，来看看电脑会反馈给她什么样的相关图片。

从那些结果中，她选择、重演、并排布了这些图片，再次创造了属于她自己的版本，试图完成并开启这种循环——不断打破和超越图片来源、搜索结果和原创作者等概念的界限。

摄影师简·格鲁芙（Jan Groover）最初是一个画家，并且她的关注点和其他那些她研究并且崇拜的画家一样：莫兰迪，塞尚，弗拉·安杰利科，以及许多其他的14、15世纪的欧洲大师。

从最开始的时候起，她的摄影方式就非常的“抽象”——她从摄像头的视角探索空间可能的模棱两可性，并根据她自己对于和谐统一看似神秘的理解，揭露拍摄对象的隐秘性。

格鲁芙的静物摄影展现了70年代后期的一个画面，图像聚焦于厨房中的每日必用品：叉子、勺子，黄油刀刀片，旋涡扇形状的蛋糕烤盘，画面以一种混乱的方式展现，并且通过反光的物体表面将光线转化为可以刻画的对象本身。

这些图片不仅利用女性化的微妙的纪实手法引起观赏者的共鸣，并且还出色地运用了摄影中常用的虚实结合的手法。

约翰·莱尔（John Lehr）的作品源于他对于曲面精准的镜头观察，他的作品存在于有形和无形、真实世界和虚拟数字的持续互动中。他的作品最初来源于有形的观察，然后他用数字的方式处理影像，并且最终根据原物的大小按照一比一的比例打印出来。

这些作品的复杂之处在于其不确定性——图片中所描述的对象的形态，是由艺术家创造的，还是在艺术家介入之前就已经存在了呢。

作品中嵌入的索引痕迹运作于触觉表面和虚拟屏幕的交汇点。

莱尔永久性地记录了人和墙、窗户以及门之间的短暂的交互瞬间，但是他微妙的数字和物质交互赋予了这些图片新的自主对象，即使它们所对应的是一个真实的时空。

在马特·里普斯（Matt Lipps）最近的系列作品“看透图片”中，他探索了一种类似于剧院布景的静物摄影风格，在影像中呈现了人物、道具、对象甚至图片本身。

他从各种不同的来源中广泛地采集对象，相片中参与“演出”的对象包括人们熟悉的和正式的形象（包括现代主义雕塑，人体模特，和花卉摆设），他以这些复制的影像作为背景，表现现代主义的“死亡”的主题。

这种充满了色彩的背景为图片提供了一种心理结构：背景不再是为了“包含”或是衬托对象而存在，而是为了标志着对象向另一个空间的延伸和释放。

这些分层的窗口以一种以直觉布局的方式交互和呈现，为对象和人物创造了一种不确定的领域。